la vuelta al mundo

Discos: El sur en la noche (El viento enloquece a la gente, 2011).-

2011-12-26T18:14:00.000-08:00

Una de las bandas históricas del under neuquino comienza a transitar en este disco un destino sonoro bipolar que lo reúne con su esencia dark y lo ubica ante un camino nuevo, con más luz al fondo, cargado de cachengue y fiesta colectiva.

Por Guillermina Watkins

Neuquén, diciembre 26 (Agencia NAN 2011).- ¿Habrán pensado alguna vez los escoceses de Cocteau Twins que existe una tierra llamada Patagonia, un río llamado Limay y un pueblo a sus orillas? ¿Habrán imaginado hasta dónde llegarían sus influencias? Seguramente no. Aunque, tal vez, si tal cosa hubiera ocurrido, definitivamente habrían pensado en El viento enloquece a la gente, la banda que con muchos años de historia y diferentes formaciones, se encarga de hacerle honor al género que casi casi inventaron ellos: el new wave. Claro, lectores, podrían pensar que en épocas de internet todo sería posible. Pero no. Antes de ser El viento..., los chicos fueron Santa Maldoror y Enfermita, logrando sostener fervientemente, incluso a falta de conexión a la red de redes, el sonido post punk, new wave, dream pop con un mensaje árido y desértico; ése que sólo ellos imprimen.

Después de haber lanzado su Del Pánico, Valle (2009), esa producción invernal, romántica y melancólica que los unía a aquel sonido inglés, El viento... se embarcó en un proyecto más ambicioso: dejarse llevar por los ritmos y las posibilidades sin descartar el espíritu lúdico que los caracterizó siempre. De este modo, en El sur en la noche queda demostrado esta convivencia de estilos y estados: mientras que el lado A --la noche--, muestra ese costado "histórico" de la banda que revisa su pasado punk, dark folclórico y romántico, el lado B --el sur-- se abraza con la herencia gitana, festiva y sónica a la vez. Bien podríamos afirmar estar ante la presencia de un disco bipolar que intenta retratar la sociedad valletana.

Canciones como "La cabeza llena", "La casa rosa", "Canción para el inicio de los vientos" y "A veces la noche" encabezan el disco en su costado más oscuro, con una lírica característica que el frontman del sexteto, Rulo Lupano, se encarga de convidar en cada show. Ferviente militante de la psicología social desde temprana edad, El Rulo se encarga de describir pequeñas historias del Valle --como es conocida la zona patagónica donde se recuesta Neuquén-- con esa transparencia descriptiva del poeta que sólo puede hablar a través de imágenes.

Es que en sus letras, también, se reflejan naturalezas, en el sentido más amplio de la palabra: la de Neuquén, pero también la que alguna vez miraron Alejandra Pizarnik, William Borroughs, Fernando Pessoa, los beats, sentados a las orillas de quién sabe qué porción de agua. Todo eso enmarcadado en la confluencia de los ríos, las chacras, el espíritu trágico de una ciudad en la que "los homicidios y el viento son lo mismo" y, sobre todo, muchos recuerdos de la infancia ante tardes complejas en el desierto.

Pero después de la paliza sobreviene la tranquilidad o la fiesta. Y ahí es donde aparece el primer tema que mixtura ambas sensaciones: "La gente entre los ríos". Comienzan los festejos del mañana, las celebraciones de los funerales, el cumpleaños entre bombas y huracanes. Como en "Las máscaras", "Tornados y poblados" y "Más allá del bien y el mal", con un acordeón, que incita al movimiento.

El sur en la noche es un renacimiento. Esa fiesta ante un fogón en el que los sobrevivientes de la catástrofe se saludan y vuelven a brindar. Como lo que implicó el regreso de uno de los fundadores de aquellas primeras bandas originarias, el Chely, que se anima a colaborar en "A veces la noche", para inundar todo con su chamánico delay. O el aporte de Diego, en el acordeón, o los coros de músicos amigos como "El Bicho" Bolita, Max de Atrás hay truenos, El Palo de La Cría Vampira, o las Gospel Ladys Chaos. Además de ellos, y después del alejamiento de otros músicos, amanece la noche con la incorporación de Niza (ex Quijote) en la batería y el vikingo, en bajo, con quienes se embarcarán el próximo otoño en la tercera producción de El viento..., primera con esta formación.

Para escuchar lo viejo: http://www.myspace.com/losvientos

"Vamos todos para adelante"-.

2011-12-20T18:26:00.000-08:00

Bicho Bolita y París Gatitos, una de las bandas más convocantes de la región, presentará mañana a la medianoche su segundo disco, “El universo no se equivoca”, en el Teatro del Viento.

El sucesor de "Una lobotomía frontal" contiene 17 temas y la producción de sonido estuvo a cargo de Lautaro Labrín.
La Mañana de Neuquén > “Lo más importante ya lo logramos: nos encontramos. Y cuando veo a la gente que se copa saltando y cantando los temas siento que ya estoy hecho”, finaliza la charla con Ricardo “El Bicho Bolita” Sueldo, un músico neuquino que ya tiene varios años dando vueltas por la ciudad. Pero es menester comenzar así para resumir el espíritu de la banda que lidera hace dos años, los París Gatitos, una familia con códigos sencillos, basados en esas ganas jóvenes de compartir tiempo y que hoy es el grupo independiente con más convocatoria de la región.
El éxito, muchas veces surgió a través de la improvisación y la sorpresa, y es lo que sucedió, también, con el título del disco recientemente “parido”. “Le pusimos "El Universo no se equivoca" de casualidad porque una amiga, la escritora Nadia Heredia, soñó con la frase y nos gustó”, destacó El Bicho y agregó que hasta el nombre del grupo surgió de la nada y por un simple "nos gustó cómo sonaba".
Así, el sucesor de "Una lobotomía frontal" (2010), será presentado mañana, en el Teatro del Viento (J.B Justo 648), desde la medianoche.
De este modo, la segunda producción de la banda se convierte en la primera en ser registrada de manera “seria” bajo las manos de Lautaro "Deelay" Labrín, hijo del reconocido Reinaldo, al que consideran el "séptimo" París Gatitos. El arte, por su parte, estuvo a cargo del percusionista Gastón Pereira.

En familia
Los París Gatitos, (El Mushu, El Bicho, El Tute, El Tonga, El Mauri y La Gise) se encuentran reunidos ante la gran consola que sólo tiene permitido tocar Lauta. Así, todos juntos ante esa tecnología, que sirve de fogón hipnótico, para que los músicos se le den cierre al sonido de las 17 canciones.
“Nunca fui solista por elección –comenzó el Bicho-. Siempre lo fui porque nunca encontré con quién encajar a nivel sonido y a nivel grupal, pero ahora es distinto. Con los pibes está todo bien porque se re prendieron al proyecto y se fue tornando más serio. Vamos todos para adelante”, destacó el cantautor y compositor.
Es que antes de regresar a la ciudad por algunas cuestiones de salud ya había editado, siempre de manera casera e independiente, alrededor de tres discos y unos cuantos cassettes.
Después de aquellos años en los que editó “Disco de Pasta” (2004) o “El sabroso grito de los mejillones cuando hacen el amor”, El Bicho se encuentra frente a la banda independiente de mayor convocatoria en la zona.
“Está bueno lo que estamos viviendo arriba del escenario y eso que tenemos menos de dos años de vida. Nos encanta que la gente nos vaya a ver y sepa todas las canciones. Se genera algo que nunca antes nos había pasado y eso que nos conocimos tocando”, describe Sueldo.

El nuevo disco
“Hasta el año pasado teníamos una lista de 12 temas y después fuimos sumando más porque nos daba pena dejarlos afuera”, relata el Bicho como si las canciones tuvieran vida propia.
“El Universo no se equivoca” está compuesto por 17 temas de los que ocho son nuevos, cuatro acústicos, y el resto composiciones que volvieron a ser grabadas por los jóvenes multifacéticos.
A nivel sonido, si bien todo está escrito en clave de rock, el público podrá encontrar algunas joyitas latinas como una samba de la mano de la cantante Isabel Vaca Narvaja, o la murga de la Porfiada Postalina en “Canción de nadie”. Asimismo, Juan Pablo Bergese incorporará su trompeta, “el primo Alexis que viene de la playa” sumará su armónica y la hija de Lautaro Labrín (que tiene 3 años) colabora en algunos coros.
“El año que viene vamos a salir a tocar para pagar el disco. Iremos a cumpleaños de 15, casamientos, tocaremos como los cumbieros viernes, sábados y domingos, iremos a casinos, a casinos clandestinos, etc. Iremos al Lula Partuza (en vez de Lollapalooza), etc.”, comentó con ese típico humor que lo caracteriza.
“¿Qué me gustaría? Me gustaría estar tocando con los chicos dentro de 30 años. Como los Rolling Stones. Pero lo más importante ya lo logramos: nos encontramos”, concluyó.

Una historieta cargada de futuro .-

2011-12-07T18:11:00.000-08:00

Con la edición de El cuervo que sabía --libro que recopila la tira homónima-como excusa, Agencia NAN se metió en el estudio del historietista neuquino Kwaichang Kráneo para recorrer pasado, presente, futuro y llegar hasta el siglo XXIII.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentilez de Kwaichang Kráneo

Neuquén, diciembre 7 (Agencia NAN-2011).- ¿Puede el apocalipsis comenzar en una ciudad aún en desarrollo como Neuquén? ¿Será, como deseo el mismísimo Marx en su ideario de revolución, que el inicio del cambio se dé en una de las "colonias" como llama el historietista neuquino Kwaichang Kráneo a las provincias? En el mundo de la ficción y más aún en el mundo de la ciencia ficción todo es posible. O, al menos, eso queda demostrado en El cuervo que sabía, una de las tantas tiras que Kráneo publicó semanalmente en el sitio colectivo Historietas Reales (HR) y que este año fue recopilada por la editorial cordobesa Llantodemudo.

La obra reflexiona a cerca del conocimiento, el amor, la familia y, sobre todo, la posibilidad de construir mundos. De pronto, un día del siglo XXIII, "Mono" --el único ser humano vivo-- se da cuenta de que está solo en una parte del mundo, que para él significa todo su mundo. Así comienza la historia, el melodrama temporalmente construido después del apocalipsis, o mejor dicho: después del momento en que un orden que parecía inamovible se desmorona de repente y un joven, en la pubertad, debe comenzar a reconstruir su historia. Una historia marcada por la supresión de sus deseos hormonales para que no sufra al encontrarse como único sobreviviente de su raza.

La trama en la que el último sapiens se relaciona con otros seres, no humanos, y se da cuenta de que --además de encontrar a su padre que lo dejó allí para ir a buscar otros sobrevivientes-- debe conseguir una chica surgió, valga la redundancia, de la cabeza siempre-pensante de Kwaichang Kráneo, prolífico historietista de la ciudad patagónica, conocido en el ambiente de las viñetas como uno de los promotores del blog HR.

También supo publicar en la revista Fierro: Patria, en la que narra el conflicto entre unitarios y federales, junto con el guionista Federico Reggiani; Novelas Infinitamente Breves, con guión de Jorge Zentner; El Reemplazo, una reversión de El Eternauta, también junto a Reggiani. Es decir, Kráneo es un miembro activo entre los nuevos historietistas nacionales como Diego Parés, Luciano Saracino, Liniers, Gustavo Sala, entre otros, que buscan mantener su labor, cerquita de su amor por el cómic.

Las 112 páginas que reúnen El cuervo... conjugan lo tradicional (el amor, las instituciones familiares, y otras tantas temáticas de las que nadie aún... aún, no logra desprenderse) con un futuro oscuro. Y mientras las tecnologías cambian a velocidades sorprendentes, Kráneo convierte a su historieta en un relato por demás contemporáneo: con ese poder de imaginación (y de adelantamiento) que suelen tener los grandes historietistas.

“Pensar historias es una aberración o una deformación: es querer que las cosas sean de otro modo a como son. En el caso de la ciencia-ficción es imaginar hacia dónde vamos, cómo será nuestra historia, cómo seremos, aunque sabemos que el futuro es impredecible por definición. Moebius decía que todos tenemos nuestras perversiones, el tema es hacerlas operativas. Bueno, de eso se trata mi búsqueda”, resumió Kráneo en diálogo con Agencia NAN una tarde en su casa, repleta de dibujos y personajes irreales todos provenientes de la historieta y la ciencia ficción.

Hasta el mismo Kráneo --nacido bajo el nombre de Carlos David Lima-- es su propio invento: él no responde a otro nombre. “Suelo sufrir migraña desde chico y un amigo (también dibujante) me puso este nombre al verme llegar a su casa, por los caminos polvorientos entre las chacras de Cipolletti, como si fuese un Kwai Chang Caine (personaje de la película Kung Fu) con mi morral lleno de cuadernos con dibujos y mis terribles dolores de cabeza”, relató el historietista que todo el día piensa en historias, en imágenes sin poner en remojo sus sesos ni un minuto.

Y por eso, la historia de El cuervo... irá más allá de la tira que comenzó a publicar en HR allá por 2007 y luego devino en un libro, trascenderá las tapas duras de su edición. “La idea es contar el viaje que 'Mono' realizó hasta llegar al momento del inicio del libro. Contar dónde fue su padre, la búsqueda de la chica en la estrella, la historia la chica encerrada en un satélite como forma de curarla de su enfermedad. Hay muchas cosas que viven 'allá afuera'. Por eso, el final te deja en las puertas de algo para continuar con las historias de los personajes en diversos unitarios. Eso es lo que permite la historieta: bifurcarse en otras aventuras”, afirmó para añadir suspenso a lo que está por venir.

¿Cómo verá esta cabeza el 2012? "Recibiré el 2012 dibujando sobre el fin del mundo", advirtió Kráneo, es que desde una revista de Colombia le pidieron para publicar una tira con esa temática. Además, aseguró que estará trabajando en las nuevas historias surgidos de El cuervo... y continuará con Murmullo, una historieta que actualmente publica en HR y "narra la historia de un oso cobarde", contó sobre esas viñetas que "no son ciencia ficción", aunque permanece dudando sobre la sustancialidad de lo real como se plantearon sus maestros; como continúa investigando dentro y fuera de su cabeza.

Blog: http://www.kwaichang.com.ar/cuervo/
HR: http://historietasreales.wordpress.com/

Burbujas de rock con destino al cerebro.

2011-12-06T18:23:00.000-08:00

Amor Fizz, banda de punk rock de la ciudad, se presentará este domingo en el Teatro del Viento. Mostrarán su producción discográfica “Cambio en caramelos”, recientemente editada. Será a las 18.

El disco estará a la venta en el stand de "Sin Odio Discos", sello del grupo. Se presentarán también Deacorde, Rompiendo el Silencio y Tres Tiros.

La Mañana de Neuquén > Efervescentes, como esas burbujas que suben y recorren el cuerpo de arriba abajo, son los Amor Fizz, la banda que comienza a hacerse su gran espacio en la escena rockera de la región. El punk rock poco clásico que los cuatro chicos de 23 años despliegan es como un sacudón romperportones que sabe combinar la mejor tradición del hardcore con soniditos pop y letras que golpean fuerte, ahí por donde nadie se lo espera. De ese menjunje de producción juvenil, los Amor Fizz ya llegaron a su segundo larga duración, “Cambio en Caramelos”, que presentarán el próximo domingo, desde las 18, en el Teatro del Viento (J.B.Justo 648) en un show que pretenderá despegarse de su sonido clásico con invitados como Juan Todero en congas y Ezequiel Garrido en el acordeón. Las bandas invitadas serán Deacorde, Tres Tiros y Rompiendo el silencio, con las que vienen presentándose hace tiempo.
Quienes quieran conseguir sus discos podrán hacerlo en el stand del sello que ellos mismos llevan adelante, Sin Odio Discos, con el que editaron también la discografía de "Rites of Spring" y "Spit Boy", bandas de los ochenta de Estados Unidos. Asimismo, habrá una exposición de fotos que se instalará en el hall de entrada de los artistas Pekitas de la vida, Flor Saraco, Leo Otero, Magdalena Azcazuri y Gustavo Busto, más los graffitis de Ezequiel Arévalo.

La búsqueda de un sonido
“Cambio en caramelos” es el sucesor de “En este mundo ideal” (2008) y el EP “Canciones para dormir y soñar” (2010). A diferencia de los anteriores, la novedad radica en el sonido: sin dejar de ser contundente, los muchachos definitivamente se embarcaron en hacer otra cosa completamente distinta a la anterior. Si “En este mundo ideal” las canciones aunque musicalmente rockeras demostraban un mundo poco feliz donde abundaba el desamor, la hipocresía y el desgano, “Cambio en Caramelos” plantea una sucesión más experimental, instrumental y con una composición que sin dejar de tener crítica social dibuja una esperanza en el horizonte.
“Las bandas siempre hablan de sí mismas y nadie sale del ombliguismo. Calamaro le canta a Calamaro, Pertusi a Pertusi. Las canciones de desamor convocan porque a todos nos ha pasado el desamor. Pero en realidad nosotros queremos hablar de otras cosas y no ya desde el “yo” o el “para mi”. Intentamos armar canciones poco rebuscadas que digan algo. Dejarnos de lado a nosotros para ver qué sucede alrededor. Como el caso de “Amor no está” que es el llanto de una madre recordando a su hija que fue secuestrada por las redes de trata de blanca. ¿Para qué hablar de comunismo o socialismo cuando acá enfrente pasan cosas más fuertes?”, comenzó Nahuel Dominguez, guitarra y voz del grupo que comparte con Ezequiel Arévalo, Rodrigo Cide y Fernando Machado.

Volver a la raíces
Otra de las nuevas apuestas de la agrupación –y algo que queda marcado a fuego en el disco- es la sonora. A la prolijidad del primer disco se le antepone una prolijidad desprolija, basada en el registro low-fi (casero) que no por eso deja de estar bien logrado. “Cambio en Caramelos” fue íntegramente grabado en la casa de Nahuel a diferencia del primero que registraron en Buenos Aires en una sala de grabación "como Dios manda".
“Surgió como una especie de experimento porque en realidad no buscábamos grabar un disco. Y de comenzar a probar con la porta estudio que nos compramos salió. Pero lo mejor de todo fue que contrariamente al sonido moderno y tecnológico que podríamos haber conseguido si íbamos a grabar, logramos algo que describe completamente el sonido de Amor Fizz”, se aventuró el líder del cuarteto.
Es que, según afirman en común decisión, el material pareciera sonar como un disco grabado en 1992 y no en 2011 ya que, lo analógico de la grabación casera les permitió captar más la esencia de las cosas.
“Es como volver a la cultura del “Do It yourself” (“hazlo tu mismo”). Hoy para un disco profesional tenés que gastar como 10 mil pesos. Nosotros preferimos invertir en las ganas y el alma para ponernos a grabar un disco. La intención que le pusimos al disco a la hora de grabarlo es lo que realmente le da ese sonido que encontramos. Cuando hacés las cosas con buenas energías, se transmiten siempre”, agregó Sánchez.
Esa energía que desparraman en cada uno de sus shows –bien enérgicos por cierto- es la que cotidianamente construyen a la hora de buscar nuevas perspectivas compositivas. “Si en 3 años hacés discos que suenan igual es porque en vos no hubo un crecimiento musical y tampoco para la banda. En nosotros podes encontrar un cambio lógico que tiene que ver con el paso del tiempo y las influencias. Sin dudas, estamos más grandes, con un sonido más encontrado; esperemos poder seguir en la búsqueda”, destacó el joven líder.

El sabor de la revancha.-

2011-11-20T18:18:00.000-08:00

“El Gato con Botas” (3D), que se estrenará el 8 de diciembre en las pantallas de nuestro país, plantea una ruptura de los estereotipos de Hollywood: acá los héroes son latinos y los malvados son norteamericanos. “Esto se ha acabado y ha acabado con eso un simple gatito. Esto es un acto de justicia, de revancha”, aseguró Antonio Banderas, que encarna al tierno minino.

Por Guillermina Watkins
Buenos Aires, 20 de noviembre, La Mañana de Neuquén (Enviada especial) > Dicen los que viven del mundo del teatro que cuando se interpreta un personaje es muy difícil arrancarlo de la piel y que los actores, como los gatos, tienen más de una vida. Por eso, en el momento Antonio Banderas comenzó a lengüetear un vaso lleno de agua para demostrar cómo lo hacen los felinos ante un auditorio lleno de periodistas en el Hotel Alvear, el jueves pasado quedó inaugurada la presentación oficial de lo que será la llegada de la nueva apuesta del estudio Dreamworks cuando, el próximo 8 de diciembre, “El Gato con Botas” desembarque en las salas de todo el país de forma tridimensional. El galán malagueño estuvo acompañado de Salma Hayek, el director Chris Miller y el productor de la compañía, Jeffrey Katzenberg. El lanzamiento que se realizó en varios países de Latinoamérica como México, Brasil, y que luego seguirá por Europa, fue promocionada en su país natal en junio pasado, colocándose durante más de dos semanas como la película más vista. Asimismo, se convirtió en una de las más taquilleras de lo que va del año, y ya ha alcanzado los 80 millones de dólares en la recaudación.
La película, que desembarcará en los Village del país, cuenta la divertida historia del seductor Gato, que tendrá a su lado a Humpty Dumpty (un huevo) y a la astuta gata Kitty “Manos Suaves”, para apoderarse del famoso ganso que pone los huevos de oro.
“Un placer para nosotros estar en Argentina. De todos los lugares a los que hemos ido y a los que iremos en la gira mundial, Argentina tiene para mi un significado muy especial”, destacó Banderas, durante la Avant Premier en el Village Recoleta. El actor, que pisó por primera vez nuestra tierra en 1984, siente profunda admiración por la gente y su cultura y reconoce que siempre “se lo ha tratado de manera fantástica”.
“Me encanta Buenos Aires y más en esta época del año. Es hermosa la ciudad y me encanta que me hayan recibido con enormes sonrisas y hermosos jacarandás florecidos”, fueron las palabras de una Salma Hayek alegre durante la Avant Premiere a la que asistieron Nicole Neumann y familia, Leonardo Montero, Lito Cruz, Germán Krausse, entre otros famosos.

La venganza se come en plato frío
Dicen que los gatos tienen siete vidas y también dicen que su personalidad es bastante enigmática. Sin ser cariñosos, lo son, sin ser sociables, lo son. Guardan, como todo animal, la necesidad de pertenecer a una manada y este Gato con Botas tiene todo eso junto y más.
“Ya llevo casi diez año viajando con este personaje”, fue lo primero que dijo Banderas haciendo referencia a las cuatro películas de Shrek en la que se vistió de minino. “Me ha permitido la posibilidad de reírme de algunas cosas que he hecho y de mi mismo y al mismo tiempo viene a aportar algo que es muy importante para la comunidad hispana. Es que cuando llegué a Estados Unidos, hace más de 22 años, me dijeron que yo siempre iba a hacer papeles de malos, narcotraficante, ladrones, gente de mal vivir. Y de repente, que esta sea sin duda la mayor apuesta que haya hecho Hollywood, financiera y artísticamente, por una película de carácter hispano, me produce mucho orgullo”, arengó Banderas.
Es que, a diferencia del resto de las películas que le ha tocado interpretar, los personajes épicos tienen acento español –y la picardía asociada innegablemente a lo hispánico- y son los malos los que tienen un perfecto inglés, como es el caso de Jack y Jill, dos campesinos norteamericanos.
“Es muy bonito para nuestra comunidad que Hollywood comience a pensar de esa manera, donde la chica no es una chica sumisa abandonada en las manos de un hombre, sino que tiene una personalidad y un espíritu libre. Y más datos que aportan a la diversidad cultural para ganar el respeto de nuestra comunidad y romper estereotipos”, agregó el actor quien destacó que “esto se ha acabado y ha acabado con eso un simple gatito. Esto es un acto de justicia, de revancha”.
Hayek, por su parte y un tanto menos “politizada”, destacó que su realidad fue aún peor. “No es lo mismo ser mexicana que ser europea aunque seas de España. En décadas anteriores la industria directamente no tenía papeles para las latinas. A mí me decían que mejor me volviera, pero yo no quise y bien por eso”, agregó.
Además, la intérprete que volvió a las pantallas con su rol de la Heroína Kitty Softpaws (“Kitty Zarpas Suaves”) le deparó situaciones insólitas. “¿Cómo explicarle a mi hijita que le iba a poner la voz a una gata? Por un lado tenía que explicarle que los gatos así no existen, que no hablan. Por otro, no quería romperle la ilusión hasta que un día fuimos al cine y cuando pasaron el tráiler me agarré la cabeza. Ella se dio vuelta y me dijo “¡pero mamá, esa gata habla igualito que tú!”.

La dupla del éxito
“El Gato siempre fue mi personaje favorito –comenzó Chris Miller, el director-. Por eso, inmediatamente supe que tendría su propio universo, su propia historia. Para este trabajo me pasé horas viendo videos de gatos en YouTube. Así pudimos estudiar bien cada expresión. Fíjense cómo Antonio aprendió a beber como los gatos”. Siempre bien dispuesto y asumiendo el rol que le toca, Banderas tomó agua como lo hacen todos los gatos reales y ficticios del mundo para la locura de las mujeres presentes.
“A mi me gusta mucho el Gato como para compararlo conmigo –continuó Banderas- aunque él es más heroico y valiente, pero el sentido de la amistad creo que eso sí tenemos en común”.
“Eso es verdad”- afirmaba Hayek que siempre es convocada por su amigo malagueño para participar de filmaciones y agregaba, con un chiste poco celebrado- nuestro “Jefe de los Gatos” se llama Kat-zenberg. Todo cierra”.
De este modo, el “Jefe”, que antes de fundar Dreamworks tuvo un rol fundamental en animaciones de Disney como “La Bella y la Bestia” (1991), “El Rey León” (1994), entre otras, aseguró que habrá larga vida para el Gato y los actores.
¿Serán siete?
“Ya estamos pensando en varias ideas –inauguró la respuesta Miller-. Antonio, el primer día que grabó su primera palabra dijo `Cuándo voy a grabar mi propia película´”, destacó.
Pero Banderas, rápido para dar su último zarpazo felino/actoral de la conferencia remató “En realidad fue cuando sintió el frío del cañón de mi espalda apoyándose en el cuello y dijo: Vale, hagamos una secuela”.
Gente con sueños

Tanto Antonio Banderas como Salma Hayek tuvieron que recorrer un largo camino en el complicado sendero de ripio para llegar a ser quienes son hoy en el mundo de Hollywood. En ese recorrido, a veces muy áspero en el que los actores se encuentran solos y a la deriva, encontraron una mano inmediatamente, hermanados desde el lenguaje.
Fue durante la filmación de “Desperados”, filme de Robert Rodríguez, donde Banderas interpretó a un mariachi sin nombre que, al final, le brindó la oportunidad de interpretar el primer protagónico junto a la debutante Catherine Zeta Jones en "La Máscara del Zorro". Pero fue en la filmación de Rodríguez, donde conoció a Hayek: una mexicana que, ya reconocida en su país natal, decidió buscar mejores destino en el país vecino a pesar de que sabía que los latinos no eran “tan bien vistos”.
En esos días de rodaje, inmediatamente la actual pareja exitosa tuvo química. Hoy, a más de 15 años de aquel encuentro ambos reflexionan.
“No sé cómo se hace la química. Yo le estoy muy agradecida a la química que tengo con Antonio porque gracias a eso estoy trabajando y sigo siendo contratada a los 45 años. No sé cómo se hace, pero le agradezco que haya aparecido con esta gran estrella”, dijo Hayek.
“Siempre me has usado de amuleto", replicó Banderas. "No, en serio, tenemos recuerdos muy bonitos con Salma y Robert Rogríguez. Teníamos los mismos sueños en los ojos. Salma me recordaba hace poco que grabábamos en inglés pero inmediatamente decían corte, hablábamos en español. Éramos un grupo de soñadores. Mis recuerdos son de gente con sueños”, concluyó el actor.
Un lindo gatito

Hay personajes infantiles que son paridos con estrella propia. Entre miles, El Gato con Botas que hizo su primera aparición en "Shrek 2" e, indefectiblemente, debió quedarse por su grado de éxito y el aporte fundamental del humor latino. Pero sobre todo por ser un pequeño gato con una voz enorme que cautivó a Cannes en 2001. Es más, fue el mismo Director Ejecutivo de Dreamworks, Jeffrey Katzenberg, quien le garantizó la continuidad en las siguientes entregas y que tendría una película propia.
De este modo, inspirada en el cuento del francés Charles Perrault, la historia dibuja la historia del atrevido gato con acento malagueño antes de conocer a Shrek. “Gato” vivía en su pueblo, en un reformatorio al que había sido enviado luego de ser abandonado. Allí conoció a Humpty Dumpty, un huevo que tenía ciertos “problemas” de autoestima y con el que comenzaron a cometer atracos en la pequeña villa. Es más, tenían un sueño en común: ser los dueños de “tres frijoles verdes” que abrían camino hacia un castillo en el cielo donde vivía una gansa que ponía huevos de oro.
Pero no llegaron a concretarlo por un robo que realizó Humpty y al que Gato quedó pegado. Por eso, el huevo fue enviado a prisión y el Gato logró escapar, viviendo sus próximos años como un fugitivo.
Los frijoles habían llegado a las manos de Jack y Hill –dos grandes bravucones con acento norteamericano-. Enterado de eso, Gato comienza un plan para apropiárselos hasta que descubre que tiene una contrincante: una pequeña gatita (Hayek), que responde a las órdenes de un Humpty ya liberado.
Eso implicó el encuentro de los ex compañeros de aventuras que se embarcan, finalmente, a cumplir su sueño. Pero durante el transcurso de los días, deberán sortear las trampas de la ambición que todavía conviven en Humpty y, sobre todo, el Gato deberá “limpiar” su imagen en el pueblo.
La historia no se cierra ahí. Porque la película tiene un final abierto que, claramente, termina muy bien, aún cuando deja de lado su afán mujeriego por caer en los brazos de la Gata “Manos Suaves”.
Y ya empieza a comentarse que habrá secuelas. Quizás sean siete, como siete son las vidas de los gatos. Habrá que ver qué dicen los empresarios. Por lo pronto, el Gato ya comienza a conquistar el corazón de la audiencia argentina que deberá esperar hasta el 8 de diciembre para embarcarse en una nueva edición de la vida del gato que esconde en su alma un tigre feroz.
La productora propia
Antonio Banderas está radicado en Estados Unidos hace más de la mitad de su vida. Sin embargo, se reconoce un “buen español que aún participa de las actividades tradicionales de su país y sus costumbres”. De este modo, el actor malagueño abrió su productora, Green Moon Producciones, que se asoció con el estudio de animación español Kandor Graphics de Granada para dedicarse fuertemente al mercado que, todavía, es de marca registrada estadounidense. La compañía pasó a denominarse Kandor Moon.
Desde sus inicios, tuvieron una ambiciosa tarea: realizar cinco largometrajes de animación en los próximos diez años desde su fundación (2007).
“The Missing Lynx” ("El Lince Perdido") fue la primera apuesta que realizaron junto con el trabajo de Raúl García, animador que trabajó para Pixar, Disney y Dream Works, y que recibió el Premio Goya a la Mejor Película de Animación de la Academia de Hollywood 2009. Y el cortometraje “La Dama y la Muerte” recibió el Premio Goya al Mejor Cortometraje de Animación en 2010, y fue nominado al Premio Oscar en la misma categoría. “Para nosotros es un orgullo tener en el país un proyecto como este. Y si no hay secuela del "Gato con Botas", seguiremos trabajando más duro para oponernos al mundo de Dreamworks y hacerle la competencia. Esta es mi amenaza”, comentó Banderas en la conferencia de prensa emulando al Gato que representa.

"Un pueblo que pierde la alegría está condenado a desaparecer"

2011-11-11T05:54:00.000-08:00

Puel Kona es más que una banda de ska-rock formada por siete miembros de la comunidad mapuche neuquina: se trata de un colectivo de comunicación y arte que lleva el mensaje de los pueblos originarios por todos los frentes y continúa la lucha desde la cultura.

Por Guillermina Watkins

Fotografía de Claudio Espinoza

Neuquén, noviembre 12 (Agencia NAN-2011).- “A nuestra generación le tocó la tarea de recuperar el orgullo de ser mapuche. De reconstruir esa identidad que fue devastada con la llegada de los españoles, con las `conquistas´ del siglo XIX y también con el olvido y la represión silenciosa durante el siglo XX. Todas esas generaciones vivieron la peor parte: el destierro, la marginación, la pobreza absoluta. Nosotros la vamos recuperando al volver a hablar Mapuzugun, recuperando las ceremonias, haciéndonos visibles desde diferentes expresiones de la comunicación”. El encargado de resumir el espíritu de este puñado de jóvenes --que no sólo le dan vida a Puel Kona, la banda de ska-rock que sorprende a la sociedad neuquina, sino también a un colectivo social, político y artístico que lleva adelante la lucha de los pueblos originarios que viven por la zona-- es Lefxaru Nawel (guitarra y voz). La música, las tecnologías, el cine y la comunicación, son los vehículos que los “Guerreros del Este” utilizan para llevar adelante su resistencia pacífica, como tradición histórica y genética. Y, como forma de volver a levantar el puño en sociedad, se presentarán el sábado en el Teatro del Viento, para desplegar su mixtura de sonidos que incluyen instrumentos occidentales y otros tradicionales.

A orillas del Río Limay

“Sos nuestra Colón”, arenga uno al enterarse que esta cronista los “descubrió” de casualidad una noche, de las tantas frescas por el sur, cuando estaban tocando. Casualmente, ya los conocía. Pocas semanas atrás, muchos habían sido miembros activos del Primer Festival de Cine Indígena en la Patagonia, organizados en el Centro Kona Producciones, que le dio vida a tremendo proyecto. Ellos también llevan adelante la Mapu Radio desde la Ruca (casa), donde se brinda educación mapuche a los miembros del Lofce Newen Mapu (comunidad “Fuerza de la tierra”), y participan de cuanto espacio, momento o lugar aparezca para defender sus derechos.

“Y sí –comienza a pensar al aire Kurruf Nawell, o “viento y tigre” en nuestro idioma, que es el encargado de ejecutar el sikus, la xuxuka y el xompe y tiene un rol fundamental en la Patagonia como parte de la Coordinadora Latinoamericana de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas. Nos robaron el territorio, la lengua, pero no la alegría. Porque un pueblo que pierde la alegría está condenado a desaparecer. Entonces, si hoy estamos vivos, es porque nuestros abuelos, que se quiebran y lloran al hablar, nos siguen contando nuestra historia de lucha y resistencia, pero también de felicidad. Por eso los Puel Kona luchamos desde la diversión”.

A orillas del Limay, en ese río que deviene justamente de una leyenda mapuche de desamores y peleas, Ayliñ Ñamkucev (voz y Kulxug), Malen Nawel (saxo y coros), Amaru Nawel (teclado y coros), Umawtufe Wenxu (bajo) y Antu Kuruwala (batería), desandan su historia y su camino musical que combina a la perfección el ska, el rock, el punk, el reggae, el hip-hop, el reggaetón y el chamamé.

Como hermanos

“Nos conocemos desde chicos porque todos somos miembros del mismo Lofce (comunidad) que es la que h abita la zona de Neuquén. Después de cumplir horario en las respectivas escuelas, nos encontrábamos en la Ruca y tomábamos clases de idioma, telar, alfarería, etc. De más grandes, en 2008, y como muchos tocábamos instrumentos, decidimos armar una banda que fusionara la música de nuestra generación con un mensaje sobre la lucha de los pueblos”, agrega Lefxaru Nawel o “Carancho Veloz”.

Sus letras hablan de la historia. Una historia triste, de desarraigo. Sin embargo, también hablan del presente porque “están acá, en este tiempo y en este espacio” y ése es uno de los mensajes que quieren llevar adelante, según acota Umawtufe o “Dormilón”.

“Una de las canciones nuevas retrata algo que han atravesado todos los jóvenes de nuestro pueblo: la aculturación. Un ejemplo de eso es como un niño mapuche es obligado a asistir a la escuela, aprender un idioma que no es el suyo y que lo que le enseñen no tenga nada que ver con lo que él ha aprendido toda su vida. Por eso, sostenemos y creemos que nuestra principal lucha será la de recuperar nuestra identidad”, agrega Amaru Nawel o “Serpiente en quechua”.

En sus letras también se reflejan cuestiones culturales más generales, como en la canción a la “Wenu Foye” (la bandera nacional mapuche), o la problemática del territorio y los invasores (huincas).

Además, el año pasado, colaboraron en el que será el disco de Noelia Pucci (cantante neuquina que emigró recientemente a Buenos Aires para formar parte de Goy & Los Cagrejos, ex Karamelo Santo), en una canción que combina Mapuzugun con castellano.

“La letra la hicimos en conjunto para el 25 de noviembre, Día de la no violencia hacia la mujer, y habla sobre que así como de la naturaleza brotan las diversas vidas, de las mujeres brotan los hijos y la fuerza, por eso los invasores les temen”, agrega la hermosa Ayliñ Ñamkucev.

2012, el año de la profecía

“Esperamos llegar vivos al 2012”, comentan todos con gracia. Sin embargo, y sin preocuparse por el miedo colectivo, los jóvenes guerreros que cada vez van abriendo más su camino en la escena local, tienen planeadas varias presentaciones y nuevos proyectos. “En diciembre tenemos una fecha en El Bolsón y en enero y febrero en el interior de Neuquén. Pero, en realidad nuestro primer proyecto va a ser grabar nuestro primer disco formal: ya tenemos un poco más de 15 canciones. Esperemos que los Dioses se conjuguen con los astros”, concluye irónicamente Lefxaru Nawel, que, sin hacerle honor a lo que su nombre significa, habla con demasiada tranquilidad, mientras el Limay comienza a poblarse de los primeros veraneantes.

Discos: "Playing the Blues (By the rules) (The Jackpots, 2010)

2011-10-31T05:51:00.000-07:00

El primer disco de esta banda neuquina fue editado el año pasado pero su sonido es atemporal: con el background de los grandes, le rinde homenaje al mejor blues con doce composiciones propias.

Por Guillermina Watkins

Neuquén, octubre 31 (Agencia NAN-2011).- Lejos de Mississipi y con la formación poderosa –y poco tradicional- de un blues trío, The Jackpots es, por lejos, la representante de la escena blues local. Un género poco transitado por la zona, pero del que Damián Duflós, Rafo Grin y Juan José Sobarzo (que ya no forma parte de la banda) son escoltas, mensajeros del estilo que le abrió la puerta al rock y sus derivados. De hecho, con “Playing the Blues (by the rules)”, su primer disco, dejan firmado su pacto a fuego con el estilo tradicional de Chicago.

“Si querés tocar blues, tendrás que hacerlo bajo las reglas”, anuncian en el título, y lo van desarrollando desde el primer tema hasta finalizar con las doce composiciones en inglés compuestas por Duflós (exceptuando a “Jump for D.D”, que es de Grin). Según aseguran, "cantar las canciones en inglés no es un capricho ni una explosión de vanidad, es para respetar lo máximo posible la esencia del género".

Las reglas son siete: “tómatelo tranquilo, bajá un cambio”, “hacé Blues sólo con sentimientos”, “Blues es más que unos simples acordes”, “Blues es también diversión, disfrútalo”, “Disfrutá”, “Siempre escuchá a los grandes”, “Saltá el Blues, atravíesalo”. Reglas en las que The Jackpots tiene un “10” porque la magia que despliegan en vivo no tiene nada que envidiarle a los grandes maestros.

El disco, grabado durante dos jornadas extensas en un enero seco del 2010 , contó con la participación de otros músicos locales, como el saxofonista Fabio Balbarrey, y está co-producido artísticamente por Mauro “Easy Baby” Diana, un músico porteño con amplia experiencia en el género.

“Playing the Blues…” llegó después de un poco más de siete años en los que estos músicos no pararon de presentarse en bares y se dieron el lujo de compartir escenario con Eddie Campbell, James Wheeler, Cristina Dall (ex Blacanblues) y Larry Mc. Cray. Y este sábado lo harán con Jhon Primer en el Aula Magna de la Universidad Nacional del Comahue.

Once temas, y uno instrumental, le rinden homenaje a los fundadores del género con total estilo. Desde lo musical, un desarrollo impecable de cada uno con su instrumento e incluso la impecable voz de Duflós; desde lo compositivo, nada que deberle a los viejos bluseros estadounidenses.

Es que la banda, como bien lo anuncian las reglas del estilo, mantiene una actitud tranquila respecto de salir a tocar en la ciudad y, al contrario de la fugacidad rock en estos tiempos -y como lo anuncia su nombre “hit the jackpot” (tener mucha suerte en el juego)-, se van haciendo su lugar en la escena local y nacional de la mano de los grandes que dicen sí a la hora de venir a compartir escenario con estos jóvenes músicos.

Con sello neuquino

2011-10-29T06:11:00.000-07:00

El director neuquino Tomás Lipgot inauguró ayer el Bafici Itinerante con su documental "Moacir".

Neuquén > Llegó con demasiada ropa abrigada a pesar del arribo de la primavera. Arribó a su ciudad natal, como lo hace al menos una vez al año, con un objetivo bien claro: inaugurar la 13ª edición del Bafici Itinerante con su reciente largometraje: “Moacir”, que anoche se proyectó en La Conrado Cultural, espacio donde se desarrollará el festival que mañana tendrá su cierre.
Tomás Lipgot, uno de los tantos neuquinos radicados en Buenos Aires (“¡ganaron los unitarios!”, dirá), estuvo presente al mediodía durante el lanzamiento del evento, donde habló de su quehacer como productor y realizador joven en el contexto actual.
El Productor Multimedia y con la carrera de cine a medias, pasaba con éxito con su última producción documental, que narra la vida de Moacir Dos Santos. Un brasileño que llegó al país en 1984 para darle fuerza a su vocación de cantante pero que terminó internado en el Borda con un diagnóstico de esquizofrenia. Antes de ser un protagonista de cine, y estar a punto de cumplir el sueño de sacar su primer disco, el brasileño pasó un largo calvario y eso fue lo que atrapó a Lipgot.
La estética del cineasta es firme y clara: la de contar historias ocultas, donde el encierro es una de las claves más fuertes (ver aparte). Esa línea temática se puede ver en su primera ficción “Casafuerte” (2004), estrenado en el 19º Festival de Cine de Mar del Plata; la grabación del CD interactivo Carcelaria, que contiene un documental multimedia de su autoría y canciones compuestas por presos de las Unidades Penitenciarias Nº 24 y 32 de Florencio Varela; el documental sobre la vida de Ricardo Becher, “Recta Final”, sobre la vida y obra del director de películas como “Tiro de Gracia” que fue estrenada en el 12º BAFICI y que relata la vida de un gran cineasta “sumergido en el olvido”; “Fortalezas” (2010), y la reciente “Moacir” que cuenta con el apoyo del INCAA, la Embajada de Brasil y la Universidad del Cine.
“La película recorrerá todas las sedes del Bafici Itinerante y está buenísimo eso porque son producciones con difícil recorrido, sobre todo en el interior del país, y si no fuese por este tipo de eventos no llegaría a la gente que es el destino final del cine”, destacó Lipgot.

Rescatando a Moacir
Como un "flaneur" que sin proponérselo termina encontrando un gran tema y lo relata a la perfección, Lipgot se topó con el brasileño que estaba esperando ser descubierto. Lo conoció durante el proceso de filmación de “Fortalezas”, que hace eje en cuatro instancias de reclusión: el Borda, una cárcel, un hogar de ancianos y el leprosario Baldomero Sommer, “lugares donde se manda a los inservibles o que no son productivos para el sistema”, dice el productor.
“Cuando lo conocí supe que él tenía que tener su propia película. Siempre me contaba que cuando llegó a Buenos Aires había registrado varios temas en SADAIC y me costó creerle. Finalmente, un día me acerqué a la institución y cuando corroboré que era cierto fui a buscarlo. En esos días se había externado del Borda por voluntad suya a los 67 años –algo que resulta muy difícil a su edad y con su diagnóstico- y eso me impulsó con más fuerza a filmar el documental”, comentó el director.
En la película, además de un recorrido por su vida, se pueden escuchar algunos de los temas que fueron grabados especialmente para la filmación. Música del Brasil previo a la “europeización” de los estilos: sambas, marchas de carnaval y unos tangos que pertenecen a una corriente de cantores brasileros influenciados por el ritmo del 2 x 4. De hecho, en la filmación se puede disfrutar un tango hecho por él con la esencia tanguera, el lunfardo, la idea del perdedor.
“El resto de los temas los grabaremos con Random Records que tiene en su catálogo a Vinicius de Moraes, entre otros”, destacó Lipgot que dice “gustar” de las películas “La Antena” y “Picado Fino” de Esteban Sapir y de la obra de Pablo Fendrik y Leonardo Favio.

"El encierro es parte de la humanidad"
Neuquén “Yo siempre tengo una idea de la libertad un poco ilusa. Es más, creo que todos la tenemos. Estoy más cerca de creer que la libertad no existe o sí, pero sólo en pequeñas cosas, en pequeñas graduaciones. El encierro lo veo como una condición del ser humano y está en todas partes: en las imposiciones sociales, en el inconsciente, en los mandatos familiares, en lo ancestral que nos condiciona, en los mandatos religiosos o del orden social. El encierro es parte de la humanidad”, destacó Lipgot respecto a un tema que está siempre presente en sus trabajos.
De todos modos agregó que, si bien sus películas toquen temas un tanto “complejos”, no hay en ellas una visión tan tremenda.
“Claro que lo marginal me convoca pero vos las ves y realmente son más pintorescas de lo que parecen. Siempre intento rescatar a esos personajes que, dentro de contextos tan tirantes, quieren trascender su condición y eso es lo mejor que podemos hacer: luchar contra las limitaciones que todos tenemos”, concluyó el joven director neuquino.

Lo que viene
Neuquén Tomás Lipgot no para de pensar en filmar. De hecho una de las razones por la que no desea volver a la “tranquilidad” neuquina es porque (¡Maldito centralismo!) casi todo pasa por Buenos Aires. Por eso, su agenda 2012 se encuentra cargada de proyectos y de muchos que aún desconoce. “A veces me cruzo con los temas cuando me encuentro investigando otros. Otras veces me presentan a las personas y después de un tiempo se convierten en material fílmico, y sino termino buscándolos”, destacó.
De este modo, para el año que viene tiene una producción asegurada aunque aún sin nombre: la historia de un polaco que llegó exiliado de Auschwitz y que le presentaron tres años atrás.
“La temática judía no es fácil de enfrentar, por eso me llevó un tiempo decidirme cómo hacerla. De hecho el mes pasado estuve en Polonia filmando, la verdad que fue una experiencia increíble”.

Canciones para los días de la vida

2011-10-26T06:01:00.000-07:00

“Canción de amor”, de Karin Idelson, pretende recorrer el mundo de la música en contextos diversos. El largo se podrá ver en la 13era. edición del Bafici Itinerante que llega el viernes a la ciudad.
El festival llega por primera vez a la ciudad y permanecerá todo el fin de semana. La película de Idelson se proyectará el domingo, a las 19, en La Conrado Centro Cultural (Irigoyen 138).

Neuquén > De ser una simple “organización de los sonidos y los silencios”, la música pasó a ser algo cotidiano y fundamental en la vida de las personas. Por eso hay canciones que transportan a lugares, otras a recuerdos; canciones que musicalizan determinados momentos, canciones que acompañan situaciones y otras que están todo el tiempo con nosotros en lo público y lo privado marcando un transitar distinto. Porque la música modifica el espacio en donde nos encontremos con el simple sonar de sus ritmos y melodías y plantea una forma distinta de habitar la ciudad.
Esa relación de la música con las personas, pero sobre todo el rol que cumplen las canciones de amor en la vida cotidiana fue la pregunta que se hizo la realizadora Karin Idelson en su largo “Canción de amor”, que será proyectada el próximo domingo, a las 19, en la Sala 1 de la Conrado Cultural (Irigoyen 138) en el marco del 13ra. Edición del Festival Bafici Itinerante, que tendrá su apertura el viernes en la histórica sala.

Algo más que una melodía
“Podría pensarse que la gente ya está cansada de tontas canciones de amor / Pero miro alrededor y veo que no es así”, cantaba Paul McCartney y esos versos parecieron ser el putanpié que guió la cámara de Karin Idelson en esta exploración de las canciones románticas atrapadas en lugares donde están naturalizadas.
“La idea era hacer una película donde la canción hablase con su propia voz. Porque ellas cumplen un rol determinado en cada espacio y sobre todo en la ciudad y en nuestras vidas. Es decir, la música da algo más que un “marco”. Quise mostrar el soundtrack en la vida de las personas”, destacó la guionista y realizadora que también se destaca en la producción de videoclips de bandas y músicos como Rosal, Miss Bolivia o Francisco Bochatón.
En “Canción…” (filmada durante el último verano y presentada este año en la sección de “Cine del Futuro” del Bafici en la ciudad de Buenos Aires) se puede ver a una trabajadora de limpieza que acondiciona la habitación de un hotel alojamiento mientras desde la televisión suena una balada, una cumbia que anima el baile de sábado a la nochecita de un grupo de jubilados y la música funcional de shoppings y mercados, entre otros. Todas situaciones que hablan de los protagonistas anónimos a través de las músicas que escuchan (cantan, bailan, silban, etc.). Y la película se articula a través de esos temas que hablan de un tema tan privilegiado como es el amor.
“Te deja un gusto agridulce al verla porque no es ni tan dramática pero tampoco le sobra diversión. Es como una especie de postales que juntas dan un sentido más fuerte. No es rebuscada ni compleja pero eso sí: no es nada tradicional”, dijo Idelson, quien se reconoce fanática de la música y algo que le fue transmitido familiarmente.
El largo de 58 minutos fue filmado con cámara en mano, editada y producida por la misma Idelson que también dirige una productora llamada Raymond y en la que buscó realizar pocos planos en movimiento. Para ello, con planos fijos y de manera sintética, buscó “transportar” al público al corazón de la escena filmada y las sensaciones que de esas imágenes se desprenden.

A modo personal
“La música es mi perdición. Me vinculo como puedo con ella y con lo que hago intento ayudar a los músicos en su trabajo que es muy intenso”, agregó Idelson quien está embarcada en tres proyectos más relacionados, como casi siempre, a la música. De este modo, se encuentra pronta a presentar un documental sobre danza a partir de no bailarinas que fue seleccionada para el Festival de Bio-Danza que se realizará el mes que viene en la ciudad de Buenos Aires y también otro proyecto vinculado a la música que todavía no tiene nombre ni fecha de lanzamiento. “Lo hago todo con puro placer y siempre me inspiro en la fotografía”, concluyó.

"El amor en los tiempos de Drácula"

2011-10-23T06:57:00.000-07:00

Con excelentes actuaciones, un vestuario por demás a la altura de la historia y la música de Ángel Mahler, con leves toques tangueros, "Drácula" dejó su brillo y huella en el Español.

Neuquén > "Drácula, el musical", de Cibrián-Mahler, se encuentra cumpliendo 20 años sobre las tablas y para festejarlo salió a rodar con un elenco joven, renovado e impecable que dejó todo sobre el escenario, en su primera presentación el último viernes en el Cine Teatro Español. Entre las novedades de la edición 2011, se encuentra el lanzamiento de la carrera como comediante musical de Candela Cibrián (sobrina de Pepe) en un rol protagónico y fundamental: el de Mina Murray que alguna vez supo interpretar Cecilia Milone. Renovada, fresca y con un estilo más moderno, Candela brilló con su estupenda voz.
Mientras que de aquellos fundadores el único que sigue dando su parte es Juan Rodó a quien, como el Conde que encarna, parece no pasarle los años. El resto, increíble potencia lírica, actoral y desenvolvimiento ante el público.
Como toda la literatura del mundo, Drácula no es ni más ni menos que una historia de amor y desamor con esa impronta de la poética fantástica de finales del siglo XVIII que siempre tiene una fuerte carga dramática.
De este modo, Jonathan Harper, empleado de la firma Hawkinsm es enviado a Transilvania a entregar las escrituras de las propiedades compradas por el Conde Drácula en la ciudad de Whitby. Lo que no sabe es que ese conde es un vampiro humano.
Mientras tanto, su pareja Mina lo espera en su mansión y recibe la visita de su mejor amiga Lucy que está destinada a casarse con su primo Arturo. Pero la visitante cae en las garras del Conde y se convierte en vampira y el joven, que llegó al castillo a pesar del aviso de los aldeanos, logra escaparse de las garras del Conde (un malvado sensible al fin y al cabo) y reencontrarse con su amor, Mina.
Sin embargo, el Conde al ver a Mina cae bajo el poder de sus encantos que le hacen acordar a la única mujer que él amó y, bajo todos los medios, logra llevársela consigo para convertirla en su mujer. Pero Mina, que es más fuerte y no lo ama, lo desprecia con inteligencia y el Conde la deja ir. El resto no será más que dejarse llevar bajo las oscuras manos de la muerte, porque de nada le sirve continuar con su costado malvado de la mano de la soledad. O, como musitó el mismo Drácula antes de morir: “Para qué quiero la eternidad si no puedo hacerte mía”.

"Drácula", un hito que nunca muere

2011-10-20T06:55:00.000-07:00

El vampiro más famoso de la historia desembarcará nuevamente en la ciudad. La obra de Cibrián-Mahler, que está celebrando sus 20 años, se presentará mañana y el sábado en el Español.

Neuquén > Que 20 años no es nada no sólo queda demostrado en uno de los mejores tangos de nuestra historia, sino en la actitud adoptada por Pepito Cibrián y la nueva apuesta al clásico que selló su carrera con su dupla inseparable, Ángel Malher. “Drácula, el musical” sale de gira nacional para festejar su vigésimo aniversario y estacionará mañana y el sábado en el Cine Teatro Español.
Con elenco renovado – el único histórico es Juan Rodó- y una puesta en escena que supera las ediciones anteriores, la adaptación musical del clásico de Bram Stoker se encuentra casi en el fin de su temporada ya que el año que viene la productora lanzará nuevas obras.
“Sin embargo Drácula siempre vuelve porque está más allá de un éxito comercial, es una obra intergeneracional que convoca a grandes y a jóvenes por igual”, comentó Pepe Cibrián creador y director creativo del espectáculo.

Drácula, el eterno
El musical, lanzado en 1991, revolucionó el género en nuestro país y realizó numerosas temporadas en los mejores teatros y cuatro giras nacionales. Ahora, en su quinta vuelta por el país, el que fue recientemente nombrado Ciudadano Ilustre por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, se propone trascender nuevos horizontes.
Con una puesta económica y creativa más elevada, representa el lanzamiento de nuevas estrellas entre las que se encuentran Candela Cibrián, sobrina de Pepe (ver aparte) y Damián Mahler, hijo de Ángel, que se encargó de la Dirección de Orquesta en el estreno.
“Tanto en la nueva apuesta de "Drácula", como en las obras que vendrán más adelante, lo fundamental es el guión. Es como en la torta: lo más importante es el biscochuelo, el resto es el agregado. Podés tener una mega producción, pero si no tenés un buen libro y actuaciones que realmente conmuevan al espectador, nada sirve”, destacó el hijo de la gran Ana María Campoy.
Cibrián continúa sorprendiéndose por el “suceso sin análisis” de "Drácula" y, para él, la historia del vampiro inglés no es uno de sus mejores guiones escritos pero sin embargo tiene “algo” que no tiene el resto".
“Hace un tiempo sentí que 'Drácula' moría y que había que darle otra vuelta de tuerca. Por eso agregué y modifiqué cosas. Aunque la estructura sea la misma, es una obra más fresca, dinámica y renovada.”, aseguró el padre de la comedia musical argentina.

Próximos estrenos
Descansando hace un poco más de un mes, Cibrián sigue “craneando” desde su casa los pasos a seguir para después del 20 de noviembre, momento en que le dé cierre a esta nueva gira. De este modo, y como ya lo anticipa la página web, en enero de 2012 será el estreno de “Excalibur”, obra basada en las leyendas del Rey Arturo, aunque todavía no se anunció la fecha exacta.
“Será el musical más ambicioso que hayamos realizado en toda nuestra carrera. Hubo muchas cosas que mandamos a hacer afuera. Es muy bella la obra y el elenco será el mismo que Drácula y algunos actores nuevos que ya se sumaron”.
Como si fuera poco, tiene pensado reponer “Calígula”, obra que estrenó en 1982 durante la Dictadura Militar y en 2013 será el turno del Jorobado de Notre Dame.
Asimismo, a Cibrián se lo podrá ver frente al unipersonal “Marica” que relata los últimos días de Federico García Lorca en la cárcel y un diálogo con quien fuese su asesino. En la obra, también aparece el “espíritu” de Salvador Dalí y fue la intervención que Cibrián realizó en el Senado de la Nación para dar su voto favorable a la Ley de Matrimonio Igualitario.
“Voy a seguir dándome ese gustito de hacer yo la obra porque tiene mucho de Hispanidad y raíces que son bien mías. Además, porque ese texto, que no fue escrito para la Ley pero que sí sirvió para redondear mi lectura, es un texto que defiende a las personas que tienen un pensamiento diferente y que sólo por ello fueron perseguidas”, concluyó Cibrián quien logró casarse con Santiago, su pareja, el año pasado a días de haberse aprobado la ley. (G.W)

La nueva "Mina"
Neuquén > “Candela tiene 21 años y es espectacular. Realmente su trabajo está muy bien hecho y en cada presentación demuestra que tiene muchas aptitudes y un nivel artístico admirable. Candela se ganó el lugar porque viene preparándose hace muchos años y tiene una similitud vocal a Cecilia Milone aunque sea más soprano. A diferencia de las anteriores "Minas", ésta es alta, rubia y le da un aire más juvenil e ingenuo a todo. Lo que sorprende es que tiene mucha disciplina Cibrián y es parte de un elenco joven que Pepe pensó para dar renovación a la historia. Ninguno supera los 30 años, el único que tiene como 5 siglos de vida en la realidad y la ficción soy yo”, comentó con gracia Juan Rodó, que se pone en la piel de Drácula hace 20 años y fue el personaje que lo catapultó a la fama.

"Mi tío es mi referente"
Neuquén > Desde enero de este año, Candela Cibrián Tapia, de 21 años, dejó de ser solamente la sobrina de Pepito Cibrián para pasar a ser recordada como la Mina Murray de principios del decenio. Con una cuna privilegiada, Candela mamó desde muy chica el amor por el arte, estudiando canto con Clara Terán a los 11 años como piedra de toque y en 2003 formó parte del Coro Infantil del Teatro Colón interpretando “La Pasión según San Mateo”.
Pero en realidad ya desde chica se la podía escuchar cantando las canciones de la obra de su tío. De hecho, en Youtube se la puede ver de pequeña interpretando junto a su madre la apertura de la obra y hoy, a 20 años de ese entonces, le toca personificarlo.
“Tengo la edad de la obra porque cuando se estrenó estaba por cumplir mi primer añito. Creo que esto es muy simbólico, realmente es un legado que me tenía que tocar. Esa era mi canción de cuna y hoy es una de las obras que me tocó hacer”, comentó al respecto una de las menores de los Cibrián que se encuentra realizando el primer protagónico de su vida.
La nueva Mina, que ahora es rubia y de pelo largo, fue producto de esa “necesidad de cambiar” que tiene Pepe. “El quería algo más joven y yo le di algo más joven, caprichoso e ingenuo. Siempre estudié música y un poco de teatro por separado, nunca hice nada con él más que acompañarlo en todos sus proyectos y hoy, esto que me toca, es realmente un orgullo”, agregó.
Asimismo, una de las menores de la familia asegura tener “encarnado” el personaje ya que fue natural en ella poder interpretarlo y que le será difícil desprenderse de ese rol aún cuando el año que viene le toque ponerse en el papel de una mala en “Excalibur”.
“Mi hermana, que es directora de cine, y yo seremos las continuadoras del legado familiar. Realmente que yo esté en la obra sé que para él es una gran ilusión, porque cuando se murió mi abuela le costó mucho y conmigo él siente que la tiene viva”, concluyó Candela.

¡Dios salve a Hilda!

2011-10-12T06:27:00.000-07:00

Neuquén > Vestida como una princesa rock-glam Hilda Lizarazu se subió el pasado lunes al escenario de One para desplegar toda su magia femenina. Pasadas las 22, y después de las excelentes actuaciones de Bicho Bolita & Paris Gatitos y de César Estévez y los Taninos del Casco Viejo, la ex corista de Charly García y su banda que terminan de conformar Lito Castro en teclados, Federico Melioli en bajo, Amilcar Velásquez en guitarra y Claudio Salas (de Centenario) en batería comenzaron un show íntimo, cargado de humor, recuerdos y un lenguaje en común con el público de la mano de su última producción “Futuro Perfecto”.
El inicio fue “Viaje Fantástico” del antecesor “Hormonal” que arrancó la ovación de los presentes, en su mayoría mujeres. Luego llegó el turno del corte de difusión y homónimo, del último disco, que también fue coreado de manera efusiva.
Es que Lizarazu, con más de veinte años de carrera, nunca se había presentado en la ciudad y con tantas canciones hits, la comunidad que se acercó en el feriado estaba más que alegre.
De este modo, la noche continuó con una alternancia entre canciones de su última producción y el antecesor. Pero tampoco faltaron los clásicos de Man Ray, como “Todo Cambia” y “Caribe Sur” y la versión de “Extraño Ser”, de Miguel Zavaleta -que se lo dedicó a María Gabriela Epúmer, “Colega y una gran guitarra del rock nacional”-.
En ningún momento faltó el humor de Lizarazu que, a los 50 años, se encuentra en su mejor etapa musical y personal. Después fue el turno de “Caracoles”, en el que hizo subir a su hija Mía, de 10 años y a unas amiguitas que hicieron de las “Shalalas” (coristas).
Como cierre, clásicos como “Símbolo de Paz” de Charly García, “Juntos a la Par” de Pappo y otros enganchaditos de Soda Stéreo, Los Redondos y Roque Narvaja que Hilda, como Princesa del rock, puede hacerlos con total autoridad.

"Todavía no compuse la mejor canción"

2011-10-12T06:15:00.000-07:00

Hilda Lizarazu presentará hoy en One, a las 20.30, su reciente disco solista “Futuro perfecto”. La ex corista de Charly García dijo estar viviendo "cada instante con plenitud y madurez" a los 50 años. En el show hará un recorrido por su discografía solista y Man Ray. Los locales serán El Bicho Bolita & Paris Gatitos, César Esteves y Los Taninos del Casco Viejo.

Neuquén > Hilda Lizarazu quiere volver a la semilla. Por eso se considera en una etapa lúdica, inocente, “primitiva”, en la que mientras transita su vida en tiempo presente hace un repaso y visualiza un futuro próspero de la mano de todas aquellas Hildas que fue.
Tiempos en los que volvió de Nueva York enamorada de algún recuerdo de Buenos Aires, y comenzó a codearse como fotógrafa profesional con el under porteño de los ochenta, cuando surgían bandas como Sumo o Soda Stéreo.
Espacios en los que conoció a quienes la convocarían para ser parte de Suéter y los Twist (entró en reemplazo de Fabiana Cantilo) y en los que forjaría su voz juvenil, un poco adolescente, guiada, como muchos en esa etapa, por ese virus del que nadie puede “curarse”: la ansiedad de ser modernos.
En esa vorágine musical se convirtió en corista de Charly García y, casi de manera paralela, lanzó Man Ray junto a Tito Losavio. Sin llegar a los 30 años ya era, según García, una de las “princesas del rock” a lo que ella responderá en la actualidad con un “me monarquizó”. Sin embargo, al mirar su discografía se puede recorrer una gran parte de la historia del rock nacional. Y para Hilda, que hoy emprende un viaje a la semilla con casi 50 años y una maternidad que es el eje de su vida, girar su cabeza y saludar a aquella joven es casi un orgullo.
A horas de presentarse por primera vez como solista en One (Santiago del Estero y República de Italia), Lizarazu desentraña las “paradas” que le ponen la firma a su viaje iniciático.

¿Cómo será el show de hoy?
Voy a estar presentando algunas de las canciones de “Futuro perfecto”, repasando discos solistas anteriores y, claro, de la época de Man Ray. Pero en realidad voy a Neuquén por música y por amor, porque nuestro baterista, que es de Centenario, se casa unos días antes (por este fin de semana). Voy a estar con la banda que hace 5 años me acompaña y que terminan de conformar Lito Castro en teclados, Federico Melioli en bajo y Amílcar Velásquez en guitarra. Va a ser un show con mucho amor, ¡vayan!

A diferencia de “Hormonal”, en este disco se deja entrever mucho más la búsqueda de luz y de un mensaje único y positivo.
Sí, definitivamente este disco es muy distinto. Yo soy una persona muy lúdica y acá se lo puede ver. Resume mi espíritu. En “Futuro” me relacioné mucho más con el folklore; de hecho, en “Radiante”, que es una zamba, participaron Santaolalla y Lito Vitale, o en “Paisaje y ciudad”, una chaca-rock. Pero también hay temas como “Sábado” y “Tan Virtual” que son más electropop, porque mi búsqueda siempre fue multicolor y más bien rítmica.

¿Cómo compuso el disco?
En realidad, los estilos se van dando con la banda. Porque hay muchas cosas que tenía pensadas de antemano: algunas de las melodías, las letras, o el concepto general de los temas. Pero en realidad después los trabajamos entre todos, con arreglos que le pueden hacer Amílcar o Lito, pero que termino cerrando yo. Todo depende. Lo único que sí sabía era el espíritu general del disco: hay mucho en el juego de palabras, en los tiempos verbales. Con el futuro perfecto planteé frases de si “habré logrado” hacer esto o lo otro; es decir, esas cosas del pasado que tienen reminiscencia en el presente/futuro. También usé la rima, el juego de palabras, con los temas más oscuritos del disco “Adicción” o “Contradicción”, que tienen que ver con imágenes y sentimientos de índole personal y con momentos de la vida. Igual, siento que todavía no compuse mi mejor canción.

Como señaló, hay dos temas más oscuritos, que son los más “rockeros”, más densos. ¿Qué se desprende de ellos?
En realidad quería hablar sobre cosas que un poco me dan como bronca. Porque me da bronca que muchos rockeros transmitan un mensaje de “reviente” a las juventudes. O sea, la adicción es como algo más general, algo de una sociedad y algo que es una vergüenza que muchas personas inteligentes no puedan resolver ni puedan verse por fuera de eso. La nicotina, la morfina, la efedrina, ¡Argentina!, todo rima. Por otra parte, en “Contradicción” quise marcar los contrastes entre dar y quitar, por eso escribí eso y jugué con las palabras.

¿Cómo es ese presente perfecto y el “futuro perfecto” al que le canta?
Estoy transcurriendo un presente perfecto porque en realidad el futuro es lejano, utópico. En este momento soy más Hilda que nunca, compartiendo mucho con mi hija, preocupándome porque le vaya bien en la escuela, en la vida. Tengo una banda que está buenísima, vivo de la música, me encuentro lúcida y feliz por suerte, viviendo de manera intensa cada instante con plenitud y madurez. Puedo elegir y discernir qué quiero y qué priorizo. Me siento llevando una excelente carrera y bueno, claro, por supuesto que sufro, que dudo, que me pongo ansiosa, pero eso no me tapa lo bueno de todo lo que tengo. Tampoco reniego del pasado y eso me pone en un lugar de tranquilidad. Uno aprende hasta el final. Me gustan los espíritus que nunca dejan de estudiar y querer aprender.
¿Qué piensa la cultura del rock?
Soy parte de una “generación compleja” que incurrió mucho en los excesos y la cultura del rock quedó, tanto por mi generación como por las anteriores, muy emparentada a eso. Siempre creí que para crear no se necesita nada químico, creo que mientras más limpio estés más creativo podrás ser. Antes se pensaba que más destructivo, más oscuro, eras más verdadero e introspectivo. Pero estoy en contra de eso, quiero y siempre quise que mi mensaje fuese otro. Es decir, todo en exceso y lo que sea adictivo, siempre te hará mal. Creo que en esa cultura hay mucho “reviente”, y eso se transmite desde los mensajes crípticos hasta las canciones rock directas y uno lo recibe de una u otra manera. Y yo que lo veo desde adentro me da mucha pena, que el rock se vea siempre emparentado a eso. Se puede hacer creatividad sólo respirando oxígeno.
Se comentaba que usted dejó de tocar con Charly García por diferencias de "comportamientos"...
Sí, en todos los medios se dijo eso, que hubo controversias, pero nunca tuvimos ningún problema. Dejé de tocar como parte de la banda de Charly porque prioricé mi trabajo discográfico solista y mi maternidad. Los años anteriores realmente fueron un vaivén, de acá para allá, y este año necesitaba frenar. No pasó nada grave, por eso tampoco descarto volver alguna vez a formar parte de su banda. Quizás, ahora cuando toque en el Gran Rex, lo acompañe en unos temas, pero no lo hablamos todavía.
Además, ¿cómo me voy a pelear con él? Si para mí, además de un maestro, de un amigo, es un patrimonio cultural de la canción argentina. Charly entregó mucha música y mucha pasión por lo que hace y siempre le deseo lo mejor de lo mejor.

La hora de los pueblos originarios

2011-10-11T06:40:00.000-07:00

Desde hoy y hasta el domingo se desarrollará el 1er Festival Nacional de Cine Indígena en la Patagonia, que tendrá como sede principal el MNBA. La entrada será libre y gratuita.

"Imagen viva de los pueblos originarios" tendrá como cierre un recital de la agrupación mapuche Puel Kona y el Grupo Pachamama. Habrá paneles de discusión en todas las jornadas.

Neuquén > Detrás de las historias de los inmigrantes europeos, mucho más atrás de la historia de los criollos y de esos primeros argentinos que en algún momento desearon “conquistar el desierto” en base a la supresión de indios y gauchos, se esconden leyendas que no todos conocen. Las flores, los ríos, los lagos, los caminos y sobre todo los fenómenos de la Madre Tierra relatan historias de desamores, peleas de los pueblos por conservar su cultura y testimonios de migraciones por las expansiones de tierra de lo que hoy denominamos Argentina.
A modo de recuperar esa voz –que no es única sino que su cosmovisión era muy distinta a la idea de “civilización” que impuso la colonización europea- se realizará en esta ciudad (territorio ancestral mapuche) el 1er Festival Nacional de Cine Indígena en la Patagonia, “Imagen viva de los pueblos originarios”.
El evento que comienza hoy y se extenderá hasta el domingo está organizado por el Centro de Comunicación Mapuche Kona Producciones, la Cooperativa para la Comunicación 8300 y por la Cooperativa Audiovisual (Coosa). Asimismo, cuentan con el respaldo de la Coordinadora Latinoamericana de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas (Clacpi) y el apoyo del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales).

La voz pública
“Esto se da en el marco del 12 de octubre, que se enseña como una celebración pero que para nosotros significó la muerte de muchos hermanos. Realmente esta semana serán días de reflexión histórica y de generación de espacios de discusión para reconstruir los imaginarios reales sobre nuestra historia”, destacó Ailín Piren Huenaiuen, miembro del Centro de Comunicación Mapuche Kona Producciones.
“En Argentina comenzó un nuevo proceso de apropiación y manejo de los medios de comunicación por parte de los pueblos indígenas a través de la inclusión del Derecho Indígena a la Comunicación con Identidad en la Ley 26.522 de Servicios de Comunicación Audiovisual”, agregó la coordinadora.
Como medio de difusión masivo, el cine y el video también han sido herramientas de lucha para los pueblos originarios que dan cuenta de su historia, cultura, realidad y futuro. Por eso, lo que los organizadores buscaron con el festival fue mostrar las producciones realizadas por los integrantes de diversas comunidades, pero también las de aquellos que, hermanados con el tema, decidieron aportar lo suyo en la perspectiva de la historia, construyendo puentes.
“Con este festival no sólo podremos encontrarnos entre las comunidades qom (Formosa), Huarpe (San Juan), diaguitas (Salta), coya (Salta), mapuches de Villa La Angostura, Santa Rosa, Chubut y mapuches de territorio del oeste (Chile), sino y uno de los puntos fundamentales, encontrarnos en este caso con la sociedad neuquina para que conozca esos otros relatos desde todas las perspectivas posibles”, agregó la coordinadora.
Asimismo, agregó que en el proceso de preselección se presentaron más de 50 trabajos, de los que quedaron los 19 que serán proyectados desde hoy. Entre ellos el más reconocido, "Awka Liwen", un filme del historiador Osvaldo Bayer, Mariano Aiello y Kristina Hille que causó controversias y la iniciación de un juicio por parte de la familia Martínez de Hoz (uno de los fundadores de la Sociedad Rural que participó de la denominada “Conquista del Desierto”).

Sobre las producciones
Según los organizadores del Festival, todas las películas pretenden visualizar la cosmovisión de los pueblos originarios.
Así, se podrá ver la historia de los huarpes, pueblo al que muchos años se lo dio por muerto; historias de los pueblos cazadores; los ritos ancestrales de algunos pueblos sobre el volcán Lanín en Junín de los Andes; la lucha de los integrantes de las comunidades con el fin de preservar su cultura originaria y, sobre todo, el fantasma (real) de la Campaña al Desierto y la guerra en la frontera sur de los Estados argentino y chileno contra los habitantes originarios.
“Hay que señalar que los colegios secundarios participaron de un concurso de cortos y uno de los ganadores fue 'Las ideas no se desalojan' del Colegio Secundario Virgen del Luján, de Centenario. En este caso vimos el interés de toda una institución y sus docentes en querer contar otra historia, cosa que no sucede en todas las escuelas y esa es una lucha que hay que seguir dando”, concluyó Huenaiuen.

El Bicho Bolita en el Domingo Terciopelo

2011-10-11T05:45:00.000-07:00

En el marco de la celebración por los nueve años del clásico Domingo Terciopelo, un espacio auto-gestionado que conjuga arte, expresión y servicio social, El Bicho Bolita & Los Paris Gatitos demostraron porqué son la banda independiente con más convocatoria del Valle de Río Negro y de Neuquén.
Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza El Bicho Bolita & Paris Gatitos

Neuquén, octubre 11 (Agencia NAN, 2011).- Una vez más, todos se dieron cita en el Domingo Terciopelo. Venciendo la modorra intrínseca del último día semanal que marca el calendario, venciendo el viento fresco que tampoco se empecina en anunciar la primavera, la comunidad emponchada se acercó a festejar los 9 años de un espacio auto gestionado que continua remando ante la adversidad: crear un taller expresivo-artístico para los usuarios de salud mental del Valle (de Río Negro y Neuquén) sin apoyo de privados ni del Estado. Pautas de una gran historia de resistencia, de amor y, sobre todo, de compañerismo.

Como es costumbre, el Domingo de Terciopelo “Aniversario” tuvo variedad y estilo. Porque esa es su propuesta: la generación de “comunidad”, integrando a los artistas de la ciudad con las expresiones producidas desde el taller Artepidol. Por eso, como locales que son, el puntapié lo dieron con Un sueño de Locos, la obra de teatro que presentaron el fin de semana pasado en el 11° Festival y Congreso Latinoamericano de Artistas Internados y Externados de Hospitales Psiquiátricos en Mar del Plata, Una puerta a la libertad, organizado por el Frente de Artistas del Borda.

Después del show de Atrás hay truenos, de soplar las velas de una gran torta hecha por el colectivo de Despresadas de la Unidad de Detención de Mujeres n°16 y de que el grupo de improvisación Tearto de improvisto hiciera reír a los presentes, llegó el turno de El Bicho Bolita & Los Paris Gatitos, banda local que es fija en cada cumpleaños de Artepidol. El público, que hasta entonces había estado sentado, se paró rápidamente y se introdujo en el carrusel de sensaciones que invita la banda que conduce Ricardo Sueldo.

El Bicho y su banda --que completan Mucho en guitarra y violín, Tonga en percusión, Mauri en la batería, Tute en bajo y Lautaro en sonido--, demostraron porqué son la banda con más convocatoria regional: un cantante carismático, popular y natural, que no teme enrollarse en su coraza y sumergirse en todos los ritmos de la canción popular, acompañado de cuatro gatos que la descosen en sus instrumentos. La base es poderosa, Tute se calza el bajo y en una composición plástica, el instrumento se convierte en parte de su cuerpo; lo mismo le sucede al violero que en cada show entabla una relación íntima con su guitarra y el baterista y percusionista que, tocando dos cosas con funciones completamente distintas, unen su cadencia rítmica para meterle rock y son a las canciones del Bicho.

Con ellos, lo oscuro se vuelve alegre, lo romántico sutil, lo alegre una bomba de rock con reminiscencias punk. Una comunión musical que merece un público saltando, enloquecido, ante cada canción o alarido del Bicho Bolita que a veces se parece a Palo Pandolfo, otras veces a Sandro con los del Fuego y a Leo Masliah, pero que siempre es él mismo, capaz de reunir en su canción el más bello concepto de amor con la más dolorosa muerte. Y el miedo, porque el Bicho con la guitarra colgada es como mono con navaja y sus movimientos son estrepitosos así como los rasgueos que desprende de ella. Pero sobre todo la sinceridad de un músico que tiene seguidores (y que realmente son muchos, porque llena teatros medianos que no todos los locales llenan) en La Plata –donde vivió más de cuatro años- y en Neuquén.

El autor de frases como “Miren qué bien que estoy” –esgrimida por sus seguidores platenses que comparte con los de Sr. Tomate como un sinónimo de locura- y canciones como “Tempera Azul”, “Estrellas de papel”, “Satélite”, “Viaje de vuelta”, “Ruta 22”, entre otros (tiene más de cinco discos caseros y otras yerbas) es uno de los artistas más originales de la escena. Con él nacieron los Tomate, pero después de él nacieron muchos más cantautores menos certeros, con una prosa más frágil. Como contracara, la poesía del Bicho es libertina y se conjuga con su particular manera de frasear, espontánea y ágil, desmarcada de los cánones de la canción, inventando sus propios tonos. Por eso su música es simple.

“Vamos a parir otro disco que está en mitad de la grabación”, comentó a modo de cierre El Bicho y, como una especie de gurú de las masas auguró: “seguro tendremos muchísimos encuentros más. Dios Quiera”. Amén.

Una pastillita contra la exclusión social

2011-10-03T07:00:00.000-07:00

Neuquén > En términos literarios, existe una teoría que fundó el genial Ernest Hemingway denominada “la teoría del iceberg”. En pocas palabras, el norteamericano explicaba que lo más importante nunca termina de contarse. Así, las grandes y pequeñas historias se han construido y se construyen en base a la palabra, pero sobre todo a los hechos, a lo vivido.
Entonces, si pudiésemos plantar un puente que trascienda la literatura y que se ancle en el aquí y ahora, podríamos hablar de una gran historia gestada en la ciudad y que está basada en lo que suenan abstracciones como el amor, la solidaridad y el compañerismo.
Sin embargo, comenzaron a tener forma cuando un estudiante de Psicología Social comenzó a involucrarse en un taller de coro que se dictaba en la Casita Psico-Social del Hospital Regional. El taller, “Canción con todos”, impulsado por los camilleros del servicio, fue el puntapié para que Gustavo Lupano tomara las riendas de esta historia.
En ese momento, él y sus compañeros sintieron la necesidad de contarle a la comunidad lo que ahí se estaba gestando: una práctica que cortaba con la medicalización de la “locura” y planteaba otras formas de trabajar los síntomas. Y, entendieron, que había que cortar con la práctica de la invisibilización y el encierro de los sufrientes mentales.
De ese modo, crearon Domingo Terciopelo, un espacio en el que la comunidad neuquina podía ser partícipe de manera activa -o no- de un hecho que nunca antes se había suscitado: la comunión entre usuarios del servicio de Salud Mental (con diversas patologías) y una sociedad que, hasta entonces, les había dado la espalda.
La Escuela de Psicología Social de la Patagonia comenzó a ser el lugar de encuentro de la juventud que se acercaba a ver una banda -por los Domingo pasaron bandas que gestaron tantas otras- a disfrutar de la lectura de poesía, o a escuchar las canciones del taller Canción con Todos.
Después fue el momento de darle una vuelta de tuerca más política al espacio y así nació Artepidol, el taller creativo-expresivo con un posicionamiento más claro: la necesidad de derribar los muros sobre las concepciones y los estigmas que separan a unos de otros.
Ya para el 2003, el espacio de la Escuela comenzó a quedar chico y los “artepidolescos” decidieron mudarse al Teatro Ámbito Histrión que los encuentra, una vez al mes, con los “Domingo Terciopelo”.
El espacio ya constituido cumple nueve años y por eso, la ardua tarea de sostener un lugar independiente, autogestionado, que no cuenta con el apoyo del Estado ni de ningún privado, es algo que merece ser celebrado. A horas de una nueva edición del Domingo Terciopelo, Gustavo “Rulo” Lupano -el mentor del proyecto- y Laura Corihuala, una de las coordinadoras del taller, hicieron su balance y viven este momento como una “gran fiesta de locos/as”.

¿Cómo es el balance de estos 9 años de resistencia creativa?
El balance es realmente muy bueno porque los “Domingos” se han convertido en un espacio de referencia para la comunidad, no sólo de producción artística sino de comunidad, donde la gente va a encontrarse, a vincularse y a resignificarse a través del arte. Pero sobre todo, y lo más importante, es que la gente ha perdido muchos prejuicios y comenzó a vincularse con eso que no conocía. La batalla más importante es cultural porque es donde hay que derribar esos mitos. Por eso, en una época y una tierra como en la que vivimos, en donde las cosas aparecen y desaparecen y pasan desapercibidas por la falta de apoyo y políticas que apoyen espacios terapéuticos, expresivos y creativos, es un orgullo decir que estamos cumpliendo nueve años y tener ganas y perspectivas de proyectarnos muchos más. Nosotros empezamos con ocho personas sentadas en el piso de la Escuela, mirando las actividades. Hoy, llenamos el Histrión cada vez que nos presentamos.

Artepidol suena a pastilla…
Exactamente: Artepidol viene de resignificar la palabra “Alopidol”, que es un medicamento base que le suministran a los internados para producir quietud y “aquietamiento” de las reacciones en quienes padecen cualquier problema psicológico. El nombre surgió porque un día estábamos en el taller de arte, que no tenía nombre, y en un recreo con mates de por medio, nos pusimos a charlar sobre la medicación y nos dimos cuenta que la mayoría de los que estaban tomaban la misma. Por eso empezamos un juego de asociación entre las pastillitas de colores y la paleta de colores que usábamos para pintar. Hasta que dijimos: “No queremos más Alopidol, queremos Artepidol”. Todos necesitan la pastilla pero no la quieren: la mayoría de las drogas psiquiátricas son neurotóxicas, producen en mayor o menor grado una incapacitación neurológica. Detienen las conductas que disgustan a algunos, incapacitando a la persona, que ya no puede sentirse enojada, infeliz o deprimida. Pero, ¿podemos llamarle curación? Desde Artepidol no pretendemos “curar” a nadie, sólo aliviar angustias e intentar armar el presente a través de la visualización de un proyecto de vida.

¿Qué rol tiene el arte en Artepidol?
Nos fuimos dando cuenta con el resto de los compañeros que a través de talleres expresivos se propiciaba un lugar donde el encuentro, el amor, la escucha, la visualización, la habilitación de la palabra construida de manera colectiva, permitía redescubrir las potencialidades y capacidades creativas que todos tenemos. Capacidades que muchas veces se coartan por la medicalización. Sin embargo, no estamos en contra de ella, sólo que sostenemos que esa no es la única manera de ayudar a los sufrientes mentales. Tiene que haber terapias creativas, temporales, grupales. Eso devendrá después de la expresión. Porque todo esto permite una inserción social. Es fundamental que haya espacios de terapia dignos.

¿Se puede hablar, entonces, de una “recuperación”?
El sufrimiento mental no es como un virus que entra, pasa y se va. El sufrimiento mental es algo que puede aplacarse pero que, si no se contiene bien, puede volver. ¿Quién no se ha sentido mal y ha decidido aislarse durante un tiempo? Por eso, la “recuperación” de una persona requiere un montón de otras cosas, pero sobre todo la habilitación de la palabra para que el malestar fluya y se exprese a partir de la circulación de esa bronca y de esa angustia. Y, generalmente, parte del contacto con el otro y de no sentirnos solos. La creación moviliza mecanismos inconscientes profundos que permiten a uno conectarse con ese núcleo sano que reside en todos, por más lastimados que estemos en nuestra historia o en nuestra psiquis. Siempre hay algo que resiste, una luz, que está relacionada con lo sano y conectarse con eso, a través del arte, permite el camino a la salud. Por eso, el arte es una herramienta de transformación y no un entretenimiento o un hecho meramente estético. No nos interesa el valor estético, sino lo terapéutico. Lo estético deviene después.
En 2009 participaron en el 10° Festival y Congreso Latinoamericano de Artistas Internados y Externados de Hospitales Psiquiátricos en Mar del Plata “Una puerta a la libertad”, organizado por el Frente de Artistas del Borda con “Una obra artepidolesca”. Este martes volverán a viajar a Chapadmalal para presentarse en la 11º edición.

¿Qué estarán mostrando en Mar del Plata y qué sensación les causa ser considerados el espacio de referencia en la Patagonia?
Realmente es una experiencia muy buena participar por segunda vez y llegar a fin de año representando al Alto Valle con nuestro arte. Esta vez seremos una comisión de veintitantos compañeros que viajaremos de manera autogestiva, con el dinero que recolectamos en los Domingos, pero sobre todo con la solidaridad de la gente.
Esta vez, vamos a ir con la segunda obra de teatro de Artepidol, “Un sueño de locos”, que pretenderá hacer un repaso por nuestra sociedad a través de los sueños. Nos presentaremos el viernes, en el teatro Roxy de Mar del Plata y el sábado presentaremos el documental “Hasta que todos los muros caigan”, filmado en 2009 y que cuenta nuestra historia y nuestra filosofía. De este modo, quienes no quieran quedarse fuera de esta actividad que se construye con hechos y con las palabras justas, podrán pasar hoy, desde las 17, por el Ámbito Histrión. Un lugar donde caben, en algo más que un par de metros cuadrados, las esperanzas de jóvenes que, de la mano del arte y no de las pastillas, construyen una segunda oportunidad de vida.

A modo de festejo
Los festejos comenzaron el viernes, en la Unidad de Detención nº 16, en donde los usuarios del taller Artepidol presentaron su obra de teatro “Un sueño de locos” ante las presidiarias. Esa misma noche estuvo la presentación de Radio La Colifata, del Hospital de Salud Mental Borda, en el Ámbito Histrión (Chubut 240). Hoy, a las 17, en la misma sala, será el turno de una nueva edición de Domingo Terciopelo, en donde tocarán bandas amigas y también estarán los colifatos. Están todos y todas invitados.

Generar condiciones de autonomía (*)
Participar del aniversario del Domingo Terciopelo significa participar de la celebración de un proyecto muy lúcido que hace de la creación una herramienta de transformación que propicia el encuentro y la promoción de la salud.
Por eso, celebramos el hecho de poder compartir este momento, porque proyectos como Artepidol o La Colifata, saben transformar situaciones de dolor extremo para la creación y la salud.
Conocí el proyecto hace unos años y me parece que lo que tenemos en común es una experiencia que va a lo profundo, que no es banal y que es alegre. Porque desmanicomializar es eso: crear alternativas superadoras. No sólo de criticar un estado de las cosas, sino crear experiencias que superen lo manicomial.
Hace un año, cuando se promulgó la Ley Nacional de la Salud Mental -una ley que difundimos desde La Colifata también-, viene a romper el paradigma de la atención de salud mental porque se desarrolla desde una perspectiva de derechos de los usuarios. Además, garantizaría una atención digna, una ley que promueva los espacios de atención en situación de externación y que sostenga la vida en comunidad de estas personas. También se hace eje en lo laboral y en la posibilidad de comenzar emprendimientos que mejoren la calidad de vida de los internados y externados.
En conclusión, creo que hay que apoyar, celebrar y, sobre todo, promover estos espacios como Artepidol o Radio La Colifata ya que, en censos que hemos realizado con nuestros externados, sacamos una gran conclusión: con el sistema de salud como está, generalmente más del 50% de los externados vuelven a ser internados por no participar de espacios de contención, creativos y expresivos y el promedio de quienes sí acuden a estos espacios suele ser el de un 10%. Estos espacios ayudan a producir condiciones de autonomía para sus vidas.

(*) Alfredo Olivera, psicólogo fundador y director de La Colifata.

Voces en llamas

2011-09-18T07:03:00.000-07:00

Neuquén > Las cenizas que quedaron en la atmósfera debido a la erupción del Cordón Caulle siguen complicando las cosas en el valle. Eso quedó demostrado el pasado viernes, cuando en Teatro del Viento Shaman Herrera, el músico de La Plata invitado por su colega Bicho Bolita, se subió a tocar con sólo algunos de los “hombres en llamas”. Por eso, al show le faltó fuego. Esa cadencia rock que le imprimen su baterista y bajista. Sin embargo, de a poco el público fue entrando en confianza, y el hombre de galera y saco largo demostró cómo hacer un concierto que, sólo con vientos, imprima en la cabeza del oyente algo más que los restos de un fuego mal apagado.
En un show semiacústico, Shaman realizó un recorrido por los temas de su último disco homónimo –también conocido como el disco plateado- en el que se destacan los temas “La Niebla” y “Casi llorando”. Además, sonaron temas de sus discos anteriores “Respiran humo”, “Diadema” y “En el mundo del fuego”.
Una voz poderosa y muy particular, que pega alaridos animalescos e introduce los hömeii, un canto gutural ruso, más las letras que Herrera canta pero narra como un payador del desierto patagónico (melancólico, solemne, un tanto oscuro), son la fórmula que músico de Comodoro Rivadavia ha sabido encontrar para convertirse hoy, en uno de los referentes de la movida independiente de La Plata.
Por su parte, el Bicho Bolita y Los Paris Gatitos demostraron por qué cada vez que se presentan en vivo lo hacen a teatro lleno. Composiciones líricas desde el interior de un cantante introspectivo y muy buen frontman, una voz que cautiva por expansiva y el despliegue de una banda potente.
Así, la noche se convirtió en un guiño entre dos de las voces que comienzan a despegarse del under y que, con la música como excusa, nos muestran sus formas de ver el mundo.

Cine de Sudestada

2011-09-17T05:43:00.000-07:00

Con sus dos últimas producciones los realizadores neuquinos Iñaki Echeberria y Fabio Rodriguez Tappa, recibidos de la Universidad del cine y el ENERC respectivamente, lograron abrir la cancha hacia nuevas historias que reflejan el pasado y el presente de una Patagonia que siempre estuvo cerca.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza Fabio Rodriguez Tappa

Neuquén, septiembre 14 (Agencia NAN-2011).- Rescatar las historias que esconde la Patagonia, tierra que ha visto muchos pies poblarla, fue una de las premisas que los realizadores audiovisuales Fabio Rodriguez Tappa e Iñaki Echeberría persiguieron desde su camino artístico. Además de ser testimonios de la vida en ese suelo al sur del país más al sur del mundo, El Mundial que nunca se jugó, basado en el cuento de Osvaldo Soriano, y Chaneton, el documental, fueron elegidas entre más de cien presentaciones dentro de los concursos que el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (NCAA) lanzó el año pasado en el marco del Plan Operativo de Promoción y Fomento de Contenidos Audiovisuales y Digitales del Sistema Argentino de Televisión Digital Terrestre, como representantes de Río Negro y Neuquén respectivamente.

“Con esto se nos abre la cancha. Es el momento de contar las historias de la Patagonia sin caer en las tendencias for export. Es un despertar”, resaltó para Agencia NAN Fabio Rodríguez Tappa, uno de los mentores de la dupla Vamos viendo, con la que, entre otras producciones, trabajaron para XXY de Lucia Puenzo (2007) y On the road (2010), la versión audiovisual de la novela de Jack Kerouac producida por Francis Ford Copolla y dirigida por Walter Salles.

La primera gran historia
Tanto Tappa como Echeberría se encontraron, en pleno sol de febrero, cumpliendo con los roles de guionistas, realizadores y directores. Las producciones fueron filmadas en Barda del Medio, una localidad ubicada al norte de Río Negro, donde se estima viven alrededor de 1500 personas; pobladores que formaron parte de las filmaciones como extras.

“Hablar de Chaneton es como hablar de San Martin, porque para la ciudad fue muy importante aunque pocas veces se lo recuerde. La Patagonia está llena de historias para contar. Una vez, en un viaje a Hua Hum (San Martín de los Andes), me contaron la historia de Martin Bresler, un sudafricano que llegó a la ciudad a fines del XIX para trabajar en el campo. Luego cayó preso, por delitos nunca comprobables. En la cárcel organizó la fuga de presos más importantes de la Patagonia días antes de obtener el beneficio del indulto por extranjero, que derivó en la Matanza de Zainuco. Pero él logró escapar a caballo, cruzando el río Limay y el Collon Cura en invierno y, cuando lo agarró una nevada en el cruce de Hua Hum, mató a su caballo y se metió en su vientre para no morir congelado. De esa historia oral que cuentan los paisas se desprendió inmediatamente la de Chaneton”, destacó Rodriguez Tappa.

El relato es llevado por tres historiadores de la ciudad: Enrique Masses, Fernando Casullo y Santiago “Polito” Belmonte. Ellos construyen la historia de Chaneton en base a una pregunta que los directores, aún viviendo en Buenos Aires, comenzaron a hacerse: “¿Qué es lo que encanta de Neuquén y especialmente de la Patagonia?”

“Si bien hay belleza, muchas de las ciudades no son agraciadas por la cuestión climática. Son ásperas, pero la gente se queda porque las quiere y, sobre todo, porque son tierras de soñadores. Imaginate lo que era hace cien años, y muchos se quedaron. Como Chaneton, que vino con el sueño de defender los derechos de las personas y, por denunciar una matanza, tuvo que soportar que el gobernador (Eduardo) Elordi le sacara el apoyo oficial a su diario y ser asesinado camino a Buenos Aires, hacia donde se dirigió dispuesto a denunciar ante el presidente (Hipólito) Yrigoyen la matanza de Zainuco, donde fusilaron a los presidiarios”, destacó Rodriguez Tappa.

Un mundial que si existió
Uno de los enamorados del sur fue el periodista Osvaldo Soriano quien, atravesado por la monotonía de la estepa, lanzó el puntapié: en 1942, el Mundial no pudo realizarse debido al conflicto bélico de la Segunda Guerra. Sin embargo, como un presagio, Soriano escribió que en el pueblo de Barda del Medio (poblado por muchos inmigrantes, como toda la Patagonia), la copa máxima del fútbol se había llevado a cabo.

Así, el documental de Rodríguez Tappa y Echeberría se inicia cuando un poblador del lugar, después de leer el cuento, se pone a investigar cuánto hay de ficción y cuánto de realidad. Para ello, entrevista a los viejos jugadores y arma un audiovisual intercalando las charlas con imágenes de aquel famoso certamen. Italianos, alemanes, polacos, todas las nacionalidades participan de la competencia en la ficción e, incluso, miembros de pueblos originarios disputan la final con los germánicos.

“La idea se nos ocurrió cuando veníamos desde Buenos Aires viajando en una citroneta. La historia se fue dando de manera natural a medida que conocimos el lugar. Elegimos a Enrique Esteban como protagonista, hijo de uno de los creadores del clásico Ramos Generales del pueblo. Todo el equipo técnico, actores, extras y músicos (alrededor de 150) es o nació en la zona. Después de filmarlo y hablar con la gente, nos dimos cuenta que Soriano no estaba tan loco. La sensación fue que sí, el Mundial del 42 se jugó acá y no mucha gente se enteró”, concluyó Rodriguez Tappa quien se encuentra, también, en plena producción de otros guiones referidos a la vida del cura Don Jaime de Nevares, quien tuvo un rol fundamental para la sociedad neuquina durante la última dictadura militar.

“Hoy dejemos las puertas de la iglesia abiertas porque seguro alguien se va a venir a refugiar”, es la frase con la que Nevares comenzó su vida de servicio a los más desprotegidos. Con él, la iglesia fue verdaderamente la casa del pueblo. Pero también hubo sucesos importantes como fue el Choconazo, en 1969, o las puebladas de Cutral Co desde la década de los cincuenta. En Neuquén no anda el colectivo y la gente lo toma. Somos ásperos en un lugar áspero”, fue la conclusión a la que, en primeras líneas, logró llegar el realizador.

La renovación del Folk

2011-09-14T07:05:00.000-07:00

Shaman Herrera, representante de la movida indie platense, se presentará por primera vez en la ciudad junto al Bicho Bolita y París Gatitos. Será el viernes, a las 23, en Teatro del Viento.

Neuquén > Sus amigos dicen que es una persona sencilla, como una especie de "gurú chamánico". Sus seguidores platenses dicen que cuando él canta, ellos se elevan del piso. Lo cierto es que, este muchacho de 30 años, oriundo de Comodoro Rivadavia, es una semillita más que alimenta al rock platense que pareciera reproducirse paralelamente a la humedad. "Rock platense", fenómenos que de todos modos tiene que ver con una cuestión de pertenencia y no debido a un sonido en común, más allá de algunos guiños estilísticos entre algunos proyectos.
Shaman Herrera se parece a Ignatius Reilly, el personaje principal de la obra del escritor norteamericano John Kennedy Toole, "La conjura de los necios", ganadora del premio Pulitzer en la decáda de los ochenta. Es un hombre enorme, con una voz grave, pero sólo físicamente se parece a ese tocayo oscuro y tirano de Estados Unidos.
Él, como contracara, se convierte en uno de los personajes principales de la nueva “ola indie” de la ciudad de las diagonales, no sólo por su música sino porque su sello distintivo aparece en la producción de muchas otras bandas.
Para quienes quieran escucharlo podrán hacerlo el viernes, a las 23, en el Teatro del Viento (J. B. Justo 648), ocasión en la que presentará su último disco homónimo –también conocido como el disco plateado- que contó con la producción de Daniel Melero y realizará un repaso por sus cinco producciones anteriores, compuestas por discos de corta duración.
Estará acompañado por su amigo y colega neuquino/platense, El Bicho Bolita y su banda, los París Gatitos.

Cronista suelto
Shaman acaba de llegar de Europa ya que acompañó a “El Mató a un policía motorizado” en su gira. Una especie de “viaje de aventuras” que lo llevó a recorrer varios países, como Francia y Holanda, presentándose en "barcitos escondidos de pueblos perdidos a los que sólo se llegaba a dedo".
Allá, también presentó su disco que, además de haber sido producido por Melero (él dirá, “se lo propuse como en un acto de locura porque él siempre hizo pop y aceptó”) fue editado en simultáneo por Laptra (el sello de El Mató y de 107 faunos, entre otras bandas), Mandarinas Records y Peatón Discográfica.
Ahora, a días de presentarse en Neuquén por primera vez, él también se lo toma como un desafío: “Estoy muy contento de ir. La vez que fui con Sr. Tomate me trataron muy bien. Además está el Bicho Bolita, que es uno de mis grandes amigos y un referente de la canción independiente para mi desde que llegué a La Plata. Me animo a decir, también, que es uno de los mejores cantautores del país”, destacó Shaman Herrera.
En la oportunidad, además de sus históricos compañeros Tulio Simeone en batería y Tomás Vilche en bajo (de Comodoro Rivadavia y miembros de La Patrulla Espacial), estarán Esteban Cárdenas en guitarra, Nicolas Vigorado en trombón y Cristian Puschel en trompeta. “Todos de Comodoro”, dirá Herrera, orgulloso entredientes de sus orígenes patagónicos.

Música patagónica
“Los temas hablan de la temática con la que comencé hace ya muchos años. Es música que defino como patagónica, donde las letras hablan de esos paisajes y sensaciones que se generan cuando llegas a la Patagonia. Una introspección dentro de la inmensidad del paisaje”, destacó el cantautor que, en vivo, larga sus famosos hömeii, -canto gutural y místico que utilizan los pastores en las planicies rusas de Tuva-.
¿Por qué no volver entonces? “Siempre volvemos al sur, pero acá, además de la música, hemos armado nuestros proyectos de vida. Igual, la idea de la vuelta – como para muchos estudiantes- siempre está presente”, agregó el mismo hombre que sabe que es parte de algo más grande dentro de la movida independiente del rock, pero que llegó a “ser lo que es, sin pensarlo mucho”.

ESCENARIO
Reformistas culturales
Neuquén > Desde siempre, La Plata fue una especie de “hermana menor” de la Capital Federal. Sin embargo, a pesar de la sombra que la gran urbe produce, la ciudad de las diagonales (o donde las calles no tienen nombre, parafraseando a U2), siempre fue moderna, altiva y singular.
Y todo ese sueño de los europeos que la construyeron, se tradujo al rock. Nacieron frutos maduros como Los Redondos – después de la experiencia de La Cofradía de la Flor Solar - y Virus. Más acá, quizás con menos popularidad pero no por eso menos fuerza, los Peligrosos Gorriones, Las Canoplas, Estelares, Mister América, Adicta (que venían de los ochenta con Víctimas del Baile e Increíbles Ciudadanos Vivientes).
Lo cierto es que, debido a la amalgama de estudiantes que llegan de todos lados cada año (sobre todo de la Patagonia, de Buenos Aires y con menos incidencia del Litoral), se forman menjunjes que, además de experiencias de supervivencia desprenden proyectos que se reproducen al ritmo de la humedad bonaerense.
Comenzaba 2004, tuve la oportunidad de vivir un tiempo largo por aquellas coordenadas y, paralelamente al paso de los meses, fui conociendo muchas bandas con las que entablamos una cordialidad de quien cree entregarle su fidelidad a un movimiento más grande.
Todas, y cada una de ellas, tienen una única obsesión: no parecerse a nadie y son proclives – al menos eso creíamos que ellos hacían- a crear pequeñas reformas culturales.
Más acá, los eternos contrastes reactivaron la dinámica cultural platense, donde la ansiedad se convertía en creación y se sumaba la poética siglo XXI.
Así, surgió “El Mato a un policía motorizado”, “Norma”, “Sr. Tomate” (dentro del rock alternativo), y actualmente, este hombre de Comodoro Rivadavia que ayuda a tejer la maraña de una generación que vuelve a tener al rock como carta de presentación. (G.W)

¿La familia ante todo?

2011-09-05T06:37:00.000-07:00

Por Guillermina Watkins
Neuquén >¿Hasta cuándo puede mantenerse una mentira?¿La familia es sólo una empresa que debe conservarse cueste lo que cueste? ¿El fin justifica los medios? Estos fueron los interrogantes que durante el fin de semana, los cientos de neuquinos que se acercaron al Teatro Español a disfrutar de “Todos eran mis hijos”, la obra dirigida por Claudio Tolcachir, se plantearon.
La apuesta basada en la novela que lanzó a Arthur Miller en 1947, contó con las excelentes actuaciones de Lito Cruz, Ana María Picchio, Esteban Meloni, Vanesa González y Martín Henderson, quienes mantuvieron expectante a un teatro colmado. Durante una hora, la obra supo conjugar una potente carga dramática con los típicos gags argentinos.
De este modo, la puesta dibujó una familia tipo que, después de la Segunda Guerra Mundial -y luego de que uno de sus dos hijos se suicide en combate -, pareciera haberse estancado en el tiempo.
Su madre lo espera ciegamente, al igual que su padre, quien salió airoso de un juicio por haber vendido a las Fuerzas Armadas armamento en mal estado, lo que causó la muerte de 21 pilotos.
Mientras tanto, el otro hijo se enamora de la ex pareja de su hermano, y la invita a regresar al pueblo. Es en ese viaje de vuelta, los velos de la familia -y los de una sociedad que convierte a sus “héroes” en “nadie”- comienzan a caerse.
Con la llegada de Ann se descubre la culpabilidad del padre de familia que, a costa de hacer negocios, arriesgó la vida de los pilotos e hipócritamente condujo a la muerte de su hijo. Detrás de esto, se encuentra la mujer que silenció para proteger a su marido y el otro hijo que, sin saberlo, fue funcional a esta estructura “empresarial” de la familia.
Y en ese vacío de la mentira, el fin: el padre se suicida, dejando más desnuda a su familia que antes.
Así, “Todos eran mis hijos”, además de una gran obra de teatro es una invitación a la reflexión que atraviesa décadas.

"Todos conocemos algo de esta familia"

2011-08-28T06:33:00.000-07:00

Lito Cruz adelantó parte de lo que se verá el próximo sábado y domingo en el Teatro Español. El actor llega con “Todos eran mis hijos”, una obra de Arthur Miller que pone al descubierto la hipocresía de un época.

Una casa de madera. Un jardín verde brillante con el pasto recién recortado. Las sillas de mimbre claro que dan a una vista llena de flores. Y adentro, una familia que a pesar de parecer “normal”, discute. Se notan las tensiones y los secretos, la relación compleja entre los padres y los hijos, y un dolor que sobrevuela toda la escena.
“A la gente le gusta la obra porque tiene mucho que ver con lo que pasó en nuestro país en épocas de la dictadura militar”, explicó Lito Cruz, a días de arribar a esta ciudad con la obra “Todos eran mis hijos” de Arthur Miller.
La apuesta, dirigida por Claudio Tolcachir, debió suspender sus funciones en julio debido a la erupción del complejo Cordón Caulle. Por eso ahora, finalmente, se presentarán el próximo viernes en el Círculo Italiano de Villa Regina y tendrá dos funciones en esta capital.
De este modo, las entradas adquiridas para la función del 1 de julio servirán para el próximo domingo, mientras las del 2 se usarán para el sábado. Ambas funciones serán a las 21 en el Cine Teatro Español (Av. Argentina 235).

El silencio, el miedo y la obsesión
Quienes ya pudieron verla cuentan que la obra está cargada de dramatismo y que, indefectiblemente, días después y casi como un efecto secundario, sobreviene la reflexión.
Es que Arthur Miller -como otros escritores de su época- describieron aquellos años turbulentos de la Segunda Guerra Mundial en la que, con las bombas y las muertes, se derrumbaba también una forma de pensar la sociedad, mientras que otra no terminaba de nacer. Todo enmarcado en el gobierno de Mac Carthy, que había lanzado una persecución ferviente contra los comunistas.
Según Lito Cruz, “la tragedia sobrevuela la escena y uno está deseando que eso no suceda. La gente es atravesada por un texto que, si bien tiene muchísimos años, sigue vigente por su estructura y por lo que habla. Todos conocemos algo de esta familia”, destacó el actor que se pone en la piel de Joe Keller, un personaje ambiguo como los que -pareciera- le gusta interpretar.
Es que Oscar Alberto Cruz, más conocido como “Lito”, se encuentra en un nuevo “auge” de su carrera, un nuevo círculo de éxito que lo encuentra al frente de la novela que cada noche los argentinos deciden ver: “El Elegido”.
También es piedra fundamental de la obra de Miller que comparte con Ana María Picchio, Federico D´elia, Esteban Meloni y Vanesa González; además de una multiplicidad de propuestas.
Y aunque no para un segundo, entre avión y avión que lo conducen de gira por todo el país, Lito confirmó que la obra de Tolcachir tiene muy buenas repercusiones y que, a pesar de que no todos conocen la obra de Miller, la historia es muy cercana a la realidad de nuestro país en la época de los militares donde se escondía lo que sucedía fuera de los centros urbanos y había cosas de las que era mejor “no hablar”.
De este modo, se presenta una familia aparentemente feliz que sufre a escondidas el drama de un hijo desaparecido en la guerra, la negación de su madre a aceptar que éste puede haber muerto, las contradicciones de un padre que, además de ser propietario de una empresa de armamentos, provocó la muerte de 21 pilotos y se convierte en víctima y victimario, y un hermano que se enamora de quien fuera la novia del desaparecido, para casarse con ella como una manera de “enterrarlo”.
Lo que se destilará en el transcurso de la obra, además de una guerra que los precede, de los amores más que incestuosos y del policial negro (bien al estilo de los autores norteamericanos) que se esconde a lo largo de toda la trama, es la sensación final de cómo se va cayendo un mundo de velos y mentiras, sistema que antes los colocaba como victoriosos.

En los zapatos de los malos
“Por momentos me cuesta recordar el hombre que yo quise ser”, se pregunta en una escena Joe Keller, el personaje que interpreta Cruz en la obra. Y, al igual que el norteamericano, esa duda existencial es la que toma por asalto cada noche –a esta altura de la ficción- a Nevares Sosa, el abogado ambiguo que interpreta en la novela más exitosa de 2011.
“Me tocó darle vida a dos personajes que son malos, reos, para quienes el fin justifica los medios al mejor estilo de Adolf Hitler. Ellos creen que tienen todo en sus manos, todo bajo control, pero poco a poco se van dando cuenta que las cosas no son como ellos piensan. Yo intenté humanizarlos un poco con sus contradicciones y sus formas de pensar. No por algo uno encontraba a un Jorge Rafael Videla con una imagen de “buen padre” y resulta que era un genocida, o a un Strauss-Kahn con altos cargos en el BM y terminó siendo un violador”, destacó Cruz, quien es uno de los sostenes fundamentales de esta obra de Arthur Miller con un fuerte anclaje en el teatro realista.
Realismo que, según comentan los fanáticos de la televisión, también se viene dando en la pantalla chica. Ahora, no son sólo los unitarios los encargados de tocar temas “fuertes” (recuerden Okupas, Tumberos, Sol Negro, Disputas), sino también las novelas en horarios centrales como el caso de “Vidas Robadas” o “El Elegido”.
“Me parece extraordinario que se traten temas que antes no se tocaban. Esperemos que la tendencia continúe en los unitarios, en las novelas, en las películas y los ciclos que salen una vez al mes. Porque son todos temas que nos importan a los argentinos, como fue “Vidas Robadas”, donde se trataba el tráfico de mujeres o, en el caso de "El Elegido", donde se toca el tema de la tierra de los aborígenes y su lucha que es fundamental en nuestro país. Así, el arte sólo puede mostrar una realidad que muchas veces se expresa en los escritorios y así, los reclamos quedan en las minorías”, agregó Cruz.

Salvarse de los vicios
Lito Cruz tiene 70 años y una vasta experiencia actoral. Estuvo alejado de la televisión un tiempo pero 2011 lo encontró rodeado de jóvenes directores y guionistas que lo convocaron para ser la carta de presentación y estrella fundamental de las obras.
Trabaja con Tolcachir, joven director de 34 años que, a pesar de tener experiencia, nunca se había enfrentado a una persona con más de 50 años de trayectoria como él. Según afirma Lito, el cruce generacional resulta “maravillosamente enriquecedor”.
“Claudio, limpiame” fue la frase que le dijo Cruz a Tolcachir en el momento de aceptar el papel de Joe Keller. Ese “limpiame” hacía referencia a que lo ayudara a sacarse esos “vicios” que tiene como actor, que son esas fórmulas comunes de resolver las encrucijadas actorales.
Por su parte, el joven director agregó que “siempre es enriquecedor trabajar con gente que vivió tantas experiencias en el teatro y en la vida” y que su trabajo es el de “aportarle cosas nuevas a esta gente que tiene un deseo muy fuerte de trabajar”.
Y claro que Lito las tiene. Al principio se rehusó en participar de la novela que su alumno y ahora director artístico/compañero de novela, Pablo Echarri, le ofreció. Lito sabía que sería un éxito pero aún así le costó asumir.
“Acepté porque, en definitiva, el proyecto de entrada era muy bueno. Pero también por la calidad humana de sus creadores, entre ellos Pablito (por Echarri) y por los actores con los que comparto las grabaciones”, destacó Cruz.
¿Cuál es la fórmula del éxito de “El Elegido”? “Yo creo que el programa tiene dos hombres fundamentales que son Martín Seefeld (Producción General) y Pablo Echarri (Director Artístico). Ellos comandan el proyecto, lo hacen funcionar todo el tiempo porque, al hacerse cargo los actores de las producciones televisivas, la novela funciona como un todo”, destacó.
De este modo, Seefeld y Echarri funcionan como “intermediarios” entre la novela y el canal y controlan que cada una de las tomas funcione de la manera que ellos se la habían imaginado. Lito cuenta que durante las grabaciones es común verlo a Echarri, vestido de Andrés, pidiendo que se vuelvan a grabar escenas, o tomas, o cambiando la orientación de las luces de la sala de grabación, entre otras cosas.
“La novela no somos ni yo ni Pablo Echarri, somos todos. La obra de teatro no es sólo la genialidad de Arthur Miller ni Tolcachir, somos todos. Lo fantástico de la obra “La Otra”, no es nadie más que todos nosotros llevándola hacia delante y el espectáculo en las cárceles, bueno, qué más que los presidiarios dándonos una devolución fantástica en cada show que nos permite seguir creciendo en la puesta en escena”, concluyó Lito Cruz, un actor convencido en que mientras tenga vida, habrá actuación. (G.W.)

"Reinventarse o morir", esa es la cuestión

2011-08-24T07:07:00.000-07:00

Dos de los miembros de La Fura dels Baus y su director adelantan por qué es tan importante ser vanguardistas dentro de lo clásico.

Neuquén > La pregunta que surge en la cabeza de los miles de espectadores, a tan sólo dos días de que La Fura dels Baus se presente en el Gimnasio del Parque Central, es ¿está todo inventado en este mundo del Siglo XXI?.
Para Pep Gatell, catalán que está al frente de esta máquina vanguardista hace más de 30 años, y sus compañeros de “cacería” –como denominan ellos el salir de gira- pareciera que no.
“El secreto está en reinventarse todo el tiempo y en ir agregando todas esas disciplinas que de a poco hemos venido sumando. Nuestro lenguaje se reinventa todo el tiempo y va sumando fureros a lo largo del planeta”, destacó Gatell, con su figura típica de catalán moderno detrás de unos simples anteojos de marco negro.
Aquellos que se animen a vivir una experiencia única, donde el espectador se convierte en parte fundamental de “Degustación de Titus Andrónicus”, podrán conseguir sus entradas en sucursales de Saturno Hogar y en la boletería del Gimnasio del Parque Central (Sarmiento y Don Bosco). El costo es de $290 y se podrá abonar con tarjeta Nevada hasta en 3 pagos.
La adaptación de la obra de William Shakespeare, que además tiene la participación fundamental del chef Andoni Luis Adúriz -del restaurante vasco Mugaritz (uno de los mejores del mundo)-, tendrá dos funciones locales: el viernes y sábado a las 21.30.

Como una gran familia
Todos los integrantes de esta gran compañía que montará la tragedia clásica de Tito Andrónico, acuerdan en que estar en la Fura es como formar parte de una de esas familias numerosas donde todos hacen de todo a la vez. Y que, como piezas de un engranaje de algo mayor, van sucediendo cosas “inesperadas” que los van uniendo aún más, casi como si fuera un destino pertenecer a ella.
Y claro que lo es. Hoy, a más de 32 años de sus inicios en el teatro de vanguardia post franquismo, La Fura se convierte en el referente de muchos grupos teatrales y algo más. Según María Pérez, de 26 años y proveniente de Cádiz, entró en shock cuando recibió el llamado de la producción para formar parte de este gran proyecto.
“El primer día fuimos convocados todos los actores a una fábrica abandonada a hacer una especie de lectura colectiva de la adaptación que Salvador Oliva había hecho sobre la obra. Y cuando llegué todos iban cargando cosas, con palos de hierro, martillos, no entendía nada. Y de pronto me di cuenta que ése era un ensayo donde Pep nos decía muévanse sobre la estructura y, ¡ostias!, no había ninguna estructura ahí, tenías que imaginarte todo y a la vez ir actuando. Es como tener un acto de fe a lo que va prestidigitando Pep”, comenta entre risas María, mientras Carles Figols, como contracara, uno de los más antiguos en el grupo, asiente.
“Reinvertarse o morir es la cuestión. Yo estoy desde 1993 y cada día me sorprendo más. Aunque sea difícil hacerlo después de treinta y pico de años, siempre es posible hacerlo”, destacó Figols.
“De todos modos la parte escenográfica ya estaba clara desde entrada y bueno, después les dejamos las escenas en las manos de cada actor para que vayan resolviendo. Partimos de la idea de que ellos no pueden ser otra cosa que ya no son. Desde el casting ya tienen que tener ese espíritu furero de ir más allá porque mientras su yo interno dé para ese papel el público también se lo creerá”, agregó Gatell.
“Siempre nos preguntan qué nos tomamos antes de hacer la obra y nosotros les decimos: '¿a ti te parece que yo pueda tomarme algo antes de colgarnos, de subirnos a tarimas, de hacer saltos?' No podemos hacer cosas locas antes de las presentaciones”, aportó Carles que interpreta a Marco, hermano de Tito.

Todos para uno y uno para todos
Pep Gatell, además de ser un gran dramaturgo y alma mater del proyecto, es hincha del Barsa y compara a su grupo teatral con el del considerado mejor equipo del mundo, donde la técnica es básica y fundamental: todos atacan y todos defienden, no hay más vueltas.
“Una de las mejores cosas que te pasan en la Fura es que acabas sabiendo mucho de otras cosas además de teatro. Es más, después puedes ir a cualquier obra de teatro y montarla entera tú mismo. Nunca te vas a quedar en el camerino esperando a que te toque interpretar tu parte, sino que siempre estás haciendo de todo. Nosotros valoramos la calidad humana y el respeto por el trabajo del otro porque todos trabajamos para lo mismo”, concluyeron Gatell, Pérez y Figoll a más de un año y medio de gira con “Degustación de Titus Andrónicus” que se espera seguirá rodando hasta febrero/marzo de 2012, momento en que comiencen a ensayar una nueva puesta en escena.
Todavía no vimos ésta pero ya queremos saber de qué se tratará la próxima.

Cronista de una Nación

2011-08-23T07:25:00.000-07:00

En un show de poco más de una hora, la cantante entrerriana Liliana Herrero, se presentó el domingo en el auditorio del MNBA con un show acústico.
Acompañada por Pedro Rossi, músico que trabajó con ella en “Este tiempo”, su última producción, la intérprete realizó ante una sala llena –y muchos que lo vieron desde afuera- un recorrido por el nuevo disco y algunos temas viejos.
Como en cada show, su intención es la de una cronista que recorre todos los paisajes, las vivencias y los personajes del interior del país a través de sus sonidos y ritmos típicos. Para Herrero no existen las fronteras delimitadas por alambres de púa y dibuja una nación desde la poesía.
Por eso, en consonancia con la presentación sureña, inauguró el show con una gran versión de “Tu nombre y el mío”, del viedmense y promesa de la canción argentina, Lisandro Aristimuño. Luego, y como en el disco, le llegó el turno a “Antiguo Barracón” de Ramón Ayala, que habla sobre el Litoral que la vio crecer.
Le siguieron “Montevideano”, de Fernando Cabrera, que no forma parte del disco, y el público comenzó a aplaudir la melodía típica del candombe uruguayo. A esa altura, los neuquinos que se acercaron al evento fueron formando parte de cada canción.
Hubo tiempo para chacareras del compositor salteño Pepe Núñez, chamarritas (estilo musical de la región litoraleña) ejecutados por Pedro Rossi, la palabra de Fandermole y su descripción de esas “otras Argentinas” y más milongas de Juan Falú y Pepe Núñez, entre otros.
Tampoco faltaron las anécdotas de cuando Luis Alberto Spinetta le regaló “Bagualerita” o - y el momento más emotivo del show- cuando cantó “Se me va la voz ” de Guillermo Klein, que le cantó a Mercedes Sosa en sus últimos minutos. “Ella está dentro de cada cantor de Latinoamérica y de nuestro país”, concluyó Herrero de quien ya dicen lo mismo las nuevas generaciones.

Discos: "En este mundo ideal" (Amor Fizz, 2009)

2011-08-22T05:37:00.000-07:00

El cuarteto neuquino presenta su disco primogénito: un espacio punk donde no sobran las palabras ni los sonidos para dibujar la perspectiva de un mundo no del todo feliz, pero que igual deja entrever una buena dosis de luz en el horizonte.

Por Guillermina Watkins
Neuquén, agosto 22 (Agencia NAN -2011).- Escuchar Amor Fizz es como volver unos cuantos años atrás y remontarse a la época de la adolescencia. Es escuchar un disco que puede describirse en una sola palabra: punk. Es introducirse en un mundo en el que no sobran las palabras ni los sonidos, y volcarse, sobre todo, en 16 temas que no alcanzan los tres minutos, pero describen desde bien adentro el pensamiento de cuatro venteañeros neuquinos.

Los Amor Fizz –nombre que hace referencia al amor por la música y las burbujas y la efervescencia que desarrollan en cada show- viajaron a Buenos Aires a grabar su primer LP, en el “Vintage Studio”, de Pablo “Priya” Blogna (guitarrista y productor de la banda bonaerense de pop-punk Tipsy), aunque finalmente lo masterizaron en “Steps a Head”. Desde entonces, los creadores de este disco no paran de presentarlo por todo el valle.

En este mundo ideal –editado por la Unión de Músicos Independientes- en realidad no habla de lugares donde abunde la buena onda y los chicos y chicas felices corriendo por las praderas verdes; tampoco de la construcción de un lugar nuevo. En realidad, lo que se describe con tan solo dos acordes, es una perspectiva de mundo para nada feliz, donde abunda el desamor, los desencuentros, la hipocresía y el desgano. Una descripción de una realidad que no los contiene e historias que fueron escribiendo y recopilando en demos de sus primeros años musicales que sólo se pueden escuchar en su página oficial (http://www.amor-fizz.com.ar).

Guitarras al frente, cortecitos clásicos del punk de corte californiano, con claras influencias de Boom Boom Kid; voces agudas, jamás líricas y letras adolescentes, son la propuesta que Amor Fizz presenta en cada show. La música, sobre todo, sorprende más que sus letras.

De este modo, el mundo que no cambia y pareciera no querer cambiar, las mujeres que, tristemente, al guiarse por la imagen que imponen los medios y los estereotipos terminan en la bulimia o “entregando” sus cuerpos para lograr la fama, los miedos a la noche y a la soledad y la necesidad de una buena compañía, pero sobre todo muchos mensajes anti violencia, con algún que otro dejo de esperanza, y –sobre todo- la necesidad de estos cuatro chicos punk rockers de intentar desdibujar un mundo lleno de prejuicios para empezar a escribir su propia historia musical.

Sitio web: http://www.amor-fizz.com.ar/
My Space: http://www.myspace.com/amorfizz

La Fura: el sabor de la tragedia

2011-08-14T07:10:00.000-07:00

La compañía catalana realizó dos funciones de "Degustación de Titus Andrónicus", una multidisciplinaria adaptación de la obra de Shakespeare.

Neuquén > En los primeros minutos de “Degustación de Titus Andrónicus”, el mensaje que queda claro y que persistirá hasta el final es que la suerte ya ha sido echada. Por eso, cuando Tito Andrónico regresa victorioso a Roma tras una larga guerra con los godos y sacrifica al hijo mayor de Tamora -reina vencida pero designada para ser la nueva emperatriz romana-, se desata una nueva batalla entre esas dos fuerzas opuestas.
Con un Gimnasio Parque Central totalmente preparado para albergar tamaña tragedia, la adaptación de la obra de Shakespeare que acercó La Fura dels Baus se opone a tomar una escueta radiografía de la época y traducirla a escenas. Pep Gatell (que durante todo el show formó parte del público) agregó un escalón más entre aquella historia y su representación mental.
Un nuevo espacio multidisciplinario se crea cuando los actores comienzan a moverse entre el público por escenarios móviles y cuando en cuatro pantallas gigantes se disparan imágenes que acompañan la historia.
Por último, y colocado sobre un costado, el cocinero Joan Serra Ross prepara platos que los soldados romanos irán repartiendo entre el público. Es esta nueva apuesta del director de incorporar en escena una sensación que ni los mejores literatos habían podido lograr en sus obras: generar una sensación olfativa que atraviese el relato.
Es que ¿quién podría comer mientras ve una masacre frente a sus ojos? El público se debate en contradicciones mientras los croissants van siendo entregados.
Así, los movimientos constantes, la música industrial que va creando un clima de grises muy nítidos y los olores logrados por un cocinero que ya empieza a participar de las escenas de tortura en su cocina son la antesala del momento en que Saturnino (emperador de Roma) comineza a atormentar a Tito: primero le arrebatan los dos hijos, luego mutilan a su hija cortándole la lengua y violándola, y a él lo fuerzan a cortarse una mano. Esta serie de vejámenes es impulsada por Tamora y su amante, el esclavo godo.
Pero Tito, que es fuerte y está compañado de su hermano Marco, emprende un designio oscuro: secuestra a los dos hijos de Tamora, los mata y los cocineros preparan un banquete al que invitan a la emperatriz. Este es el momento clave de la noche en el que el escenario se coloca a lo largo del gimnasio y los que habían sido invitados a la cena comienzan a subir. Catorce personas son invitadas por los romanos y otras catorce con los que conduce Andrónico.
El final, y como un gran gesto de La Fura, es una deliciosa cebada perlada con hierbas y jugos de animales, una porción de cerdo confitado y vino del valle. Y, mientras la gente come, esa crónica anunciada se desata: Tito asesina a Lavinia, su hija, para que no sufra el deshonor de haber sido mutilada y luego a Tamora, a quien no puede ver disfrutar la comida. Luego asesinan a Tito y al emperador. Y lo que queda, al fin, ya no le importa a nadie, cuando el teatro cae en penumbras y la sensación de un vacío tan grande se hace notar.

La Moto, una gran familia unida por lazos de rock.-

2011-08-12T05:32:00.000-07:00

La banda neuquina que cumple veinte años quintuplica su apuesta: a 4 años de la muerte del alma mater del proyecto, la formación se prepara para lanzar su quinto disco y atesora canciones de sobra “para sacar dos más”. Algunos de sus integrantes repasaron junto a Agencia NAN el camino recorrido.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza de Omar Novoa

Neuquén, agosto 12 (Agencia NAN - 2011).- Son varias las historias que se esconden dentro de la de La Moto. Por un lado, el sueño de un porteño “vagamundos” que llegó al sur con su guitarra al hombro y se instaló en Neuquén, enamorado de las bellezas naturales y la tranquilidad que esas tierras representaban veinte años atrás; también la historia de muchos rockeros de la vieja escuela, ligados al sonido de los años 70 y que soñaron con vivir del rock. Podría ser también la historia de una familia que encontró en la música su razón de ser y que, despojada de cualquier vicio material, vivió de lo que más les gustaba. Por eso, el cuento de La Moto, sus cinco discos (uno a punto de salir), sus giras, la relación con amigos “famosos” como Iorio, Walter Meza de Horcas y Pappo Napolitano, los reencuentros y las despedidas, es el de la banda más importante del rock regional, leyenda under en los circuitos del rock “a secas” de la Argentina.

Eso quedó demostrado el fin de semana pasado cuando, a días de conmemorarse su vigésimo aniversario, la banda hoy encabezada por el “Mono”, Jonas y “Fito” Salvi, Gabi Quiroz, Willi Mariani y Adrián “El Perrito Blues” Pérez, armó una movida de cuatro días durante los que relataron su propia historia con fotos y recortes de diario, organizaron una colecta de juguetes para los chicos internados en los hospitales de la ciudad y se dieron el gusto de hacer dos shows, uno eléctrico y otro acústico, que convocó a centenares de personas a pesar del frío de agosto.

La historia que hoy cuenta La Moto ya no tiene a Esteban “Rulo” Salvi como líder y voz, ya que su existencia física terminó el 7 de diciembre de 2007, pero sus restos descansan en el eco de un río Limay que lo vio crecer espiritualmente.

Una radiografía por el rock callejero de La Moto
Un buen día y ya con muchos kilómetros recorridos desde la provincia de Buenos Aires, los Salvi pisaron Neuquén. Habían sido canillitas en el tren que conecta Ezeiza con Temperley, lustra zapatos en Constitución, vendedores ambulantes en la línea Roca, entre otros varios oficios. “Nosotros somos hijos de entrerrianos que se instalaron en Buenos Aires, en un conventillo cerca del Obelisco y después nos fuimos a Glew. Mamamos la calle desde muy chicos, siempre fuimos vagamundos, hicimos de todo para sobrevivir. Hoy, es un logro ver que nuestra familia sigue haciendo lo mismo y saber que, a pesar de haber vivido siempre en la calle y no haber tenido ninguna propiedad, pudimos criar a los pibes con la rebeldía, con la locura y la poesía del rock sin que nunca hayan empuñado un arma y sí una guitarra”, comenta el Mono, portavoz de la bohemia rockera de la familia.

El “Rulo”, su hermano mayor, fue el alma Mater de La Moto y el “Mono”, el manager. Dicen que éste se subía a una motito cuando salían de gira en “la camioneta” y, con su voz grave, producto del cigarrillo que “por suerte dejó hace un año”, conseguía las fechas. De aquellos años, todavía forman parte Willi Mariani, en segunda viola, que llegó de Punta Alta a principios de los noventa, convocado por el rumor que se estaba armando una banda de rock. “Me había armado un estudio allá, pero me cautivó la poesía, las letras, el estilo del “Rulo”. Vine a comer un asado, a tomar unos vinos y cantar unas canciones y me quedé”, comenta Mariani. También sigue en la gira permanente Gabi Quiroz, baterista entrerriano al que conocieron en un viaje y, convocado poco tiempo después por el “Rulo”, que llegó para quedarse.

Les costó –y aún les cuesta- solventar los gastos que demanda el mercado discográfico de la región, pero los Salvi y cia. siempre buscaron la forma alternativa para poder hacer música y vivir: la venta ambulante, sin horarios ni jefes, y las horas destinadas a componer, ensayar, grabar y pasar momentos en familia.

“Desde chico mi viejo tenía un destino para mí. Yo era arquero, pero como se le iban los violeros un día me dijo ´Loco, preparate´ y bueno, acá estoy. Desde los 16 años que toco la viola en La Moto. Pasé por muchas giras, por nueve colegios (risas). El rock es un sacrificio, en los días de grabación dejás el laburo, la familia. Una banda de rock se tiene que dedicar a ser una banda de rock”, relata Jonás, que con 27años ya tiene tres hijos con la hija de Willi Mariani y uno de ellos ya se cuelga la guitarra.

Jonás y Fito se criaron en esas sesiones musicales que podían ser en una chacra de Plottier, ciudad pegada a la capital neuquina, o en una casona, entre el “Rulo”, el “Mono”, Horacio Durán y Ariel Velázquez, Gabriel Quiroz y el Willi Mariani, quienes fueron los primeros en rondar por el proyecto. ¿Por qué La Moto? “El Rulo venía de una época medio motoquera y Velázquez hacía un efecto con la guitarra que parecía una moto, entonces bueno, quedó ese nombre”, agrega Mariani.

En septiembre de 1990 debutaron en Punta Alta, y después regresaron a Neuquén donde hicieron dos shows. A los meses armaron Sobreviviente con el que salieron de gira por de Buenos Aires a principios de 1991. Ese año debutaron en Capital Federal en New Order, con Los Piojos. La Moto presentaba su primer disco y la banda que lideraba Ciro Martínez Chac Tu Chac. Después tocaron con Pappo, Almafuerte, Vox Di, Rubén Patagonia, Horcas y fueron soporte de B B King en el gimnasio Ruca Che. El año pasado, Iorio grabó “Imágenes Fugaces”, un tema de Astral, segundo disco de la banda. “Nos llenó de orgullo compartir el disco con versiones del Flaco, de Vox Dei, Manal y Pappo”, comentaron.

La historia no terminó todavía
A meses de sacar la quinta placa de la banda –primera con esta formación- La Moto le contó a Agencia NAN qué significa ser la banda más longeva de la ciudad, el haber decidido vivir para el rock y cuáles son los pasos a seguir.

--¿Qué es La Moto?
Jonás Salvi:-- La moto es la familia.
Mono:-- es la columna vertebral de una familia de músicos, con amigos. La amistad como hermandad. Somos una piedra en bruto a la que estamos intentando sacarle brillo. Yo no cantaba y me entusiasmó hacerlo así que parece que seguiré. Estamos más que contentos con esto la grabación de No terminé todavía, letra y música que dejó el “Rulo” antes de morir.
Willi:-- Nosotros pensábamos que El Tío no iba a poder cantar y al final se puso las pilas y le salió. Es difícil “reemplazar” al vocalista de una banda de rock and roll con 4 discos atrás, con toda una obra y una historia. Pero el público ya lo conocía y entendió que no se trata de reemplazar, sino de continuar. Además canta el Mono pero en otros temas está Adrián (por Pérez), que fue buscado por Rulo para cantar y tocar la armónica.

--¿No terminé todavía, tiene que ver con el legado vivo que dejó el “Rulo”?
Mono:-- Nosotros no hacemos más que continuar el legado tan rico que nos dejó con Sobreviviente (1991), Astral (96), Te regalo una estrella acústico en vivo (2001) y Aguante Corazón(2006). Todavía quedaron temas afuera de No terminé todavía (2011) con los que podríamos grabar dos o tres discos más.
Jonas:-- El disco íbamos a comenzar a grabarlo con él. Habíamos reservado sala para el 8 de diciembre de 2007 pero mi viejo ya andaba mal. De hecho se murió un día antes del que habíamos pautado para grabar, aunque ya habíamos desistido, claro está. Sus letras nos hacen pensar que vive, tocando sus canciones lo tenemos cerca.
Mono:-- Igual nos costó mucho sacarnos la pena, pero hoy ya podemos subirnos y tocar con la alegría que tocábamos cuando estaba él. Hoy por hoy se nota que la banda sube contenta y alegre al escenario.
Willi:-- Creo que el rock and roll se lleva en la sangre. El año de su muerte estuvo internado más de 15 veces por su cirrosis, y él no quería que bajásemos los brazos. Después nos pidió ser cremado y lanzado al río. Por eso hicimos el ritual. Después de su muerte, nos aferramos todos a la Moto, a la música. Fue una forma de no morirnos con él. Hicimos el recital tributo homenaje, el 30 de diciembre del 2007, 23 días después, porque él siempre quería tocar gratis en el centro para los pibitos de la calle y fue tanta gente que nos sorprendió. La gente aplaudía igual, como un reconocimiento y un apoyo espiritual por la muerte del Rulo, mucha gente llorando. Fue algo muy emotivo.

--¿Cómo será el disco y cuándo la presentación?
Gabi Quiroz:-- A comparación de los otros discos de La Moto, en éste nos permitimos hacer variación de estilos, mezclando las generaciones que forman parte de la banda y sus diferentes conocimientos musicales. Vamos del rock and roll, al blues, al reggae, algo ska, rythm and blues, guajiras, bosanova. Todo pero siempre con la misma esencia del rock. Y en esa mezcla de estilos nosotros nos definimos como rock callejero, porque las letras se vuelcan a la vida cotidiana y a las vivencias con la gente.
Mono:-- Además del rock está la jerga que usa mi hermano en la composición. No es lo mismo decir “me voy” que “me tomo el palo”. Eso tiene que ver con expresiones callejeras. “No terminé todavía, sobrevivo porque soy parte de esta jungla que es la vida, parte de este mundo donde estoy, transformando en arena las piedras que son pruebas que pone el destino. Voy tirando zapatillas viejas que gastó el camino, ¡ey!, soy feliz, de posta que lo soy. Y ¿cuántas carcajadas aún me quedan? Sospechá”, dice la letra que le da nombre al disco.
Mono:-- La idea sería presentarlo en noviembre en el Club Pacífico, con un show de más de dos horas, que recorra también los temas viejos. Y, como somos “viejos” queremos que salga el disco con la entrada, así, fetichistas, nada de internet. Aunque sabemos que en México, Perú y Ecuador se venden discos pirateados y nos encanta que lo hagan para escucharnos.

No alcanza el espacio físico para describir una historia que le da larga vida al rock. Una banda mensajera, aplanadora, familiera y, sobre todo testimonial, cuyas letras no dicen lo que hay que hacer, sino que dan un punto de vista. No es “ahí, en la villa”, sino “descalzo y con poca ropa el pibe de la villa va, pidiendo en las estaciones diez mangos para morfar, y le cortan el rostro y lo mandan a laburar. Tiene hambre y siente frío y sigue caminando igual”. Resuena a lo lejos la voz de un hijo de la vida que no terminó todavía de escribir su propia historia.

Paredes que gritan

2011-07-28T06:51:00.000-07:00

Cada vez son más las paredes que lucen pintadas de todo tipo. Provocadores o no, los graffitis, los stencils y los murales dan un poco de respiro entre tanto ladrillo, cemento y campaña electoral.

Por Guillermina Watkins
Neuquén > No son un movimiento tradicional –entendiendo como movimiento a la agrupación no formal de individuos con la finalidad del cambio social-, tampoco son un colectivo unificado y menos que menos son “delincuentes o vándalos” como suelen denominarlos los portavoces del sentido común.
Los grafiteros se autodenominan de muchas formas pero hay que destacar en primera instancia que, si bien cada vez son más, aún no se conforman como un todo único.
Ovejas negras, hijos del rigor, los grafiteros que hoy transitan las calles neuquinas arrancan enojos y elogios por igual. Pero eso sí, nunca pasan desapercibidos y hacen de la ciudad un gran lienzo donde expresarse con la mayor libertad posible.
Muchos son hijos de la democracia, pero sobre todo de la televisión a través de la que se acercaron a la cultura setentosa y ochentosa de los países del primer mundo: el rock, el rap, los graffitis, los murales, el skate y el hip-hop norteamericanos. Además, tampoco les gusta que les pregunten por qué pintan lo que pintan y todos coinciden en que es mejor ver una ciudad pintada que “miles de carteles políticos que sólo generan mugre”.
Por otro lado, los stencileros, que son los que usan la técnica llamada Estarcido (aplicación de pintura o aerosol sobre una plantilla con un dibujo o frase recortada) tienen en la ciudad una connotación más política que otros grupos de expresiones callejeras. Sobre todo las agrupaciones feministas radicales que surgieron después de los '70 o los movimientos estudiantiles de Europa que usaban el stencil como forma de provocación y llamado de atención.
Así, la historia que se construye en los tiempos que corren; es la de una ciudad donde sus paredes gritan a través de carteleras, pósters y avisos corporativos o electorales. Así, los graffitis, stenciles o pintadas, por más grandes que sean, dan un respiro de color y de alegría a los ojos del peatón. En palabras de Tristán Manco, en su libro “Stencil Graffiti”, “tanta violencia de carteles invita a una respuesta subversiva de parte de los ciudadanos”.

La ciudad como un gran lienzo
En el caso de los graffiteros, muchos se consideran parte del movimiento Hip-Hop que es más grande y que incluye a los MC (Maestros de Ceremonia, es decir, los que rapean), DJ`S (específicamente los que utilizan la técnica del Scratch con vinilos) y los break-dancers (que es la danza). Ellos, a diferencia de los murales o los stencils no dan mensajes políticos porque su irrupción histórica ya marcó un hecho político.
Su pata de apoyo fundamental fueron las rimas que hablaban de la desigualdad social existente en los Estados Unidos de aquellos años, y de reivindicaciones del sector negro de la población. Los raperos, resaltaban un rasgo auto referencial al dejar impregnadas las paredes con sus nombres, con el nombre de sus barrios y pandillas o, simplemente, con la inscripción de tipografías coloridas y en grandes tamaños. En la ciudad, muchos son los artistas callejeros que se suman a este estilo.
“Yo pinto por el simple hecho de pintar, de hacer arte, –encabeza Ezequiel Scanu, quien también es tatuador y artista plástico- y si lo relacionan con el vandalismo es porque no ven que somos artistas y que expresarse sin límites es una de las bases fundamentales del arte. Hay artistas de muchísimo talento en este ámbito que es under, pero es arte”.
Por su parte, Juan Carlos Pereyra, fundador de “Patagonia Street Art”, grupo que reúne a diferentes artistas de las paredes, explica que “nosotros no pertenecemos al mundo del hip-hop y por eso somos “street art” porque consideramos que cualquier persona que quiera pintar y expresarse en una pared es un artista. Porque esto es algo muy marginado por la sociedad y que puedas encontrar un grupo que te brinde un espacio para pintar es impagable. A nosotros nos relacionan con el vandalismo, con el escracho, por eso intentamos juntarnos e ir a espacios alejados para poder hacer lo que queramos”.
Los graffitis o stenciles se los pueden encontrar en algunas paredes del barrio Santa Genoveva, en Alta Barda, en Jardines del Rey, en el San Lorenzo, Mudón, Muten, en el centro y en Parque Industrial.
Muchas de ellas son obras individuales pero, en los últimos años, comenzó a darse una práctica interesante que son las graffiteadas colectivas en lugares abandonados. Como la que se realizó el 14 de mayo en un Encuentro Nacional de Skateparks en San Patricio del Chañar en el que participaron más de 20 artistas, o la convocatoria del domingo 29 de mayo en la que los chicos y chicas de Patagonia Street Art coparon una fábrica abandonada cerca del Parque Industrial. En esa ocasión no fue sólo el graffiti el que copó la parada, también las chicas de “Mis Ojos” realizaron murales en varias de las paredes y SoPa se encargó de llenar de personajes las paredes grises.
“Las fábricas abandonadas son como nuestro lugar porque nos encanta tener mucho lugar para pintar. Queremos plagar de colores las paredes. Cuando las paredes tienen dueño, les pedimos permiso para mejorárselas y muchas veces nos dan el permiso porque nuestros graffitis van por el lado estético, no queremos llenar de cosas negativas un mundo que ya está negativo. Siempre es preferible el color”, agrega Gonzalo Michel, también miembro fundador de Patagonia Street Art.
Por su parte, Alex Heduvan, que también es un MC del grupo de rap “San Lorenzo City”, agrega que “a veces pintamos de noche, de manera improvisada. Si bien siempre es mejor coordinar con un grupo por el tema de los materiales o para hacer algo más grande, cuando tenemos un paredón enfrente que está bueno, lo pintamos. Por eso a veces nos relacionan con el vandalismo. De todos modos, no lo hacemos en paredes privadas, sino en espacios que son de paso”.

Arte para liberarte
Quienes graffitean también están relacionados con otras expresiones artísticas. Muchos son diseñadores gráficos, otros tatuadores, dibujantes, artistas plásticos, caricaturistas o atrevidos que, sin estudios y por amor al arte, se van metiendo en el gran mundo del color con intenciones de convertirlo en algo más grande.
Es el caso de Heduvan, que llegó al graffiti al declararse como hip-hopero. Hoy, un proyecto más ambicioso lo encuentra como director: “Graffiteando el Futuro”, con el apoyo de la Fundación Banco Provincia, que reunirá a partir de este mes, a más de diez artistas de distintos puntos de la ciudad par pintar el paredón del Cpem 23. “La idea es pintar esa cuadra y media de paredón para empezar a embellecer la ciudad y después trasladarnos a otros lados, a Plottier, Centenario, Cinco Saltos, etc.”
Otras experiencias de este estilo se pueden encontrar en San Martín de los Andes de la mano del grupo “Los grandes Atorrantes”, una pandilla urbana que se reunió para pintar muros. “El grupo se fue haciendo tan grande, una comunidad hip-hopera, y organizamos un “Festival Patagónico de Hip Hop” donde vinieron bailarines a dar talleres gratuitos, Djs nacionales que hacen scratch, etc.”
“Los Grandes Atorrantes” llegaron a conseguir que el Cuerpo Legislativo de San Martín, debatiera sobre la creación de un marco normativo que regule la actividad, ya que no existe nada que autorice el desarrollo de prácticas de muralismo. Así, los “atorrantes” lograron que les cedieran algunas paredes de la ciudad para pintar y que el graffiti sea considerado de interés urbano y de la juventud.

El stencil político
El estarcido (o stencil), tiene como particularidad el relacionar arte con una forma de discurso y abre la puerta a un diálogo entre el artista y el público. Son, quizás, más provocadores que los graffitis porque al tener un fuerte mensaje, afectan el curso cotidiano de los peatones a partir de la “denuncia” y provocan una respuesta en el observador. Sus imágenes están cargadas de gran poder desde lo icónico, lo simbólico, lo humorístico, lo irónico, lo político y lo comunicacional y son fáciles de reconocer porque saben conjugar arte y política de una manera única.
“Yo empecé cuando tenía 15 años y aprendí sola –comenta Mariel Arriola, fundadora de ETC Stencil-. Así formamos el grupo porque no teníamos una temática puntual, a veces hacíamos cosas políticas, otras veces no, hacíamos cosas abstractas y a veces no. No teníamos un mensaje único en ese momento. Nos gusta decorar la ciudad con otro tipo de mensajes sobre todo positivos”, comenta Mariel Arriola quien hoy está radicada en La Plata.
Por su parte, las chicas de la colectiva feminista “La Revuelta”, son un claro ejemplo de cómo causar un efecto en el público con sus stencils que siempre forman parte de intervenciones callejeras para fechas como el Día de la mujer o el Día contra la violencia hacia la mujer. Así, con sus stencils pretenden desmantelar todas las jerarquías relacionadas a lo que está instalado en el discurso de la sociedad, sobre todo “lo relacionado a la heteronormatividad, es decir, a la identidad de género y la discriminación”, asegura Ruth Zurbriggen, de esa organización.
Tanto el graffiti como el sténcil y todo tipo de arte callejero o muralismo, son provocadores. Irrumpen entre los ladrillos, las paredes blancas y las edificaciones públicas o privadas para darle color a las calles y aportar, entre tanto ruido y obligaciones cotidianas, un momento de pausa y respiro para los ojos que se dejen llevar por su ola de colores.

A puro rock de acá

2011-07-28T05:27:00.000-07:00

Guitarras prolijas, melódicas y rockeras, un bajo fuerte, grave y denso, y una batería que en ningún momento dejó de marcarle el camino a sus compañeros fueron la clave por la que el sábado por la noche, en el Teatro del Viento, Adhikari demostrara ser una auténtica banda de rock.
Conformada actualmente como un power trío, quizás la formación más típica y fundamental del género, la banda comandada por Brooklyn Adhikari realizó un repaso por sus 17 años de carrera en los que, si bien cambiaron muchas veces de integrantes, el sonido se estableció como algo compacto, sólido y único.
Lo que Adhikari hace es rock a secas, nada de virtuosismos ni despliegues de instrumentos, sino simpleza escénica, actitud rockera, cuerpos transpirados que resaltaron el brillo de tatuajes tradicionales y piercings platinados, y un sonido bien al frente con una voz muy prolija que rapeó pero también cantó canciones de rock románticas.
Sonaron canciones de “El Estado del Ser” (1998), “Resplandece” (2007) y adelantaron trabajo de “Entre la tormenta y el caos mental”, que saldrá en septiembre.
Si bien los discos fueron compuestos en distintos momentos del grupo, en la actualidad los tres “forajidos del desierto” -como se autodefinen- lograron aunar el estilo en algo más denso.
Así, el guiño con los noventa fue desde el inicio hasta el final de la hora y media que duró el show y se animaron a hacer tres versiones de bandas que los influencian constantemente: “Malón Diabólico” de Babasónicos, “Una noche como esta”, de The Cure y “Sueles dejarme solo” de Soda Estéreo.
Adhikari cerró la noche con la emoción de haber hecho un show con un sonido impecable y bien cerradito. Parece, entonces, que habrá Adhikari para rato. (G.W.)

Los Forajidos del Desierto

2011-07-25T05:21:00.000-07:00

La banda festejará sus 17 años de vida este sábado en el marco del “Lifestyle III”. La cita será en el Teatro del Viento a partir de las 22 e incluirá muestra de fotos, rampas de skate y DJ invitados.

Además de adelantar disco nuevo, el grupo lanzará su sello discográfico y sala de grabación, Machina Records.

Neuquén > En el marco del evento “Lifestyle III”, que pretende reunir a los productores y seguidores de rock, tatuajes y skate, se presentará la banda Adhikari, que además festejará sus 17 años alimentando la escena rockera local. En esta oportunidad, harán un repaso de sus anteriores trabajos “El Estado del ser” (1998) y “Resplandece” (2007) y presentarán un adelanto de su disco a lanzarse en septiembre. “Entre el caos y la tormenta mental” contará con 10 temas y la participación de César Andino, de Cabezones.
El “Lifestyle” (o, como su traducción lo indica, 'estilo de vida') es el nombre de los festivales que organiza la banda desde el año pasado y que resume las bases fundamentales de la cultura del grupo: el rock, el skate y el tatuaje. El año pasado se presentaron Amor Fizz, Mitosis y Ruido Explícito.
Así, los neuquinos podrán disfrutar desde las 22 en adelante un show con exposición de tatuajes, art fusion, rampas de skate, proyecciones, fotografías y la actuación de Vix!, un DJ que coronará la noche con sus bandejas.

Tu estado del ser
La historia de Adhikari es la historia de un proyecto artístico que nació de la cabeza de un muchacho llamado Carlos Acuña, o su álter ego el Negro Brooklyn, hace ya más de 17 años. Corría el año 1994, Kurt Cobain acababa con su corta pero contundente vida rockera; Blur sacaba uno de sus mejores discos, “Parklife”, y por estas coordenadas Babasónicos editaba “Trance Zomba”. Todo llegaba a Neuquén con un poco de delay y en casete.
Brooklyn y sus secuaces de ese entonces se embarcaron en el proyecto de hacer una banda y vivir para y por el rock y, a pesar de los cambios que fueron tomando con el paso del tiempo, hoy son –junto a La Moto, que también cumple años por estos días- una de las bandas más longevas de la ciudad. Sin embargo, a diferencia de los anteriores, el único integrante original que queda es justamente Brookyln en voz y guitarra, acompañado de Martín Bigo (su hermano menor) en el bajo y el nuevo hermano por adopción, Puchito, en batería.
Entonces, ¿por qué conservar el nombre?
“Uno de los que no quiso cambiarle el nombre fue Bigo porque él vive Adhikari desde chico, porque grabó conmigo el disco anterior y ya hizo una gira. Por su parte, Puchito, que siempre nos escuchó desde muy chico, tampoco quería cambiar”, sintetiza la voz de la banda.
En aquellos noventa, los Adhikari podían tocar vestidos de plateado a veces, con ropa femenina otras, rapeando alguntas tantas y, sobre todo, con el furor de los años de la juventud rockera que hacían al Negro gritar “Adhikari es el estado del ser espiritualmente competente” en escenarios neuquinos o platenses junto a bandas que hoy también siguen en el circuito independiente. Eso fue, entre otras tantas cosas, la marca que definió a esta banda, que podía tener un sonido sónico como aquellos años lo ameritaban, ser un poco más metaleros o, simplemente, ser un rock alternativo con toques de otros estilos.
Hoy, a 17 años de aquel entonces, los tres integrantes concuerdan en que el sonido es “de fuerza”.

Entre el caos y la tormenta mental
El nombre hace referencia a la velocidad, la intensidad y la fuerza. Y no estamos hablando de deportistas profesionales, pero estos chicos tuvieron que calzarse la camiseta de Adhikari y grabar 3 veces el disco en sesiones maratónicas de poco sueño. En primera instancia, no les gustó lo grabado. Después, les robaron la máquina con todos los archivos. Y ahora, con las diez canciones ya grabadas y la participación de César Andino en “Escuchame”, el disco se prepara para salir, rápidamente, de la manera en que fue gestado.
“Nos interesa variar en los discos porque eso demuestra los años que han pasado entre una formación y la otra”, comenta Brooklyn, y Puchito (quien se sumó a la banda tras años de ser seguidor) agrega que la grabación del disco los “agarró” en un momento de muchos cambios, donde montaron el estudio y también sufrieron cambios personales.

Que 17 años no es nada
Adhikari se convierte así, en una de las pocas agrupaciones que de sólo pensar su trayecto se podría pensar en la historia del rock neuquino y también en la del rock argentino. Pero ellos prefieren ser considerados como “rock de acá”.
“Nosotros somos unos fucking forajidos del desierto, los más caraduras. Nuestro manifiesto es hacer rock de Neuquén y poder ir a rockearla a cualquier lado y volver tranquilos. También somos los 'solteros eternos del rock' porque podemos hacer cualquier estilo y no casarnos con nadie. Ése es nuestro manifiesto y por el que queremos que nos recuerden con el paso del tiempo”, concluyeron.

Rock, tatoo y skate
Esta nueva edición del "Lifestyle" contará con la participación de Insannitaria en fotografías y diseños, que además es la encargada de la parte estética de Adhikari, y la fotografía, también, de Manu Urbano. Además, skaters de la zona harán sus demostraciones en rampas y algunos DJ invitados musicalizaran el pre y el post del show de Adhikari.

Machina Records
Neuquén > Así se llama la sala de grabación de los Adhikari y el sello digital que ya están empezando a lanzar. La primera banda que formará parte de este emprendimiento será The Pot Circus, que se autodefine como “rock alternativo con bastante grunge”.
Machina Records será un netlabel, es decir un sello virtual donde se difunde desde la red. “Nosotros les vamos a brindar la posibilidad de grabar y el máster se lo daremos terminado para que los músicos hagan lo que quieran con eso. Si quieren sacar el disco lo sacarán, sino lo manejarán por Internet como se estila en estos últimos años aunque tener el disco sea algo lindo”, cuenta Brooklyn.
En esa sintonía digital, Adhikari planea hacer la presentación de su disco en septiembre, con una transmisión en vivo de ellos tocando los 10 temas.
Habrá que quedarse sentados para disfrutar de la calidad sonora que proponen los Adhikari.

Adhikari en el Teatro del Viento

2011-07-23T05:19:00.000-07:00

La banda que nació cuando los casetes recién asomaban ofreció un espectáculo con un sonido impecable. En poco más de hora y media, el trío recorrió los puntos salientes de los 17 años de camino artístico recorrido y hasta se dio el lujo de reversionar sus temas favoritos.

Por Guillermina Watkins
Fotos gentileza Innsanitaria

Neuquén, julio 26 (Agencia Nan- 2011).- Guitarras prolijas, melódicas y rockeras, un bajo fuerte, grave y denso, y una batería que en ningún momento dejó de marcarle el camino a sus compañeros, fueron la clave por la que el sábado por la noche en el marco del Lifestyle III en el Teatro del Viento, Adhikari demostró ser una auténtica banda de rock.

Constituida actualmente como un power trío, quizás la formación más típica y fundamental del género, la banda comandada por Brooklyn realizó un repaso por sus 17 años de carrera en el que, si bien cambiaron muchas veces de integrantes, el sonido se estableció como algo compacto, sólido y único.

Si durante los años noventa no hubiese sido una sorpresa encontrarlos en el medio de un escenario montado en el centro de la ciudad, vestidos de plateado o con ropa femenina al grito de “Adhikari es tu estado del ser, espiritualmente competente”, con una fuerza musical acorde a lo que se estilaba en ese entonces en el que Babasónicos lanzaba Trance Zomba, Kurt Cobain se volaba la peluca y Blur editaba Parklife, hoy sería impensable escuchar ese sonido que amalgama la dureza del rock con la voz suave y afinada de Carlos “el Negro Brooklyn”.

De este modo, el evento “Lifestyle” (o como su traducción lo indica: estilo de vida) los colocó como los representantes musicales en un encuentro que reunió los pilares de la cultura a la que Adhikari representa: el rock, los tatuajes y el skate. La reunión musical también sirvió para que los muchachos presentaran su sello y sala de grabación Machina Records y adelantaran algunos temas de su tercer disco que saldrá en septiembre, Entre el caos y la tormenta mental, que contará con la participación de César Andino de Cabezones.

Mientras que afuera los skaters de la ciudad se turnaban para pasar por la rampa y lucirse ante los que no le hacen a las tablas, adentro VIX! amedrentaba la velada con música electrónica. En las paredes, una exposición de fotos de rock de Innsanitaria y Manu Urbano aguardaban por el público atento.

El nuevo Adhikari se subió a tocar a eso de las dos de la madrugada. Brooklyn, único integrante histórico de la banda, apareció en el escenario acompañado de su hermano Bigo en el bajo y Puchito en la batería. El trío comenzó con el repaso por las canciones de El estado del Ser (1998) y Resplandece (2007). Sólo Bigo tuvo participación en la segunda producción, mientras que Puchito recién está participando de la tercera edición. Como los dos integrantes afirman, “ellos son nuevos pero sin embargo se sienten parte de ese legado en la escena local”.

El show de Adhikari fue rock a secas, donde no hubo despliegues de virtuosismos ni de instrumentos extravagantes, sino simpleza escénica, actitud rockera, cuerpos transpirados que resaltaron el brillo de tatuajes “tradi” y piercings platinados, y un sonido bien al frente. Un rock “de acá” que ellos se encargan de llevar como bandera ante la defensa de un sonido neuquino que, en realidad, tiene que ver más con una actitud que con un estilo.

De este modo, el guiño con los noventa comenzó en el inicio de la hora y media que duró el show y se acabó con él. Los músicos se animaron a hacer tres versiones de bandas que los influencian constantemente: “Malón” de Babasónicos, “Una noche como esta”, de The Cure y “Sueles dejarme solo” de Soda Estéreo.

Adhikari, que nació a los albores de los primeros cassettes y que es uno de los proyectos artísticos más longevos de la ciudad, cerró la noche con la emoción de haber ofrecido un espectáculo con un sonido impecable y bien cerradito. Parece, entonces, que habrá Adhikari por otros 17 años más.

http://www.myspace.com/sonicojardin

Parkour: adrenalina y destreza

2011-07-19T07:18:00.000-07:00

También llamado “el arte del desplazamiento”, la disciplina suma cada vez más adeptos en la ciudad. Esfuerzo físico, capacidad deportiva y audacia son los condimentos esenciales.

Neuquén > Trazar otros caminos para andar que no sean las clásicas veredas puede ser posible. Ya lo habían soñado Hanna-Barbera, creadores de Supersónicos, cuando estipulaban que algún día los platos voladores trazarían rutas en el espacio u otros dibujos animados que plantearon una vida bajo los suelos. Ni los unos ni los otros, los traceurs –como se denomina a quienes practican parkour- han fundando una nueva forma de moverse en el espacio público sin molestar a nadie (o a casi nadie), utilizando la arquitectura de las ciudades, y también sus espacios verdes entre los que entran hasta los árboles.
Y aunque las terminologías que lo definen puedan sonar lejanas, este deporte extremo comienza a sumar cada vez más adeptos en la ciudad y hay chicos que ya son “traceurs profesionales” a pesar que no existe una legislación que los contenga y las reglas sean más por “sentido común” que algo institucionalizado.

No dejar de moverse
“Cuando yo empecé no había nadie haciendo esto en Neuquén y hoy somos más de veinte chicos que nos juntamos a practicar”, agrega Lucas Ortiz, traceur originario de la ciudad que, como el inventor del parkour, David Belle, marcaron un antecedente en sus ciudades.
Belle, como un superhéroe sin telas arañas ni la ayuda de ningún dibujante, creo el parkour en Francia inspirado por el “Método Natural” de Georges Hebert, que era usado en los ejércitos. La idea se basó en superar los obstáculos naturales usando sólo el cuerpo y adaptándolo a una forma urbana. Saltar, nadar, correr. En fin: resistir cualquier adversidad.
Así se fundó un movimiento de personas que no temen desplazarse en las arquitecturas y sus estructuras, deslizándose libremente por cornisas, paredes, techos y ventanas ni hacer sus sugestivas piruetas. Pero el parkour no es ni danza, ni acrobacia ni nada de eso: es un poco de todo y a la vez, habla su propio lenguaje.
Se busca el movimiento constante, la fluidez y la rapidez. Los obstáculos tienen que ser pasados con naturalidad y permitir que el traceur siga su trayecto de manera constante, sin frenos.
Como todos los deportes y destrezas, las cosas se mejoran con la práctica, pero acá también se ponen en juego el ánimo y la audacia. No hay quién tome parcial ni pruebas, simplemente es la persona quien decide hasta dónde ir avanzando y avanza, y por eso además de ser un deporte físico, es un deporte mental. Y también una “forma de vida” una “filosofía de la autosuperación” porque se ve el mundo desde diferentes perspectivas, según dicen los que lo practican.
“El parkour además de ser una actividad física es una actividad mental que te ayuda a despejar, a sentirte más fuerte porque es un deporte bien completo”, agrega Ortiz.

Adrenalina y responsabilidad
Parkour, que significa camino o ruta, implica una responsabilidad por parte de quienes lo practican ya que en la ciudad no hay quienes lo enseñen. Lucas Ortiz no da clases pero es el encargado de orientar a muchos de los chicos que se suman cada domingo a las torres donde practican. La práctica, al no estar legislada, corre por cuenta de quienes lo realizan y, muchas veces, tienen que coordinar con los vecinos y porteros de la zona céntrica donde se juntan para poder practicar tranquilos. Muchos aseguran que prefieren verlos practicando que “gente tomando alcohol”, y otros no quieren saber nada.
Los traceurs más expertos aseguran que es fundamental tener una preparación física fuerte como para poder sostener los movimientos. “Nos juntamos 3 ó 4 horas por fin de semana pero también salimos a correr y a saltar por las bardas para poder estar bien físicamente. Este deporte no es cuestión de largarse, primero hay que estar preparados sobre todo para no sufrir lesiones que podrían evitarse”, agrega Lucas Ortiz.
Es fundamental, entonces, saber que la responsabilidad corre por parte de cada persona que quiera probar las técnicas. Los practicantes aseguran que es “uno quien sabe hasta dónde puede llegar, a qué se anima y a qué no” y si bien todos los deportes tienen sus riesgos, el parkour de los más profesionales puede llegar a tener riesgos que tienen que ver con el medio en el que se desenvuelven.
“Con el parkour uno puede cometer un pequeño error del que podés arrepentirte toda tu vida. Yo cada vez que puedo pruebo con hacer salto más largos, más profundos, pero también me generan miedo y cuando los paso, experimento sensaciones únicas”, concluye Ortiz quién, además, tiene tatuado en su brazo izquierdo la palabra parkour y su relación con el deporte ya quedó signada para siempre.
¿Las mujeres pueden practicarlo? Claro, como todos los deportes, sin embargo no muchas se acercan a hacerlo porque los deportes de fuerza y resistencia no son los más elegidos por ellas.

Los movimientos
El movimiento es constante, volviendo el cuerpo una herramienta útil. No existen reglas y su lema es “Ser y Durar”, donde no hay que ponerse en peligro inmediato sino ir superándose cada día sin competir con el resto. Se requiere, entonces, de un cuerpo atlético y de una mente audaz que no le tema al dolor ni a las caídas. Pero a la vez es muy accesible porque sólo se necesita el cuerpo.
No es un espectáculo ni mucho menos vandalismo (como suelen denominarlos) sino un deporte que combina muchas disciplinas. Los saltos, las caídas, movimientos como el gato, el de precisión, el pasavallas, el doble gato, el pasamurallas, los rolls, los rompemuñecas, entre otros. Movimientos donde el cuerpo entero se ve involucrado y que son la base del parkour.
Asimismo, cuando se va ganando experiencia, hay movimientos de rotaciones del cuerpo en el aire como mortales, frontlips, backflips, wallflips, aerials y más.

La historia de los "Ninjas urbanos"
Se han realizado varias producciones cinematográficas sobre esta práctica que se inició como una actividad de pandillas, en muchos casos, para escapar de la Policía.

Neuquén > Se los llama “ninjas urbanos” o “samurais de los tiempos modernos” según los retrató Luc Besson en su película Yamakasi (espíritu fuerte), donde se contaba la historia de un grupo de ladrones que usaban sus habilidades acrobáticas para escapar de las manos de la Policía.
Y, justamente, David Belle su creador, fue convocado para participar de otra película de Bassin sobre el tema.
Es claro que si hay algo que le dio la fama a Belle fue la disciplina creada que, en definitiva, estuvo inspirada por la labor de su padre en el Ejército Francés para lo que fue el conflicto en Vietnam, donde el Belle mayor se destacó por sus aptitudes físicas.

"Nada te puede detener"
Así, la historia del parkour se convierte, en definitiva, en la historia de este personaje que afirma que “antes de ser un deporte es un método natural para desarrollar todas las cualidades que son naturales al cuerpo humano: incrementar la fuerza, la agilidad, la velocidad y el poder dónde sólo se necesita un par de joggings, una remera, unas zapatillas y a uno mismo. Nada te puede detener”.

"Tres tristes temas" (Atras hay truenos, 2010)

2011-07-17T09:39:00.000-07:00

Fiel al estilo del quinteto neuquino, el EP propone un sonido diferente de noise en estado puro. Su bomba de canciones se enreda de una forma difícil y veloz y se convierten en melodías y tensa calma en un simple segundo.

Por Guillermina Watkins

Neuquén, julio 11 (Agencia NAN-2011).- Digamos la posta: la ciudad más divertida del país es Buenos Aires (o Córdoba para los que prefieren la cháchara, el fernet y el requeteque). Allí, todos los días hay algo para hacer, algún lugar donde ir, algo que inventar. El resto del país (sí, maldito centralismo), se las arregla con sus bares y con sus, a veces buenas a veces no, producciones locales y algún que otro evento de renombre. Pero generalmente el tempo es cansino, relajado, lento –al menos un poco más lento- y, a veces, parece no pasar nada. En una de esas tardes neuquinas de aburrimiento, donde seguro soplaban vientos fuertes y el día parecía no pasar más, Robi, Nacho, Maxi, Tito, ahora el Pájaro y Diego (y en algún momento el Bicho Bolita y Charles y muchos que pasaron por la formación), conformaron Atrashaytruenos, una banda que en realidad es, antes que nada, un grupo de amigos con afinidades musicales muy particulares.

A principios del siglo XXI, los cinco chicos se encargaron de renovar el rock y la estética neuquina, acercando la ciudad a sonidos indies que tienen su cónclave musical en Buenos Aires, La Plata y Rosario, con influencias que van desde lo más clásico de Floyd y Beatles hasta Stereolab, Sonic Youth y Yo la tengo.

Así, Atrashaytruenos logra matar a la canción y propone un sonido diferente de noise en estado puro. Su bomba de canciones se enreda de una forma difícil y veloz y se convierte en un puñado de melodías de tensa calma en solo un segundo.

Mientras graban su primer LP en los estudios Moloko Velocet de Buenos Aires, la banda sigue viajando por ese sin fin de sensaciones que salen desde las pulsaciones noise e invitan a degustarlos con su EP, Tres tristes temas, que incluye los instrumentales “Citrueno”, “Mi amigo Bela” y “Y yo que me había perfumado”. También se los puede encontrar en el myspace donde, entre otros, están sus clásicos “Árida Astucia” y “Budín”.

Esta banda megaguitarrera, podrida e instrumental logra atrapar al oyente (y al que tiene la suerte de verlos en vivo) con un ruido atrapante que no pareciera salir de sus tímidos cuerpos ejecutantes sino de la vivacidad de los instrumentos que llevan la cadencia, arman la estructura, poseen a los muchachos e hipnotizan al público. Los “truenos” son una especie de Go-Nekos, uno de los tantos indie porteños, pero más podridos y sin cortes aparentes.

Atrashaytruenos es también, una tormenta de sonidos ajenos a nuestros oídos, donde lo que prima es la experimentación y el ruido. Escucharlos lanza un pronóstico asegurado de tormentas, vientos huracanados del oeste con presencia de cenizas volcánicas y turbulencias sonoras con destino a una isla desierta sobre el Río Limay. No digan que no les avisamos.

"Rio Madre" (María Suárez Grupo, 2010)

2011-07-17T09:33:00.000-07:00

Simpleza es la mejor palabra para definir este disco de María Suárez, dosis justa de música popular y canciones bellas, más que femeninas. La voz de Suárez encaja perfecto en la búsqueda, poética y callejera al mismo tiempo.

Guillermina Watkins

Neuquén, junio 13 (Agencia NAN-2011).- La música no te puede pasar por alto, está ahí, esperándote, para llevarte, traerte y volver a dejarte en el mismo lugar, pero ya no de la misma forma. Por eso a veces cuesta comprender cómo a alguien le puede gustar sólo un grupo musical o, simplemente, se confiesa escuchadores pasivos de alguna FM de moda. Seamos realistas: una persona no es la misma después de sumergirse en la cadencia de algún disco musical.

Por eso hay tanta música como escuchantes en el mundo. Está el disquito para hacer la previa con algún chico/chica, está el disquito que nos lleva a algún tiempo pasado (que no siempre fue mejor), está el que nos trae buenos o malos recuerdos, el que nos remonta a un lugar, un olor, un recuerdo y están los que conjugan un poco de todo y hacen bello un momento al eternizarlo. Así, escuchar el disco de María Suárez Grupo es como ver una mañana, con una mujer caminando descalza por una casa con pisos de madera y con vista al lago, donde unas tostadas se hacen de a poco y el sol, atrevido, intenta colarse por una ventana y se refleja en una jarra con el agua más pura.

El disco dura lo que un buen desayuno otoñal: apenas un poco más de 40 minutos. Y al llegar al segundo tema surge una pregunta, ¿por qué amamos a la Epumer, a Pj Harvey o a la Negra Sosa? Es por lo mismo que podríamos (y quizás a partir de ahora) empezar a querer a esta cantante platense pero neuquina por adopción: porque puede hacer de un día de sol algo tan perfecto con su regalo: una dosis justa de música popular y canciones bellas, más que femeninas.

Río Madre fue grabado entre La Plata y Neuquén durante 2006 y 2008, y está inspirado en la maternidad y en el mundo de esta compositora que, además, convoca con su bella pluma. María Suárez logra un disco acústico, casi folclórico y fundamental, despojado de academicismos y con pinceladas de acordeones, tambores uruguayos, y los clásicos bajo, batería y guitarra criolla.

Doce temas que inician un viaje hacia el centro mismo de la feminidad: la sensibilidad ante la naturaleza, la maternidad, los miedos, el amor, la simpleza. Eso, simpleza, es la palabra que podría definir a este disco que Suárez compuso sin saber que estaba embarazada y lo denominó Río Madre. Simpleza es lo que caracteriza el recorrido de temas de esta mujer, que cautiva con su voz grave y aguda, suave pero rapaz, poética pero callejera.

Fin de una historia

2011-07-13T06:48:00.000-07:00

San Lorenzo City, primer grupo exponente del hip hop en la ciudad, dice adiós después de cinco años para comenzar una nueva etapa. La gran despedida será el viernes a la medianoche en el Teatro del Viento.

Neuquén > Luego de cinco años de transitar juntos, los fundadores de San Lorenzo City, el grupo de hip hop que salió del Oeste como una trompada musical, se separa. Sin embargo, este acto que siempre tiene connotaciones negativas, para ellos es el comienzo de dos historias que –según aseguran- siempre estarán entrelazadas. Por eso, el viernes a partir de la medianoche, Alex Heduvan y El “Negro” Miguel Evora darán como cerrada una etapa. En lo que significará su último concierto estarán acompañados de otros raperos que estuvieron con ellos desde aquel comienzo en un viejo cyber del Barrio San Lorenzo. Ellos son MC (por Maestro de Ceremonia) Hopers, Ki Javier (de La Rúa Familia), Ras Lucas (de La Estafa Dub), Gisevé (de Sinsemina), Pichuki, Isaiam y Parka.
“Nos largamos como solistas –acota Heduvan- pero al contrario de lo que muchos piensan, esta separación no tiene que ver con una pelea, sino con que vimos necesario que cada uno comenzara su rumbo personal. Yo ya estoy terminando de grabar mi disco solista y el Negro está por empezar a hacerlo. Además, todos los raperos en la vida pasaron por lo mismo: nacieron de grupos y después se hicieron solistas”.

El final del principio
Si ahora termina, ¿cómo empezó todo? Como empiezan las grandes cosas, sin pensarlas. Así, un grupo de chicos comenzó a reunirse en uno de los lugares en auge durante los últimos años de la década de los noventa: los cybers. Internet no había llegado a todos los hogares y estos espacios cobraban la hora a precios muy accesibles para ese entonces. La cerveza estaba a 3 pesos, la hora de Internet a 1,50.
Y en las afueras de uno de ellos, ubicado sobre la calle Godoy del barrio San Lorenzo, un grupo de chicos se reunía a jugar al “Counter Strike”, juego de tiros que generó muchos debates, por aquellos años.
“Ahí fue cuando nos empezamos a tratar y yo me puse del lado de los hip-hoperos que hacían competencias con los rollingas, que era la tribu urbana más de moda en ese entonces”. De esas reuniones surgió la idea de juntarse a rapear sobre bases de otros y a grabarse en equipos de muy baja calidad. Ahí estaba Hopers, o Carlos Vega, y El “Negro” Miguel, quienes impulsaron a Alex a que escribiese.
Después vinieron los encuentros de hip hoperos en el Oeste y en el centro de la ciudad, los recitales, el buen recibimiento de la gente, varias entrevistas, el empuje, y hoy, a casi una década del comienzo, la separación que según dicen "la esperan con la expectativa de que irá mucha gente a verlos".
“Vamos caminando por la calle y muchos chicos nos reconocen. Es más, una vez una viejita que nos escuchó rapear se acercó emocionada y, tomándome de la remera, me dijo `qué lindo que ustedes se animan a decir lo que no se dice en ningún lado´, y nosotros nos quedamos perplejos y muy contentos”, aseguró Heduvan.
Los San Lorenzo City, hacen referencia con su nombre a esa “otra ciudad”, que existe en el Neuquén del Oeste y se convierten en parte del auge de los últimos tiempos del rap y las rimas de los “chicos bravos” que coparon todo el trópico sur, pero que comenzó en aquellos lejanos '70 en Estados Unidos.
En la ciudad, la sintonía hip-hopera parece expandirse con sus rimas crudas aunque la mitad de la población los desconozca. El movimiento crece, entonces, de la mano de los bailarines de break dance, algunos djs que se especializan en el “scratch”, los Maestros de Ceremonia –o los que rapean- que cada vez son más, y un fuerte auge de graffiteros de todos los estilos que se encargan de darle color a la ciudad, su lienzo preferido.

Poesía sin góndolas ni cajas registradoras

2011-07-12T09:27:00.000-07:00

La idea de crear un Almacén Literario nació en Neuquén e intentará ser un espacio en el que confluya la historia de vida y las obras de cada escritor de la provincia. La iniciativa surgió de “la necesidad de trazar redes” entre los artistas de cada lugar, contó uno de sus creadores, el poeta Tomás Watkins. En diálogo con Agencia NAN, adelantó detalles de la nueva bitácora.

Por Mía Wallace (o sea eu)
Fotografía gentileza de María Isabel Sánchez

Neuquén, junio 22 (Agencia NAN - 2011).- “Yo soy un escritor patagónico, pero ante todo soy un escritor gordo”, afirmará Tomás Watkins y esbozará millones de analogías, que sin ser poéticas, las convertirá en poéticas. El también es uno de los creadores de este proyecto audiovisual que fue becado por el Fondo Nacional de las Artes donde pretende reunir en una especie de “almacén” –o biblioteca digital con documentales – la vida y obra de los escritores más representativos de Neuquén.

Watkins trazó el plan junto a su par Cristian Carrasco. La iniciativa se basa en la necesidad de trazar puentes y coordenadas históricas de los poetas de cada ciudad. Además, se configura como una parte más de la relación que el creador tiene con la poesía: de por vida y a turno completo.

La militancia con la palabra del joven escritor neuquino es silenciosa pero contundente: sin ser un juglar mediático, su hoja de vida demuestra un gran recorrido literario. Con 33 años ya publicó su primer libro, 26, con las editoriales independientes Libros Celebraos y El Suri Porfiado, que recibió el primer premio de Poesía en la Universidad Nacional del Comahue. Además, el escritor participó de varias antologías entre las que se destacan Desorbitados. Novísimos poetas del sur de la Argentina, publicada por el Fondo Nacional de las Artes; Si Hamlet duda le daremos muerte, publicada en La Plata por Ediciones de La Talita Dorada y Aires contemporáneos. Asimismo, representó a Neuquén en la Feria del Libro que se realiza todos los años en Buenos Aires e integró Celebriedades, un grupo que fusiona poesía y música y con el que viajó por toda la Patagonia y Chile.

--¿Cómo surgió el proyecto del Almacén Literario?
--Nació a partir de una charla donde veíamos la necesidad de trazar redes entre los escritores de cada una de las provincias. En principio, se busca armar un espacio inédito en Neuquén para dar a conocer a los escritores residentes en la provincia. La idea se completa con la instauración del producto como un espacio de consulta permanente para la comunidad educativa y la sociedad entera en donde puedan encontrar vida y obra de los escritores neuquinos o residentes en la provincia, nacidos acá o porque hace tiempo que se instalaron, por motivos absolutamente diversos. El primer tramo es la filmación de 7 documentales con los primeros siete artistas seleccionados que son Miguel Ángel Sabatini de Cutral Co, Héctor Ordóñez de Andacollo, Mariano Villegas de Villa La Angostura, María Cristina Venturini de San Martín de los Andes, Raúl Mansilla de Neuquén capital, Eduardo Palma Moreno de Neuquén capital y Macky Corbalán también de la capital.

--¿Será un lugar virtual al que se podrá acceder libremente a la lectura de los escritores de la provincia?
--Exactamente. La idea fue plantear una analogía con el término almacén, como alacena o bien como esos viejos locales que se ven por los pueblos del interior. De hecho, su diseño, cuando se haga la presentación virtual, será como un almacén que dispondrá de los autores a simple vista como parte de la interfaz. Los documentales, que estarán a cargo del grupo Frame, durarán aproximadamente una hora y se filmará por un lado la entrevista al autor, y por otro se lo o la filmará leyendo sus textos. De un pelotón de 30 escritores iniciales seleccionamos siete para empezar porque intentamos mediar entre capital e interior. Fue difícil la elección porque, por suerte, tenemos grandes escritores en Neuquén. Algunos con mucha trayectoria y otros con mucha proyección. Corbalán me parece una de las mejores escritoras de la provincia, y Palma Moreno resulta uno de los más singulares dado que, junto con Sergio Sarachu (un escritor que entrará en la próxima tanda), recorrió la Patagonia en un Torino para trazar una red de corresponsalía para la revista Coirón, una de las primeras en la historia literaria de nuestra región.

--¿Hay una identidad en común entre los escritores seleccionados? ¿Cómo juega “lo patagónico” en esta selección?
--Hay muchas tradiciones, incluso hay distintas formas de encarar “lo patagónico”. Se ha intentado construir una tradición que de algún modo cierre filas y transmita ideas sobre la “unívoca” identidad patagónica. Pero los rótulos constriñen y terminan generando lo mismo de lo que intentan despegarse. Personalmente no estoy de acuerdo con esos corsés. Porque incluyas referencias de color local o porque tu obra opere sobre realidades de la región, no vas a tener más consideración que otros escritores. Debería ser que lo bueno se note, simplemente, sin que importe de qué se hable ni en dónde fue escrito. Hay muchos malos escritores prestigiosos en el medio precisamente por este corrimiento, por esta necia y establecida forma de interpretar la literatura regional. Si una obra es buena, ¿qué importa dónde fue elaborada o sobre cuáles tópicos trabaja? Finalmente, creo que en este sentido nos falta madurar culturalmente para poder despegarnos de las imposiciones regionalistas. A lo mejor también hay un contraste grande entre las generaciones de poetas porque nosotros vivimos en una Patagonia urbana cuando en realidad la Patagonia “for export” es más que nada una Patagonia árida, estéril con llanuras largas, un terreno hostil que impide la comunicación entre una persona y otra, entre los artistas. Así es como se la intenta vender, o bien como un sitio paradisíaco y caro con dinosaurios, petróleo, rally y vinos exóticos. Yo soy escritor patagónico porque escribo desde La Patagonia no sobre la Patagonia (aunque lo haga). Yo soy un escritor patagónico, pero ante todo soy un escritor gordo. Esto es lo que en realidad me da el perfil (más risas).

--¿Existe una disputa entre escritores del interior y de los Buenos Aires?
--Yo no tengo ningún problema directo en la actualidad con los porteños, digamos. A los 22 empecé a viajar y pude ver que entre algunos escritores patagónicos más grandes sí existía el recelo contra la capital del país y sobre todo contra el corredor “Buenos Aires – Rosario – Córdoba” como emblema de la centralización y el recorte. Pude ver, también, casos de alzas de banderas antiporteñas pero encarados de forma enclenque: o bien para disputar migajas o bien enarboladas por escritores mediocres. Si bien lo que no pasa por Buenos Aires es difícil que se masifique, si falta calidad en una obra no siempre será tenida en cuenta. No importa el origen de la obra mediocre, valga decir. Pero esto nos lleva a una discusión sin fin que es ¿qué es bueno y qué malo? Porque entra la cuestión del gusto, que es personal y arbitrario. Yo publiqué en Buenos Aires, en la editorial El Suri Porfiado. Paradigma de lo ridículo de las fronteras: la editorial es porteña, la lleva adelante el salteño Aldazábal y su catálogo es nítido ejemplo de la descentralización y el federalismo. Bueno, me queda por decir que hay “escuelas” literarias porteñas cuyos estilos escriturarios no me gustan en absoluto.

--Por último, ¿qué es la poesía para vos y cuáles son tus escritores fundamentales?
--Para mí la poesía es algo que está más allá del poema. Pero más acá, teniendo en cuenta la dimensión textual, recuerdo que siempre discutíamos con Carlos Blasco (poeta de Cutral Có con el que compartimos Celebriedades) porque él decía que no puede haber un buen poeta que no escriba buena poesía y yo le decía que puede haber poesía en otros lados, o bien sujetos que pueden leerse en clave poética y que no sean poetas; se pueden encontrar poemas (más precisamente, sintagmas poéticos) en lugares atípicos, o encontrar frases con algunas figuras en prospectos médicos, por ejemplo. La poesía no es voluntaria. Para mí, es algo tan cotidiano que no podría describirlo tanto. Escribir para mí es adictivo aún cuando estás en un mal terreno: cuando la autocomprensión duele mientras y después. Es una especie de carga, una enfermedad, un problema irresuelto, un problema cotidiano: no puedo dejar de escribir.

*Tomás Watkins participará del IV Encuentro Nacional Itinerante de Escritores que se realizará en Neuquén y Cipolletti entre los días 7 y el 9 de octubre.
Para leerlo: www.proyectobibliotecapatagonica.blogspot.com/2009/02/watkins-tomas.html

Alex Heduvan: “Busco que lo que digo duela tanto como le duele a la gente que lo sufre”.-

2011-05-30T00:42:00.000-07:00

El músico se enamoró de las rimas en su primera adolescencia e integró una banda con amigos de su barrio, en el Oeste neuquino. Tras andar en conjunto, se animó a caminar solo y está a punto de lanzar su primer disco. En diálogo con Agencia NAN, asegura que el arte le ayudó a entender la áspera realidad que lo envolvió desde su nacimiento: “Todo eso que mamé lo terminé escribiendo. El rap es mi habla y todo lo que no puedo decir hablando lo digo rapeando”.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza de Magdalena Azcazuri

“Rapeo alto, porque en el largo camino del hip hop,
yo encontré el atajo,por eso viajo, encajo donde sea,
donde todo escasea,donde veas lo que veas,
no va a ser lo que vos quieras”
San Lorenzo City

Neuquén, mayo 27 (Agencia NAN – 2011).- El rap y las rimas de los “chicos bravos” está pasando por un buen momento en toda América Latina. En los ‘90, 30 años después de su nacimiento en Estados Unidos, la movida desbordó las fronteras y se hizo fuerte en los trópicos. Lejos de allí, donde las pieles sudan, el sur alzó su voz y, parece, tiene mucho para decir. En Neuquén, uno de los principales referentes del rap es Alex Heduvan, un jugador distinto que llega con todo el agite del Oeste de la ciudad patagónica, uno de sus barrios más pobre y marginal. Hasta hace poco, Alex formaba parte de “San Lorenzo City”, grupo que compartió con el Negro Miguel, uno de los precursores del ritmo que aúna a varios raperos, otros tantos graffiteros, bailarines y algunos djs locales que se dedican al scratch o al mash-up. Aunque cada vez más fuerte, el rap neuquino es desconocido para la mitad de habitantes. En diálogo con Agencia NAN, Heduvan abre las puertas de ese mundo y adelanta lo que será su primer disco solista.

--¿Por qué empezaste a hacer rap y no, por ejemplo, cumbia, que es lo que más se escucha en tu barrio?
--A mí la cumbia no me gusta. Considero que, en vez de construir, destruye bastante la imagen de ellos mismos y de las mujeres. Si bien al igual que la cumbia, el rap viene de los barrios periféricos, es muy diferente. Hace un par de años, en 2004, nos juntábamos con un grupo de amigos en una casa, prendíamos un equipito con unas bases y grabábamos nuestras rimas en un cassette. Yo tenía 13 años en ese entonces y mis referentes eran el Negro y Joper. Ellos me incentivaron a escribir. De la junta de nosotros tres y un chico más, Isaías, salió San Lorenzo City, algo que nos agrupaba. El Negro era el mejor porque escribía canciones sobre las cosas que veía en las calles. A mí me encantaba. Los cuatro somos MC, maestros de ceremonia. Es decir, los que vamos al frente. El movimiento hip-hopero abarca también a bailarines, a los djs y a los graffiteros.

--¿Se puede hablar de la existencia de un movimiento hip-hopero en Neuquén?
--Sí, y en este último tiempo creció mucho. Los bailarines se juntan en el Parque Central, que fue un lugar del que empezamos a apropiarnos en 2005. Era la antigua pista de tango. El comienzo, no obstante, fue en la Municipalidad, de donde la Policía nos fue corriendo por bailar, rapear, vestirnos con pantalones anchos… Nos miraban raro, como diciendo ‘¿Y éste de dónde salió?’. Ahora, además de los que se juntan a bailar en el Parque, nosotros nos juntamos a cantar en recitales de dub, de reggae, en los sound systems cuando los djs ponen bases de rap, de hip hop.

--San Lorenzo City quedó atrás y ahora empieza el camino solista, con su primer disco. ¿Qué trae de nuevo?
--El disco va a tener entre 15 y 16 temas, de los que ya llevo 12 terminados. El proceso de grabación empezó en enero y ahora estamos ensayando con banda y con bases para poder salir a tocar solo o acompañado y las letras las rescaté de cómo 12 cuadernos que tenía llenos de cosas escritas. Para grabar, invité a varios artistas amigos: Joper, uno de los raperos que me formó; Noelia Pucci, que es una grosa y con ella cantamos un tema para (el docente asesinado durante una manifestación por la policía neuquina, Carlos) Fuentealba; con el Chakal de La Estafa Dub que, además, es el que está grabando mi disco en sus estudios La Toma; con el Tano Bongiovanni en saxos; con Gise Vega de Sinsemina; Pichuki, un chico del barrio; son muchos. Todos, alguna vez, me invitaron a tocar en sus discos o en sus recitales. Ahora yo los estoy buscando para que participen del mio. El disco tiene nombre, pero prefiero no decirlo por si cambio de idea. Quiero presentarlo en todos lados, tengo el presentimiento que va a salir todo bien.

--¿De qué hablan las canciones?
--En mis letras agradezco a todos los que me ayudaron con el disco, en su difusión, así que les canto a algunos programas de televisión, radios, a músicos. Pero, sobre todo, mis letras hablan de discriminación, represión y muertes, del fin de la tierra, de la globalización. Hablo de lo que sucede en el oeste, donde vive mucha gente que nunca salió de su barrio y se quedó allá, pero no se vive muy bien que digamos. El rap siempre está relacionado a la crítica, Tupac, Public Enema (ambos referentes del rap estadounidense), todos cantaban por la desigualdad de los derechos de los pueblos negros. Siempre me fijo de contar lo que no sale en la tele, en la radio y contarlo de una manera que le llegue a la gente. Busco que lo que digo duela tanto como le duele a la gente que sufre en el oeste y en todo el mundo. A nuestro barrio, el San Lorenzo, no lo conoce nadie. No muchos de los que viven en el Este de la ciudad pasan por ahí. Pero tampoco sé si todos los del Oeste ve eso como lo veo yo. La mayoría vive mal, con un sueldo de mierda que les da un político por seguirlo y votarlo y vivir en malas condiciones. Es como que si sos pobre te acostumbran a seguir siéndolo. Yo por ejemplo, a principios del 2000 no tenía ni un equipito de música y escuchaba música por los canales de cable, del que nos colgábamos en casa. Mi vieja cobraba un plan trabajar de 150 pesos y nos mantenía a 4 hijos. Por eso ya no soy tan materialista. Pero todo eso que mamé lo terminé escribiendo. El rap me ayudó en banda de cosas. El rap es mi habla y todo lo que no puedo decir hablando lo digo rapeando.

--¿Cómo es el recibimiento de la gente?
--Siempre me encuentro en situaciones insólitas donde comento que tengo una banda y la gente me dice que me escuchó y que les gusta. Ese reconocimiento es lo que me hace seguir escribiendo, seguir adelante. Una vez estaba rapeando en la Avenida Argentina mientras otros bailaban y cuando nos estábamos yendo apareció una abuelita, con una gaseosa en la mano, y me agarró de la remera. No me soltaba ni un segundo y me decía ‘chicos los felicito, ustedes dicen lo que nadie se anima a decir’; nos daba besos emocionada. Que una abuela que probablemente nunca haya escuchado rap me diga eso, me volvió loco. Eso es lo que me hace seguir escribiendo y pensar en el futuro, porque mis canciones se tienen que seguir escuchando.

--Por último, ¿qué bandas del valle te gustan?
--Yo soy mi fan número 1, me escucho todo el tiempo y hago la música que me gusta a mí. Dentro del estilo acá no tengo referentes, pero me gustaba Sinsemina y me gusta La Estafa Dub. Me gustaría llenar una mochila de discos y partir por el mundo. También tengo una banda de rap metal que se llama Cuchillos y, junto con la Fundación del Banco provincia del Neuquén estamos armando un proyecto que se llama “Graffiteando un futuro”. Estamos planeando traer a 10 o 20 graffiteros para embellecer las calles. Porque el graffitti también es parte de la movida hip hopera.

http://www.myspace.com/slcity
http://www.youtube.com/watch?v=9P1KdDd0CQM

"Los políticos son reformistas, pero en el fondo se adaptan al capitalismo"

2011-05-27T19:29:00.000-07:00

Poeta, narrador y editor de una cooperativa de libros conformada por cartoneros, Santiago Vega, más conocido como Washington Cucurto, se refirió a los múltiples personajes que hablan en sus obras.

Por GUILLERMINA WATKINS

Neuquén, Mayo 26 de 2011. (La Mañana de Neuquén) Santiago Vega y Washigton Cucurto son las dos caras de un mismo personaje. Autor y personaje de sus obras, uno se muestra reacio, serio y tranquilo en el marco del Segundo Encuentro "Literatura y Escuela" que se desarrolló días atrás en la biblioteca central de la Universidad Nacional del Comahue, mientras que el otro intenta eludir las preguntas más serias.

Cucurto es poeta, narrador, a veces periodista, y sobre todas las cosas, editor de Eloisa Cartonera, una cooperativa conformada por diez personas en la que trabajan cartoneros que le dan vida al packaging de los libros. Así, no sólo se socializa la cultura a precios populares, sino que también se genera trabajo para aquellos que viven del reciclaje del cartón.

También es el creador del denominado “realismo atolondrado”, una etiqueta que él mismo inventó, para hablar de una realidad de la que la literatura de los últimos veinte años no lo había hecho. Lo que nadie creía poético, él lo hace poético; lo que nadie creía narrable, él lo convierte en narrable y por eso ha sido blanco de varios escritores y académicos. Cucurto, un poco como Roberto Fontanarrosa, Fogwill y Roberto Arlt –de los que declara ser un gran lector- viene a mostrar la hilacha de una sociedad que quedó fuertemente dividida hacia finales de los años 90, donde el suburbio ya no estaba alejado de las narices del centro, sino que también debían convivir en el mismo radio.

En diálogo con La Mañana de Neuquén, Cucurto reflexionó sobre la academia, el lenguaje, la política y hasta dio consejos a los jóvenes estudiantes de Letras.

Resulta llamativa su participación en un encuentro de literatura organizado por la carrera de Letras de la Universidad Nacional del Comahue, teniendo en cuenta que generalmente las críticas hacia su literatura provienen de escritores de corte “academicista”.
No sólo me critican los de la academia sino también me difunden como en el caso de la Facultad de Humanidades, acá en Neuquén. Por más que mi escuela estuvo en la calle y no en las grandes aulas, me gusta que me inviten a todos lados. Últimamente me elogian más desde los ámbitos académicos que en otros lados. Tampoco puedo pretender que todos me quieran.

¿Qué recuerdos tiene de aquella primera escuela o de las instituciones académicas?
En realidad no tengo grandes recuerdos, más allá de anécdotas con compañeros y docentes porque si bien nunca tuvo una importancia en mi formación total, tampoco puedo negarla porque sino yo no hubiese aprendido a escribir, a leer y a sumar, por ejemplo. Pero los lugares de formación más importantes fueron la calle, mi papá, mi primer trabajo en Carrefour, los amigos con los que me juntaba a tomar cerveza en la esquina del barrio, entre otras cosas.

¿Qué es el Realismo Atolondrado y a quién incorporarías dentro de ese “movimiento”?
Es una forma de escribir. Yo me autoetiqueté para mostrar lo que hacía y jugar un poco con las caracterizaciones, con las etiquetas. Tiene que ver con el ritmo con el que escribo, esto de ir de manera atolondrada. Pero también porque invento los lugares, los paisajes, los personajes, exalto las características de personajes que ya existen como los inmigrantes latinoamericanos, la gente que se sube al tren, los que viven en Constitución. Así también inventé mi estilo de escritura y escribiendo voy creando un mundo cucurtiano. Dentro del Realismo Atolondrado incorporaría a Dalia Rosetti, aunque ella es más aventurera pero por suerte es rocambolesca como yo.

Muchas veces suelen compararte con Roberto Arlt, que no fue reconocido al principio y que tenía una impecable devoción por relatar las historias de los suburbios. ¿Qué cambió a nivel político que hoy esos lugares alejados son parte del paisaje céntrico?
Sí, ahora los suburbios también son barrios de la Capital que tuvieron muchos cambios a partir de los años 90. Después de Menem todo se mezcló porque la clase media se achicó y mucha gente tuvo que cerrar sus negocios, vender sus casas, todo se precarizó. Pero a la vez, desde los ojos de otros pueblos latinoamericanos, estabamos mejor, entonces todo se modificó con la inmigración de países limítrofes en su mayoría dominicanos, bolivianos, peruanos, paraguayos y que acentuaron en esos barrios las diferencias sociales. Mis libros hablan del espíritu actual de esos lugares ya que tuve contacto con ellos. Porque además, al ser de Quilmes, siempre tomé el tren Roca, y trato de hacer grotescos a esos personajes que ya son grotescos.

Pero también describís la universidad, cuando hablas de un personaje de “El Curandero del amor” a la que llamas “La ticky mega trola ultracumbiera” que va a la Facultad de Filosofía y Letras.
Es un personaje que no vive en el centro pero que va a la “ciudad” y pertenece al ámbito de la universidad, de los estudios, de la militancia estudiantil. Pero a la vez ella va a las bailantas, es una mezcla entre lo popular y lo académico. Es todo un mundo que se desata postnoventa y sigue creciendo con el kirchnerismo.

Hablando del kirchnerismo, te declarás “peronista de raza” pero a la vez dijiste en una novela que Néstor Kirchner era “pseudo-peronista”. Hoy, muerto Néstor y con una fuerte presencia política de Cristina, ¿seguís sosteniendo lo mismo?
Es mi personaje el que habla, que es un personaje bastante exagerado y gritón, muy exclamativo, y creo que dentro de su voz él piensa eso. Pero yo pienso casi lo mismo que mi personaje porque creo que todos los políticos son más o menos lo mismo, que ninguno propone ninguna novedad y que todos son responsables de este sistema en el que vivimos. Son todos reformistas en el fondo y se adaptan a los sistemas capitalistas. De todos modos, antes yo no quería a Néstor Kirchner pero cuando las cosas se están haciendo bien, uno tiene la obligación de apoyar. A Cristina la voto seguro.

¿Cuál es el sistema ideal para Cucurto, el reformismo o la revolución?
No sé si hay un sistema ideal, pero las cosas tienen que hacerse con amor, sin interés, sin alianzas económicas.

Volviendo al tema de la literatura, ¿existen palabras poéticas en sí mismas?
Para mi no hay palabras poéticas y palabras que no. Las palabras son palabras y hay que darle el valor que tienen, no asustarse o creer que son inocentes o culpables, algo que es tradicionalmente romántico puede usarse como los insultos; a mí me gusta usarlas a todas. El lenguaje es prácticamente eso: una representación y hay que darles ese uso.

¿Cómo surgió la idea de combinar arte con literatura y trabajo para cartoneros?
Fueron los años en que empezaron a aflorar los cartoneros y bueno, nos reunimos con artistas plásticos y así encontramos la forma de publicar literatura nuestra y de escritores conocidos de una manera económica y que llegará a todos. Después armamos la cooperativa. Hoy somos diez y todos cortamos cartones y hacemos lo que hacen todos. Es un microemprendimiento importante pero vive en una economía frágil y hay que pensarse en sostener el tiempo, en sobrevivir.

¿Qué les dirías a los estudiantes de Letras que quieren escribir pero no se animan ya sea por su formación crítica o por miedo?
Que está bien ser crítico pero también se puede leer un texto por placer. A veces, más que la belleza de las palabras lo que está bueno es lo que se comunica. Yo creo que la comunicación es lo más lindo porque te acerca a los demás, y a veces los escritores se olvidan un poco de eso porque quieren escribir la gran obra o pulir demasiado su lenguaje y pierden la capacidad de comunicarse, la improvisación. Fontanarrosa es un ejemplo de cómo un escritor puede comunicarse con humor, con parodia, con malas palabras y tenía todos los condimentos de un literato. Osvaldo Soriano, Roberto Arlt y Enrique Fogwill, también. Aunque Fontanarrosa es el que más me gusta. Y el que menos me gusta es Jorge Luis Borges, claro.

“Neuquén no para 2” vibró con Julieta Venegas en el Espacio Duam

2011-05-26T19:36:00.000-07:00

La cantante mexicana deleitó al público durante más de una hora. Antes, el humorista Hugo Varela y artistas regionales sirvieron de teloneros de un multitudinario espectáculo organizado por la provincia.

Por Guillermina Watkins
Fotografía de Omar Novoa

Mayo, 25 de 2011. (La Mañana de Neuquén) En el marco de los festejos del 25 de Mayo organizados por el gobierno provincial, Neuquén no paró. El festival multitudinario, denominado “Neuquén no para 2, contó con la presencia de la cantante mexicana Julieta Venegas, el humorista cordobés Hugo Varela y la cantautora porteña Ana Naón, quienes fueron acompañados de la gran devoción y alegría de los neuquinos. Estuvieron presentes el gobernador Jorge Sapag, la vicegobernadora Ana Pechen, varios funcionarios del gobierno y la histórica Marité Berbel.

La jornada comenzó temprano, ante un inminente calor otoñal que obligó a los presentes a andar de manga corta, de la mano de Mekoroke un quinteto de Merlo que hizo sonar tambores africanos y cautivó con la danza afro de una bailarina. Luego estuvo Ana Naón, acompañada por la banda de la escuela de música Sonar de la ciudad, que tocó su repertorio de tangos y rancheras con versiones de Eladia Blázquez y temas propios.

El cierre tan esperado
A las cinco de la tarde se subió al escenario Hugo Varela, el humorista cordobés que hace del doble sentido su bandera. Vestido como una de las figuras de relevancia de aquellas épocas coloniales como fueron los gauchos, Varela tocó chacareras, chamamés y algún que otro tango, siempre acompañado de sus rimas improvisadas que causaron risas en todo el público. El secretario de la Gestión Pública y Contrataciones del Estado, Rodolfo Laffitte, fue uno de los más atentos a las ocurrencias del cordobés que presentó instrumentos nuevos; el más destacado fue una guitarra hecha con una sartén.
Cerca de las seis de la tarde y con el escenario a cielo descubierto repleto, se subió a tocar la mexicana Julieta Venegas. Vestida sobriamente pero con un poncho bien al estilo mexicano, y acompañada por una banda compuesta por seis músicos, deleitó al público durante un poco más de una hora de show ininterrumpido.
Venegas, ganadora de cinco Grammy Latinos y un Grammy y convertida en una de las estrellas más premiadas y reconocida en los últimos tiempos en el continente Latinoamericano, se mostró contenta, desenvuelta en el escenario y no paró de saludar y sonreír al público neuquino. “Estoy feliz por ser la primera vez en Neuquén. Vamos a seguir tocando para calentar un poco este día tan lindo”, agregó la artista mientras se acomodaba su abrigado poncho en el segundo tema.
Con un despliegue de instrumentos como el acordeón, la flauta traversa, el clarinete, la mandolina, el charango, y los clásicos bajo, guitarra, batería, piano eléctrico y sintetizadores, la lista contó de 19 temas entre los que se destacan los clásicos “Limón y sal”, “Algo está cambiando”, “Me voy”, “Eres para mí” y “Presente”. Además, la banda sorprendió con una hermosa versión de “Sin Documentos” de Los Rodríguez, primera banda de Andrés Calamaro.
La noche empezaba a caer y el fresco se hizo presente. Julieta Venegas concluyó el show ni bien cumplida la hora pero el público compuesto por niños, adolescentes y grandes no se hizo esperar y al pedido unísono de un bis - en el que los funcionarios provinciales se sumaron sin pensarlo - salió al escenario para hacer dos temas más. “Contenta por conocer sus bellísimas tierras patagónicas y sus bellísimos rostros. Pero esto no es una despedida, es un hasta pronto”, cerró la mexicana. Los neuquinos, más que contentos.

Una ciudad con múltiples barreras para discapacitados

2011-05-23T07:21:00.000-07:00

Neuquén posee muchos obstáculos que dificultan la accesibilidad de las personas con movilidad reducida. Las veredas rotas y la falta de rampas o baños acondicionados es frecuente.

Imagínese intentando caminar por la ciudad con los ojos vendados o en una silla de ruedas; pídale –en caso que no sea su caso- un cochecito de bebé a una amiga/o; piénsese a los ochenta años caminando por el centro de la ciudad, intentando ir a un banco, a un edificio público, a un comercio o restaurante. Todos los casos, bien distintos entre sí, le arrojarán una respuesta única: imposible.
Neuquén, como tantas otras ciudades del país, posee demasiadas barreras arquitectónicas y edilicias que dificultan la accesibilidad de las personas con movilidad reducida. Pero el peor enemigo del discapacitado, además de los escalones, la falta de barandas y las veredas rotas, es la inconsciencia social; es decir, la persona egoísta que estaciona ante las rampas en las esquinas, el que no respeta las divisiones en la acera, el que construye un edificio sin seguir la ordenanza municipal que obliga a colocar una rampa, el que no arregla sus veredas y el que no coloca un baño para discapacitados o las escaleras públicas como debería.

Veredas que hablan
En un recorrido por el centro de la ciudad, que de a poco se va modernizando, el relevamiento dio los siguientes datos: el mal estado de las veredas se compone de baldosas rotas, flojas, desniveles exagerados, rampas de las esquinas deterioradas (y algunas al punto que dejaron de existir como tal), mal señalizadas y construidas más altas de lo que deberían según la Ley Nacional 24.314 y la Ley Provincial 2.123.
“Con las calles así no podés improvisar un recorrido. No podés levantarte una mañana y decir ´voy al centro´ porque lo más probable es que no llegués a hacer nada de lo que querías, o porque las veredas están imposibles o porque no hay rampas en todas las esquinas, o porque si están rotas no podés subirlas solo”, comenta Manuel Encina, de 33 años, discapacitado motriz hace más de 28 años.
“No poder” se convierte en la frase más usada por él y tantos otros que están en la misma situación cuando deciden mezclarse con los que sí pueden caminar. “Si quiero ir a un bar tengo que ver si puedo subir la silla de rueda, si tienen baño para discapacitados. Si voy a comprarme ropa no puedo entrar a los lugares y si ando mucho por la calle como están las baldosas me termina doliendo la cabeza y el cuerpo de tanto salto”, continúa Manuel.
Así, las zonas de los bancos terminan convirtiéndose en una especie de laberinto para las personas con movilidad reducida. Hay datos más llamativos: cuando se cruza la ruta, del lado de J.J. Lastra y la Avenida Olascoaga, no hay rampa para subir. Es decir que aquella persona que va en silla de ruedas o traslada un carrito de bebé no puede acceder inmediatamente a la vereda, quedando expuesta a la cantidad de autos que permanentemente doblan y cruzan por allí.
Las farmacias, algunos bancos privados, cajeros automáticos, teléfonos públicos, algunas escuelas, edificios públicos que no han sido reformados, entre otros, se suman a la larga lista negra que imposibilita el libre acceso.
Como si fuera poco, entrar a algunos museos de la ciudad es imposible. El actual Museo Nacional de Bellas Artes tiene un piso de piedras que dificulta la entrada de la silla de ruedas. No es el caso de la plaza seca en la zona de las vías, “ése sería el lugar ideal para nosotros. Ojalá la ciudad tuviese más terrenos tan planos, tan horizontales”, o los nuevos edificios de la Legislatura, la Municipalidad y los bancos nacionales y provinciales que sí permiten el libre acceso.

Políticas públicas
Según el defensor del Pueblo, Juan José Dutto, “la discapacidad –en términos generales- es un tema pendiente de solución, aún cuando las leyes nacionales, provinciales y locales establecen claramente que se debe promover la plena integración de este colectivo social”.
Por ejemplo, en 1981 fue promulgada la Ley 22.431 que establecía en su capítulo 4 la obligatoriedad de proyectar y construir edificios accesibles para personas que utilizan sillas de ruedas. Tres décadas después, numerosos edificios de uso público continúan siendo inaccesibles, y, salvo contadas excepciones, se siguen construyendo edificios a contramano de estas normas. De hecho, en la Defensoría hay varias denuncias de edificios particulares donde las rampas exceden la medida requerida.
Según Dutto, “la inaccesibilidad física llega a determinar la exclusión escolar, impide el acceso al trabajo, a la recreación, a los centros de salud y, en definitiva, conspira contra la autonomía de las personas con limitaciones de desplazamiento, sometiéndolas al aislamiento. La falta de equiparación de oportunidades se traduce, en la práctica, en exclusión, y la persona que no resulta integrada “vegeta” socialmente y esta situación deteriora su salud”.
Por su parte, la defensora adjunta del Pueblo, Graciela Bordieu, agrega que “desde la Defensoría hemos reclamado al municipio que controlara todo lo que contemplan las leyes y, cuando es una obra privada, le decimos que vayan y controlen. Un caso típico es en elecciones cuando los discapacitados no pueden ejercer su derecho de voto porque muchas de las escuelas no tienen rampa”.
Hay varios aspectos a tratar para lograr una ciudad accesible. “Europa tiene ciudades muy viejas que han hecho las modificaciones pertinentes para que un discapacitado pueda ir a museos, a eventos públicos, calles, festivales, etc. Neuquén también podría hacerlo”.
Hablar de discapacidad hoy no es lo mismo que en los años 50; mientras que antes se escondía a los discapacitados, hoy se discute la inclusión. Entonces, una ciudad accesible, habitable, no debiera ser imposible.

Otras trabas
El tema del transporte público es otro gran conflicto. En la actualidad el 10% de la flota de Indalo posee pisos bajos o rampas. Con la nueva licitación que acaba de ganar la empresa, se estima que sea un 60% el total según lo que anunció Ismael Infante, gerente de Marketing de Indalo. A eso habrá que sumarles los que van a Plottier que, por ser de larga distancia, incluyen espacios para los discapacitados.
Por otro lado, existiría un proyecto para armar una flota de taxis para discapacitados, pero las pólizas para discapacitados aún no habrían sido otorgadas.

Por una ciudad accesible
Además de las iniciativas de la Defensoría del Pueblo y los proyectos de Acción Social, o algunos puntos que determinados candidatos de las próximas elecciones han sumado a su pliego de propuestas, Manuel Encina, como representante de la ONG Acceso Ya en Neuquén, también tiene sus propuestas.
El 20 de marzo de este año, se organizó una 6º edición del Rallydad en Buenos Aires y el primero en la ciudad con la consigna de juntar firmas para proponer la promulgación de una ley que declare el 15 de marzo como el Día Nacional de la Accesibilidad para personas con capacidades reducidas, entre ellos los no videntes, discapacitados en sillas de ruedas, gente que usa bastones, canadienses y también obesos, ancianos y mujeres que acaban de parir, entre otros.
“La idea es plantear dentro de la discusión pública, política y social, el hecho de que hay millones de barreras arquitectónicas, urbanas y sociales. Nos sale un árbol enorme en el frente de la casa y a esa persona “normal” no le molesta, pero a personas que tenemos dificultades de movilidad, eso ya nos complica la vida. Entonces creemos que la accesibilidad comienza en cada uno porque cada uno hace más o menos accesible la vida del otro con su quehacer diario, con su actitud. Si vos llegás con tu auto y tapás una rampa le estás cortando la accesibilidad a otro”, señala Encina.
Asimismo, el 3 de diciembre se realizará una actividad denominada “Yo tapé una rampa” desde la ONG Acceso Ya, como forma de llamado de atención social, donde se teatralizará la situación de una persona que tapa con su auto una rampa y jugaremos a ver quién se pone de cada lado y cómo se actúa.
Manuel aclara que él es una persona en silla de ruedas bastante “kamikaze” ya que, a diferencia de otros chicos que han quedado en silla de ruedas tanto por accidente como por un problema genético como el suyo, no se animan a salir a la calle justamente por el estado de las veredas y la dificultad de acceder a determinados lugares.
“Mi idea es generar conciencia social en los jóvenes. Un político puede hacer una ley que genere cambios, pero si yo cambio la cabeza de la gente para que ayude a mantener rampas o mantener cuidadas sus veredas, eso perdurará más en el tiempo y hará la ciudad más habitable para todos”, concluye.

Discos: “Rock no es moda” (VidaFuego, 2011).-

2011-05-03T15:22:00.000-07:00

El primer disco del compositor neuquino es una bomba rompeportones: una mezcla de pizcas de punk, post punk, electrónica y manifiesto anarquista que shockea al oyente desde el primer estruendo.

Por Guillermina Watkins

Neuquén, mayo 2 (Agencia NAN-2011).- “Me gusta el faso, la paz en el mundo. Soy anarquista sí, artista, cada vez menos”, confiesa Stimpy Rokk. Su álter-ego musical es VidaFuego, un proyecto con el que gira desde hace más de tres años por las escenas neuquina y porteña. Con la llegada de su primer disco, no se sabe quién es más peligroso: si Stimpy o su otro yo que, como Frankestein, amenaza con sublevarse y convertirse en un fiel reflejo del punk rock más ácido, matizado con toques de hard rock, indie, house y pop, para evitar convertirse “en lo que la escena musical de Capital, alternativa y pintoresca, ordena”.

El disco es una bomba cuya combinación letal, una dosis de punk, post punk, electrónica y una pizca de discurso anarquista que dura 15 temas (dos de ellos están escondidos) delinea el manifiesto Stympeano. La obra completa está sostenida por samples de Sex Pistols, NOFX, Flema, Fun People, Iggy Pop; maestros a los que él agradece “por haberle marcado el camino”.

Letras poderosas, acordes rockeros, synthes y bases electrónicas suben, suben y siguen subiendo hasta atrapar al oyente que, después de la primera canción, no podrá dejar de escuchar el resto. Rock no es moda se convierte en un vicio. Lo que narra (o canta) es lo que todos dicen o al menos piensan: la juventud –y también la adultez- es un arma de denuncia ante la injusticia social.

Stimpy es el dealer de la bomba sonora que empieza con un manifiesto “Punkbeat” en contra del poder institucionalizado, tanto de la izquierda como de la derecha; promulga un “No Herir”, que desafía los valores católicos al insistir en “quemar una biblia para calentar al pobre, cuidar al niño para no herir al hombre”; rememora con un mix de “Metamorfosis Adolescente”, temazo de Flema y un himno de la adolescencia de principios de los noventa; invita a revelarse y recordar a los desaparecidos con “Auto-Stima del 77”; y también a la fiesta y al ocio con “Perder el tiempo”, “I,E,A”, “Celebración”, “Seguimos de..”, y otros.

De esta forma, Stimpy convierte su engrudo punk en eso, un mejunje donde también aparecen sus otros yo del pasado: canciones más “románticas” y guitarreras de su etapa de Suerte y algunos rockitos greenvegetarianrockandroll de su época de The Lucha Sin Armas, gran banda punk que fue soporte de Fun People en Cemento, entre otras.

Espiritualmente, Rock no es moda es el disco de un flaneur que pinta un mundo que no sólo perdió gravedad, sino también a su propio eje; un sistema donde a pesar de que las convenciones se derrumban, se trasviste en nuevas formas de dominación. Pero ese mundo también contiene a Stimpy -y deberíamos solicitar que sea “Un Stimpy, muchos Stimpys”- para erguirse con la voz en alto, la guitarra al frente, y nombrar los millones de motivos que existen para rebelarse. Como buenos anarquistas expropiadores, quizás escuchar esta bomba musical sólo sea el comienzo.

http://www.myspace.com/vidafuego
http://www.mediafire.com/?pc72ruw212j7764

Libros: "En la luz de la palabra" (Pablo Montaro, 2009).-

2011-04-11T20:15:00.000-07:00

La séptima obra del periodista, ensayista y poeta invita a recorrer los senderos de las palabras, iluminados de una encandilante luz, pero también encerados en la más siniestra oscuridad.

Por Guillermina Watkins

Buenos Aires, abril 11 (Agencia NAN-2011).- La relación entre luz y palabra pareciera haber sido signada por una reciprocidad histórica. Ya lo adelanta en el maravilloso prólogo de En la luz de la palabra el escritor Alberto Szpumberg, cuando cita la frase que Dios habría dicho al darle vida al mundo, al darle apertura al universo del lenguaje: “¡Que la luz sea!”. Y la luz fue y San Agustìn también se preguntó “en qué lengua habría resonado esa voz cuando aún no había lenguas (…)”.

Es esa relación de luz/palabra y también la de palabra/vida la que Pablo Montanaro, como poeta, pretende desandar. Su destino se convierte, ineludiblemente, en un ir y venir por el pasado y el presente de un yo poético que recuerda, añora y reconoce la oscuridad, pero elige un presente luminoso signado por la palabra consciente. Así, el recorrido que el autor propone en En la luz de la palabra conlleva una musicalidad del pasaje de la luz a la oscuridad, y la vuelta a la luz, de una forma natural.

La primera parte de la producción consta de 9 poemas entre los que se destacan Semejanzas, que se cuestiona el peso de la palabra en los contextos y pareciera asignarles un rol de “condimento” de la vida; y Cotidianas, en el que dos partes reflexionan sobre la luz del amor.

La segunda parte, Bajo el Crepúsculo, rodeada de luz por donde se la mire, es un pequeño segmento compuesto por 7 poemas que, como las mejores canciones, concentra la tensión lírica más fuerte del libro. Es en este momento donde la palabra se vuelve noche, recuerdo y transmuta en infinitas formas de nombrar el mundo.

De ésta, una sección donde el fuerte está basado en lo que se podría denominar la paliza previa a la tranquilidad, se destacan Verdades y Bajo la lámpara. Es decir, Montanaro nos acerca a las superficies para luego arrematar con nuevos destellos de luz. La duda, los porqués, el deseo, las palabras, el placer, la lucha contra el olvido, la verdad relativa, los supuestos filosóficos intocables; todo es cuestionado, repensado desde un sujeto que intenta observar las partes del todo.

El último tirón nos adentra a diferentes modos de ver la claridad como búsqueda de calma. Es en este momento cuando el poeta, ya más fuerte, encuentra la paz. Conmueve Últimos Soles, un poema al padre inconmensurable de la luz: el sol; enamora De profundis –poema que obtuvo el primer premio en la décima edición del certamen “Alhoja de Oro” de poesía de Sevilla, España (2002)- y corona En la luz de la palabra, poema homónimo y quizás englobador del espíritu total del libro.

Allí, el autor plantea: “En la luz de la palabra/ se contemplan rostros/ de infinita libertad. En ella anida la creencia del verbo/ el lugar en que aguarda la belleza/ donde el futuro será celebración.”

El poeta se eterniza en la palabra, encuentra el sentido de su uso y plantea un futuro esperanzador para quién sea consciente de su poder. La obra llega para renovar una relación que es histórica: a la vez que le da palabra al mundo, ilumina a esos conjuntos de letras para poder nombrar las cosas, desde el conocimiento de un poeta carnal y terrenal que rescata la lengua, la transforma y crea muchos mundos posibles.

La Estafa Dub en el Teatro Español.-

2011-03-22T20:13:00.000-07:00

De la unión de 11 músicos de diferentes estilos de la escena musical neuquina surgió esta nueva bomba del tiempo que, además de compartir escenario con The Wailers, Nonpalidece, Los Cafres, presentó su disco homónimo ante más de 500 personas en espacios más prestigiosos del valle.
Por Guillermina WatkinsFotografía gentileza de Gisela Chandia

Neuquén, marzo 22 (Agencia NAN-2011).- ¿Cuándo empieza un éxito? ¿Con el reconocimiento de la gente? ¿Cuándo el “producto” está bueno? ¿Con el esfuerzo carnal de quienes lo componen; o con uno de esos golpes de suerte que te toman desprevenido y te hacen dar cuenta del tamaño de las cosas? En el caso de La Estafa Dub, la banda de reggae y dub neuquino, parecen haberse conjugado todos los factores de una misma vez. Por eso, no es casualidad que a casi 3 años de su formación, el éxito se haya dado con una fórmula que a ellos pareciera funcionarles en todos los sentidos de manera natural.

Es así que en estos 11 artistas, la música funciona como algo corporal, instintivo, animal. Algo que Luis Ferri, Mariano González, Juan Fort, Héctor Navarro, Lisandro Parada, Gerardo Armada, Lucas Debenedetti, Christian Massei, Franco Salas, Víctor Barria, Álvaro Castro Rivas, Víctor Zuccoli y Amadeo Bonaiuto demuestran con su arte y que más allá de las estructuras musicales y las formas, no necesitan pensarlo tanto sino más bien sentirlo. Eso quedó demostrado el sábado durante el show de dos horas que brindaron en el Cine Teatro Español ante más de 500 personas.

Cuando las luces se apagaron, cerca de las diez de la noche, el teatro entero se colmó de expectativas. Es que La Estafa Dub se ha convertido en los últimos años en la revelación del valle, una big-band neuquina que en cada show ha ido sumando canciones a su repertorio y el público ha respondido de manera gratificante. Como con el lanzamiento de su disco homónimo en febrero pasado, una obra de arte de 13 temas y una versión de "Guachi Guara" de Chano Pozo y Dizzy Gillespie. Un disco que además es una súper producción artística y musical que hace viajar al oyente por varias texturas y paisajes sonoros, siempre en clave dub.

Así, la presentación del disco fue eso y mucho más. Además de los 14 temas incluidos en La Estafa, se sumaron otros 11 temas al repertorio que alternó momentos instrumentales climáticos, versiones de temas clásicos del reggae y no tanto, y sacudones de jolgorio y alegría entre un poco de ska y dub. En una primera parte, más tranquila que el cierre, sonaron varios temas del disco como "Gordo volvé", "Cotorras", "Pasan Días", "Canción para Rico", "Para que entiendas", "Esclavo" y "La Razón del Dub", además de un cover de Morphine y de Sly & Robbie con la participación de Alex de San Lorenzo City grupo de rap neuquino. A esa altura de la noche, el público pedía más, festejaba con fogosidad las rimas que Alex deslizaba sin pelos en la lengua sobre la realidad del oeste neuquino y mucho más.

Hasta que llegó el momento de "Sin Razones" uno de los temas de autoría propia más antiguos que logró que muchos se parasen delante de sus butacas y comenzaran a moverse con la onda y el ritmo del movimiento dubbero; pausado, cansino. Es en este tema donde, además de la parte rapera de Ras Lucas, sorprende la melódica y precisa voz de Juan Fort que va tomando protagonismo en esta nave multiinstrumental de vientos, cuerdas, percusión, y teclas.

¿Un momento clave? Después de Sin Razones y a una hora de comenzado el show, el aire en el Teatro Español se fue tornando más distendido. Se subió el Mono León a tocar "Para Frattini" con una guitarra criolla para fusionar dub con tango; continuó una versión de "Perhaps" para calentar los ánimos y también se sumó al escenario Fox Collona para hacer "Cuándo cuándo cuándo" de Osvaldo Farrés en versión instrumental con los vientos adelante. La noche siguió con más invitados; con de Nora Reves en flauta traversa para hacer una versión del "Manicero", un clásico cubano en el que se destacó la única mujer que estuvo en el escenario.

A casi dos horas de iniciado el show, era inminente que iba a terminar. Pero, ¿cómo cerrar algo que no parecía querer cerrarse ni para los músicos ni para el público? La mejor manera fue con una increíble versión de "Baby I love you" de los Ramones y la invitación a todos los músicos para hacer "Guachi Guara" –el tema de Gillezpie- en clave de una zapada general y llena de virtuosismo, alegría y guiños amistosos.

¿Qué más hubiese faltado? Casi nada, quizás un poco más de espacio para bailar, pero aún estando en uno de los teatros más prestigiosos del Alto Valle, dónde han tocado grupos nacionales e internacionales de renombre, no faltaron las Coronas con limón para quienes desearon sentirse como en casa de la mano de una de las mejores propuestas musicales de la región.

Discos: “Autopunch” (ERP, 2010).-

2011-03-07T20:08:00.000-08:00

No todo es olas y colas Reef en el sector costeño del país: así lo demuestra el Ejército Romántico de la Playa, banda de bañeros de Chapadmalal y Mar del Plata que acaba de lanzar un disco de rock insurrecto.

Por Guillermina Watkins

Buenos aires, marzo 7 (Agencia NAN-2011).- Hace unos años una película pretendió retratar la vida de los bañeros argentos como un estereotipo que resaltaba el impulso animal a primera hora, el deseo de fiesta, la playa y la arena sucun dum sucun dum en porciones iguales. Pero no todo es olas bonitas y colas Reef en el sector costeño de Argentina. Como contracara, el ERP (Ejército Romántico de la Playa), una banda de bañeros de Chapadmalal y Mar del Plata, aparece en la escena musical con un disco de trece temas que es un baldazo de buena onda, alegría, panderetas y guitarras rockeras y un sabor oscuro entre tanta algarabía de pieles que sudan en verano.

ERP es un rock de cualquier otro lugar. No se parece a las líneas musicales de Buenos Aires con su estilo tan rock nacional ni tampoco a las bases indie platenses porque proponen otros códigos. Si no piensen en la aparición un poco melódica, otro poco melancólica y de canción de autor que tuvo Loquero en esos tiempos donde el punk rock era más cuadrado. Así, y con un integrante que alguna vez formó parte de Loquero, justamente, la banda formada por Jorge Areta, Juan Pablo Taglioni y Matías Arano propone un cálido sonido rockero y electrónico con el sello de una poesía que recorrió, como todo ejército, grandes márgenes del país y pretende dar cuenta de eso en sus canciones.

Autopunch, el primer disco de la banda, es una poderosa mezcla de rock, de voces que con delay pretenden extenderse en el tiempo y espacio de una nota, poderosas letras de amor y de calles y pasajes recorridos, de placeres ocultos y de crítica a determinados estandartes occidentales como la Iglesia, el Estado y el estado, también, de las cosas.

Aparecen matices y estilos que hacen surfear al oyente por sonidos como DDT, Loquero y alguna reminiscencia babasónica. “Martina” abre el juego a la diversión, ya que es una canción de amor con guitarras surferas con mucha onda, como también sucede con “Carcas a Cheo”, con voces a capela y un bajo bien al frente que se va tornando en el momento más bailable del disco y que termina cuando empieza “E” o “Sur-F” dos temas erpianamente chill-out que hablan de un paisaje ventoso de mar, donde “el viento trae la respuesta a una pregunta vieja”.

En esa clave más introspectiva aparece un tema que por su título tranquilamente podría ser del Indio Solari, “Virgen delivery”, que es una súplica a la Santa Evita Montonera, diosa de los caídos en Cromañón, una virgen madre que en su vientre lleva “a los hijos descarriados de la Revolución Guerrillera, ruega por nosotros Rolling Stones, perdidos entre el humo de las bengalas y las marihuanas. Amén”. O la canción oscura con toques de post-punk que relata, básicamente, la historia de un personaje desamparado por sus propias instituciones “¿qué vas a esperar de la Constitución Nacional? O ¿qué vas a esperar de la Sociedad Rural?” y al que llaman rockero y subversivo.

Para cerrar, cuatro temas bien abstractos, bailables, oscuros, electrónicos, que quedan a disposición de un oyente activo que quiera sumergirse en las profundidades del Ejército pacífico de románticos playeros. Trece canciones que nos hablan en clave rock, pero de un rock de algún otro lugar.

Poemas perpetuados en la memoria política.-

2011-01-11T20:03:00.000-08:00

La editorial Los Detectives Salvajes publicó parte del contenido de la libreta roja de Joaquín Arreta, desaparecido durante la última dictadura militar y cuya obra fue rescatada como testamento de Néstor Kirchner.

Por Guillermina Watkins

Fotografía gentileza de Julián Axat

Buenos Aires, enero 11 (Agencia NAN-2011).- Suele decirse que las cosas empiezan a ser cuando alguien las ve (o las comenta) por primera vez. Y en casos extremos, de catástrofe o terrorismo de Estado, donde se pretende borrar rastros de lo anterior, las huellas siempre quedan; están latentes en la palabra y el recuerdo de los otros. Como el diario de Ana Frank, como el relato de Roberto Bolaño “Los detectives salvajes” (y nombre que Axat y Aiub se ponen al hombro para nombrar su proyecto), en el que un grupo de poetas surca las imposibilidades para encontrar los rastros de la poeta mexicana y desaparecida Cesárea Tinajero, o también la cantidad de papeles, rastros, objetos, huellas y palabras escritas no al azar de tantos poetas y escritores que fueron “chupados” por el último gobierno militar que, con el afán de “desaparecerlos de la faz de la tierra”, no pudo borrarlos del todo. Así también es el caso (y el proyecto) en el que por quinta vez, los editores se embarcaron para lanzar el quinto libro de la colección Los Detectives Salvajes, en mayo de 2010: sacar a la luz el libro de poemas de Joaquín Areta, que se mantuvieron vivos en una agenda roja que su mujer, la diputada por el Frente para la Victoria Adela Segarra, guardó por muchos años y que hoy sale a la luz con el nombre Siempre tu palabra cerca.

¿Quién es este juglar que aparece en la escena poética y política de 2010? Joaquín Areta nació en Corrientes en 1955 y perteneció a una generación de poetas militantes como Walsh, Urondo, Bustos, Gelman, pero con la diferencia de que Areta militó de muy joven, escribió joven, murió joven y, a diferencia del resto, a partir de 2005 recién se empezó a escuchar su nombre. ¿Por qué? Porque en ese año, el por entonces presidente Néstor Kirchner eligió un poema suyo para abrir la Feria del Libro Internacional y marcó su destino y el de Joaquín en una misma vez. La de él, porque el poema de Areta se convirtió en su testamento final y la de Areta, porque su lectura sirvió para resucitar una voz más de los que forman parte de la Argentina Secreta. Un acto de justicia poética que sirvió para que ambos quedaran perpetuados en la memoria política del país. Un poema que, además, es un posicionamiento político tajante y dice así:

Quisiera que me recuerden

sin llorar ni lamentarme
quisiera que me recuerden
por haber hecho caminos
por haber marcado un rumbo
porque emocioné su alma
porque se sintieron queridos, protegidos y ayudados
porque interpreté sus ansias
porque canalicé su amor.

Quisiera que me recuerden
junto a la risa de los felices,
la seguridad de los justos,
el sufrimiento de los humildes.
Quisiera que me recuerden
con piedad por mis errores,
con comprensión por mis debilidades,
con cariño por mis virtudes,
si no es así, prefiero el olvido,
que será el más duro castigo
por no cumplir mi deber de hombre.

Un poema y a la vez un presagio. Un poema que reunió a dos personas de una misma generación y un material que por primera vez se hizo público gracias al andar detectivesco de Axat y Aiub. La libreta roja de 31 poemas fue el legado que Joaquín le dejó a su mujer y una de las pocas cosas que ella agarró la noche que escapó con su pequeño hijo en brazos. Esa libreta, además de ser un libro de poesía en potencia, fue el único recuerdo de Joaquín y el espacio-momento de reencuentro y reflexión entre la familia que quedó con Adela y su pequeño hijo Jorge Areta, poeta, músico y guardavida. “Yo siempre tuve la libreta. Dio vueltas por todo el mundo con nosotros, la fuimos fotocopiando e incluso la perdí y la volví a encontrar. Pero siempre circuló por el ámbito privado hasta que Julián Axat insistió y nos motivó a mí y a mi hijo a hacerlo, a publicarlo”, recordó Segarra en diálogo con Agencia NAN.

Siempre tu palabra cerca es, también, una herramienta contra el olvido, un libro de época donde se habla del amor, la lucha, la coyuntura de los sesenta/setenta, el amor, el compromiso, los compañeros y el rol como militantes. Un testimonio de la palabra viva que sale a la luz en momentos donde algunas heridas parecen querer madurar, para recordar a los que ya no están, a los que lucharon y a los que siguen luchando. Para intentar, aunque no estén presentes físicamente, despertar las mentes, siempre con la palabra cerca.

-- ¿Qué puede contar de los poemas y cuál es el sentimiento al darlos a conocer?

-- Son un puñado de poemas, alrededor de 30, y también hay algunas cartas en la libreta que no se incluyeron. Todos tienen que ver con temas de la época: el amor, la guerra, la lucha, la coyuntura de ese momento, el compromiso, el rol como militantes. Yo creo que esto tiene que ver con salir de lo privado a lo público y que desde 2003 hasta ahora hay una política de Estado de la memoria, la justicia y la verdad, para que se reivindique la historia, porque hasta hace poco éramos víctimas de la teoría de los dos demonios y ahora se dieron las condiciones de una reivindicación. Y así se nos dio el empujón para mostrar el material. Sentimos que en este momento lo podemos hacer público porque en algunas cuestiones habremos madurado, pero maduró nuestra historia en este proyecto también. Tengo esa sensación y mi hijo la comparte con otras características, la reivindicación de Joaquín y de otros amigos de la familia desaparecidos.

-- ¿Cómo es la historia del poema “Quisiera que me recuerden” y cómo llegó a manos de Néstor Kirchner?

-- Joaquín escribió ese poema en 1978, poquito antes de desaparecer el 29 de junio, unos días después del Mundial de Fútbol. Él siempre escribía y tenía una libretita en la que iba escribiendo esas últimas poesías. Y la noche que desapareció yo alcancé a agarrarla aunque no había leído todavía esos poemas. Desde ese día hasta el año pasado que los editamos, la libretita fue mi encuentro intimo con Joaquín. Respecto a cómo le llegó a Néstor Kirchner, la verdad fue una casualidad. El eligió un poema del libro La palabra viva, que reúne poemas de desaparecidos y ex militantes, y justo eligió el de Joaquín. Para mí fue un honor que él lo eligiera para leer porque yo creo que sintetiza toda una época. Joaquín y Néstor, además, se deben haber conocido porque ambos militaban en La Plata, pero no tengo certezas de ese encuentro.

Infancia y Dictadura: sobre cómo darle voz a lo que está “enquistado en el silencio”.-

2010-10-27T19:55:00.000-07:00

Desde hace algunos meses Ángela Urondo le dio vida a un blog casi con la inocencia de una niña buscando su identidad. Así se embarcó en un proyecto mucho más grande que pretende construir las historias de esos chicos que vivieron la dictadura en carne propia y hasta ahora no tuvieron la posibilidad de contarlo. Hoy pueden hacerlo en un espacio que busca recuperar y resignificar parte de esos años duros que quedaron impregnados en la memoria.

Por Guillermina WatkinsFotografía gentileza de Ángela Urondo

Buenos Aires, octubre 27 (Agencia NAN-2010).- La mujer se hizo fuerte. Angie, como la llaman los que la conocen, tuvo que tornarse valerosa a la fuerza. Sin embargo, aún hoy, con sus 35 años, algo la continúa manteniendo niña. Algo que tiene en su mirada, algo que se cuela en sus palabras, algo que ya la deja dormir pero aún la mantiene despierta. Esa niña que, como se autodefine, “está desarmada de las palabras aún no aprendidas y es portadora del sinsentido de no poder asignarle contexto a su tristeza”, intenta explicar en conceptos y términos algo más que un proyecto.

Angie es Angela Urondo, la hija menor del poeta, periodista, dramaturgo, funcionario y militante de Montoneros Francisco “Paco” Urondo y de Alicia Raboy, jóven periodista y militante, ambos asesinados durante la última dictadura militar en Mendoza. Por eso también Ángela es, esa nena de once meses que fue testigo de ese destino que ya había sido trazado semanas atrás cuando desde la cúpula de Montoneros decidieron mandarlos hacia terrenos cordilleranos.

Y ahora, cuando sonríe o habla en doble sentido o con el humor más negro que ella desee, puede detener el tránsito, puede atraer como una serpiente y devorar el momento en una sola palabra. Su voracidad se traduce hoy, en decir lo que antes era no dicho. No quedan dudas que el Gen Urondo, aquel que empuñó las armas para buscar la palabra justa, se traduce en la escritura de Ángela: se nota su vital necesidad de expresarse para sacar máscaras a la luz y desenfundar por primera vez su verdad a través del arte que, claro, nunca deja de ser político.

En diálogo con Agencia NAN Ángela no habla de su infancia de manera directa pero ése es el espíritu que rodea toda la charla sobre su último proyecto virtual “Infancia y Dictadura” (http://www.infanciaydictadura.blogspot.com/). Un blog que se posiciona como la continuación de su primer espacio “pedacitos de Ángela” y como un espacio colectivo que se va acomodando para que todo joven que haya vivido la dictadura de manera directa o indirecta, puede evidenciar su historia a través de relatos o imágenes. Así, el puntapié es la foto que apareció el año pasado con ella en brazos de su padre con la cabeza cortada.

-- ¿Qué te representa esa cabeza cortada hoy?
-- Y bueno, demuestra el comienzo del corte que tuvo mi vida. Por eso, ahora que encaré este proyecto, no lo encaro como hija de desaparecidos, sino que empieza a tomar más magnitud lo que viví en primera persona. Hasta hace un tiempo mis relatos siempre iban en el contexto de la muerte de mis padres y por eso empecé mi primer blog que es Pedacitos de Ángela donde conté mi historia e inicié un período de desapropiación de mi historia para reafirmar mis raíces.

-- ¿Y cómo viene ese camino?
-- ¡Bien! Ahora intento buscar los términos más simples para describir mi historia. Y así fue como llegué, tres años después de empezar a escribirla, a contar fuera de mi ombligo. Me interesó tratar el tema del impacto de la dictadura militar en los chicos. Hablar sobre esos sueños sin sentido y el absurdo. Para empezar a acordarnos de cosas a las que no les podíamos poner palabras por ser, justamente eso, chicos. Pero los sueños son recuerdos y la recuperación es parte de recuperar la identidad. Entonces, en ese marco, es abro el espacio y la gente se empezó a sumar. Es sorprendente cómo después de dos meses y medio, he publicado más de una historia por día.

-- ¿Y cómo surge el proyecto?
-- Hace tiempo que tenía ganas de hacer una convocatoria para el proyecto de arte de una muestra colectiva de hijos de desaparecidos, pero cuando pensé bien todo me dije “no tengo ganas de limitarme sólo a hijos”. Entonces, a partir del eje temático “Infancia y Dictadura”, me di cuenta que no sólo los que somos hijos tenemos un humor particular, sino que también, mucha gente que en algún punto vivió esos años de muy de cerca, también tenía secuelas. Hay un montón de pibes que tienen “efectos de la dictadura” sin tener a sus padres desaparecidos. Además, me pareció necesario romper con eso, con que sólo somos HIJOS, cuando en realidad vivimos la dictadura en carne propia, en primera persona igual que nuestros padres o no. Por eso la variedad de textos es amplia y cuando se mezclan esos relatos de afectados y otros que no, sale lo interesante. O sea, cómo esa dictadura les dejó un registro. Si hubo 30 mil desaparecidos, entonces hubo 30 mil procedimientos por lo menos, y su hubo 30 mil procedimientos, me imagino los vecinos, los familiares, los compañeros de todos esos también son víctimas de la dictadura. Esas son historias que quedaron sueltas y la consecuencia de que lo sigan estando se mantiene hasta hoy.

-- ¿Cómo es el proceso de escritura de las historias?
--Mucha gente empezó a mandarme sus historias después de que yo publicase la mía. Y abajo empezaban a comentarme los sueños que habían tenido. Entonces, lo primero que hice fue transcribir esos primeros relatos, armé el blog, los subí, les pedí permiso y publiqué. Esto hace dos meses y medio; ahora ya recibí como 75 relatos, más de uno por día. Aparte. Por el momento me escribieron de muchas provincias, de Salta, Jujuy, La Pampa, y de otros lugares como Chile y México. Con otra gente saqué relatos de comentarios, charlas y después armaba los textos. Hay un gran abanico de historias y ojalá algún día esto pueda ser un libro. ¿Por qué no?

-- Lo importante es decirlo, ¿no?-- Sí, yo creo que ése es el objetivo central: decir las cosas que de chicos no podíamos decir por muchas razones. En mi caso yo no podía decir porque cuando era chica, no tenía palabras para decirlo y porque recién pude hacerlo de mucho más grande, más que adolescente. Yo no sabía lo que tenía que saber. Además, te decían que tenías que esconder una parte, reconciliarte con otra y, como toda buena niña de modales, agradeciendo siempre.

-- Encima que sos “perdedora” te hacían reconciliarte...-- Decir esas cosas que no podían decir de chicos. Eso no se habla, eso no se dice, eso no se toca. Todo quedó enquistado en un silencio. Y de chicos nos dijeron eso le pasó a la generación de los más grandes. Y eso no es cierto, también nos pasó a nosotros. Hubo un impacto en todos.

-- ¿Consideras que está fuertemente arraigado a lo político a tu arte?-- Sí, claro. Todo esto es escrito con mucha conciencia y desde que se me ocurrió la consigna estaba segura de que iba a tener respuesta porque la idea muy clara. Las vivencias tienen que ver con lo simbólico, es decir, cómo lo simbólico de la dictadura quedó en los sueños, y en los recuerdos. Pero también eso se nota en mi arte fundamental que es la gráfica. Yo me considero dibujante, de hecho he realizado muchísimas obras. La gráfica es mi lenguaje, mi herramienta natural. A través del arte, cuando era chica, salían todo el tiempo un montón de cosas a la superficie que no entendía cómo salían. Recuerdo que en una clase de teatro nos hicieron trabajar sobre un bebé en una cuna y que los profesores se quedaron en silencio cuando me vieron, porque a pesar que yo tuve un corte ahí, había algo en esa relación de madre-bebé que me sensibilizaba y que la podía mantener en vilo. En todos los Urondo hay una necesidad de expresarse: muchos somos artistas plásticos, otros músicos y algunos escriben.

-- Y ahora parece que la historia se va a empezar a escribir a partir de los juicios en Mendoza por la muerte de tus padres y de otros desaparecidos, ¿no es cierto? ¿Cómo empieza todo el proceso?
-- (En tono irónico) El 17 de junio de 1976 íbamos en un Renault 6 y tuvimos un “problemita” con unos milicos asesinos. En ese momento arranca la causa y yo me la pierdo porque estuve con una familia que no era la mía. Pero cuando recupero a mi verdadera familia, me entero de todo y que sus asesinos estaban sueltos porque (Raúl) Alfonsín y (Carlos) Menem les habían dado indulto. Entonces me enteré de mi historia en un contexto re “looser” a nivel legal. Y bueno, pasó el tiempo, en el que muchos luchábamos para no reconciliarnos con los asesinos hasta que se abrieron los juicios por la Verdad y se inició todo este último proceso. Hoy, la causa en Mendoza viene con todos los palos en las ruedas que los milicos vienen poniendo: que nos cambian de juez, que tal y otra cosa, y así no podemos empezar más. Por ahora tenemos fecha para el 17 de noviembre y ojalá de una buena vez por todas, esto arranque. De todos modos, la Cámara Federal de Mendoza está compuesta por jueces que fueron cómplices durante la dictadura en Mendoza, y todos tienen casos de haber aceptado la tortura. De ocho camaristas, cinco tienen muchas pruebas en su contra por haber sido cómplices y están haciendo miles de artilugios para que no los remuevan de sus cargos. Por suerte, somos 18 causas juntas las que tenemos fecha para el 17 y, aunque nos pongan piedras en el camino, ellos ya están muy acorralados por sus propias pruebas. Pero es difícil hablar de justicia en Mendoza cuando estos tipos siguen siendo parte del sistema judicial. Mendoza necesita una purga judicial urgente para seguir adelante.

Ángela continúa hablando de los sueños como espacio donde se puede vivir algo realmente verdadero, a pesar de la realidad. No es casualidad que ella, después de 20 años, haya podido reconstruir la causa de sus angustias a través de los sueños, mucho antes de saber la verdad sobre su primera ruptura fundacional. También habla de collages, de retratos, de caprichos, de pedacitos. Todas palabras en diminutivo, más ligadas a la infancia, pero que en ella siguen resonando fuerte aún siendo adulta, aún siendo madre.

Porque son los sueños, esos recuerdos o mundos paralelos, donde lo imposible se vuelve real. Ahí donde todavía ella es esa misma nena que siente el calor de su madre que la abraza, plantándola con su amor en el mundo para dejar de sentirse huérfana. Y Ángela, ahora es grande y sabe que su función en el mundo es destapar esos sueños, esas realidades, para buscar la palabra justa con los que nombrar esos abrazos no abrazos –como dijese su padre-

Rafa Paz: “Me tienen harto los géneros”.-

2010-09-03T19:49:00.000-07:00

Uno de los tantos alteregos del fotógrafo, publicista y manager de rock se confiesa en una charla de casi una hora con Agencia NAN. Rodeado de dos de sus amigos de la escena rockera y recientemente teñido de rubio a lo Lou Reed, el artista confiesa que está cansado de los encasillamientos, que ya escuchó todo lo que hoy está de moda y que quiere armar una productora donde todo sea rock.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza Rob Colanzo (Reynols)

Buenos Aires, Septiembre 3 (Agencia NAN-2010).- Rafa Paz tiene un sueño: quiere hacer todo –y de todo- por el rock. Desde aquel año en que salió de su ventosa Zapala natal para empezar a estudiar dos carreras que no le interesaron (Contador Público y Administración de Empresas), siempre supo que terminaría en la música de alguna u otra manera. De esas revistas perdidas como la Madhouse, o esas visitas a Mix Láser, la primera rockería de Neuquén, y también las graffiteadas por el centro zapalino, pasó a ser hoy uno de los fotógrafos de rock de bandas como Massacre, Litto Nebbia, Kahunas, Dante Spinetta, Tormentos, La Patrulla Espacial y el mítico grupo indie de los noventa conocido como los Reynols, que después de seis años volverá a reunirse a fines de este año.

Creador del sello Big Making Records, el artista pretende reunir a todas las bandas independientes que están sueltas, sin “identidad”, para seguir armando una pequeña familia de músicos: los amigos de Kirchner, Trostrigo, Sortie, Turi, Lo más horrible del mundo son algunos de los nombres a las que convocó para grabar en su firma en el estudio de Diego Acosta, músico también de Verdeoscuro. “Hoy es difícil vender discos, entonces algunos los producimos y otros los subimos a internet y de ahí le metemos”, le explica a Agencia NAN Rafa Paz que se acaba de convertir en un “Lou Reed de cinco pesos”, tras haberse teñido el pelo de rubio para su reciente cumpleaños.

--¿Cómo surge la idea de armar un sello independiente, siendo fotógrafo de rock, y cuál es el concepto que hay detrás de todo el proyecto?
--La gente no te compra los discos independientes y casi que tampoco está comprando discos de nadie. Entonces a algunos los sacamos y a otros no. Medio rata la onda, pero a veces quince pesos no son nada y encima te queda el disco. Tranquilamente, esos trabajos podrán convertirse en algo de culto o no, pero igual quedan, como parte de una época. Cuando tenés un sellito y vas armando una colección está bueno porque el sello te da una identidad o te garantiza algo, como la calidad misma.

--Entonces tu idea es conjugar todas las disciplinas comunicacionales para trabajar con la música, podría decirse…--Sí, ponele. O sea, yo empecé dos carreras que me di cuenta que no me gustaban, tal vez por un mandamiento familiar. Es más, no sé cómo me metí. En un año aprobé dos materias creo que porque me gustaba a la profesora, pero nada más. Me di cuenta un poco más tarde de algo: hay que hacer lo que a uno le gusta y ser amplio. Yo soy creativo publicitario, pero no trabajo de eso, trabajo del arte, haciendo publicidad y difusión de las bandas del sello, haciéndoles el managment y la fotografía. O sea, para mí la música es un todo, hay un todo alrededor de la música, ¿no? Es más, me metí en la fotografía de rock porque me gustaba el rock y la fotografía, no más que eso.

--¿Y cuál fue tu primera foto, cómo hacés para llegar a Litto Nebbia?

--Uff... a ver, yo empiezo con Masacre, sacándoles una foto con la misma cámara que le sacaba fotos en los actos a mis primas. Después, empecé a curtir la onda garage, “Saaaarf” (surf) como dice Litto, y así fue llegando el resto de los artistas. Yo no trabajo para ellos, sino que trabajo con ellos. Es más, a Litto lo conocí por un amigo y casi que le declaré mi amor sacándole fotos. Después, conseguí su e-mail, le mandé las fotos, le gustaron y me respondió. Para mí fue un flash recibir un correo firmado por él. Quizá si fuese un ser sensible le sacaría fotos a viejitos, pero la música es lo que más me interesa en la vida.

--Podrías reeditar los discos de Los Gatos con Big Making…
--¡Ojalá! La verdad que sería fantástico, pero no sé cómo es el tema de los derechos. Es una de mis bandas preferidas. Yo reeditaría todo, no puedo creer cómo Beat N° 1, cuarto disco de Los Gatos, no se puede conseguir porque no lo tiene nadie. Es una locura. No deberían faltar las piedras fundamentales como ellos, Pappo, que le dieron tanto al rock.

--Ahora hay como un resurgimiento del rock nacional en las bandas independientes, ¿lo ves de la misma manera?--Sí y no. En algunas bandas se nota esa intención de recuperar el rock y en otras no. Yo estoy escuchando de todo. Estoy cansado de los géneros, los detesto, me cago en ellos. Me gusta mucho el folclore, el rock. Estoy escuchando a Shaman, La Patrulla, Los Reyes del Falsete, Ruta del desierto, algunas bandas de Chile, como Los Tres o Prisioneros, Los Gatos. A veces cae mi amigo Gus, bajista de Amorfus y me trae Morphine, con su saxofón. Es decir, no tengo problemas de nada ni con nada.

--Y ahora, al menos los que te siguen por Facebook, han descubierto que empezaste tu carrera de músico. No tenés problema en calzarte el poncho, agarrar el bombo e irte de gira por Chile.
--Mirá, si la gente se enteró hace dos meses que soy músico, yo creo que me enteré hace tres. Nadie me hacía el aguante con el tema del folclore, como que están encerraditos en sus cosas y yo siento que escuché eso varias veces. ¿Cómo puede ser que tengamos casi 30 años y sigamos escuchando lo mismo? Hay cosas que te tienen que dejar de gustar a cierta edad, no sé, ir sumando a la gran biblioteca. No hay que encerrarse en un estilo, y por eso yo quiero ir armando una banda que haga un tema de cada estilo, que sepa fusionar. Cuando ensayamos a veces sentimos que tiene que ir una parte de drum and bass y la ponemos. Onda, folclore con drum and bass, con un poco de Cafrune, de Los Jaivas, de rock, de cualquier cosa.

--Y se fueron de gira con Trostrigo, que es tu proyecto de folclore.--Sí, toco con Rodrigo que es un chico de Chile. Nos fuimos allá porque hay como una movida más grande de folclore independiente. O sea, acá hay, pero es como siempre el mismo circuito. Allá hay de todo en todos lados. Acá no siento que haya algo nuevo en el folclore argentino. A veces Shaman hace algo con eso, pero sino es todo lo mismo. Por eso apareció mi alter ego, Poncho Korea, que es como Batman, sale cuando tiene que salir, el resto del día soy Bruno Díaz, casi multimillonario.

Así, Rafa Paz, Poncho Korea, Trostrigo, como quieran llamarlo, cierra su diálogo con Agencia NAN, entre muchas risas con sus amigos el saxofonista de Amorfuss y Rob Colanzo, guitarrista de Reynols , quienes son los encargados de sacarle la foto para la siguiente nota y en una última declaración afirma que su nuevo proyecto será hacer música para el acto sexual “onda Massive Attack, onda Air”. Habrá que esperar sentados las novedades. O quizás sea mejor acostados.

Big Making Records: http://www.big-making.com/
Web foto: http://www.fotopaz.com/

Moscas en La Conrado Centro Cultural de Neuquén.-

2010-08-18T19:45:00.000-07:00

Humor negro, danzas estrambóticas y una heladera que conecta el mundo exterior con una cocina que es el epicentro de una historia de violencia familiar son algunos de los ingredientes que condimentan la obra creada por el grupo que dirige Anahí Acosta en la capital neuquina.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza de Luisina Fontenla

Buenos Aires, agosto 10 (Agencia NAN-2010).- El nuevo camino del teatro independiente neuquino está signado por el absurdo de las situaciones comunes. Sin dejar, claro, la inventiva ficcional dramática de sus personajes, el teatro de la región patagónica pareciera estar transitando rumbos frescos donde la burla, el humor, el doble sentido y los gags más inesperados pueden cobrar sentido con vertiginosidad. Así al menos es lo que demuestran varias de las obras que están en cartelera en la capital de Neuquén, como la recién estrenada Moscas, dirigida por Anahí Acosta y que permanecerá en escena todos los sábados de agosto, siempre a las 21.30 en La Conrado Centro Cultural de esa ciudad (Irigoyen 138).

Las moscas no son las que el filósofo francés Jean Paúl Sartre denominó como la “conciencia que busca la libertad”, sino una excusa para empezar a hablar sobre esas cosas que molestan en los circuitos sociales más íntimos. El ejemplo más claro es la familia: epicentro de rencores, odios, alegrías, amores y decepciones. Así, el grupo de teatro concertado eligió trabajar sobre los vínculos estrechos que, a través de la frustración de los individuos que la componen para lograr sus aspiraciones, recurren a la violencia física y psicológica como solución al problema. Es decir, las moscas, su sonido molesto y la necesidad de aniquilarlas una por una, demuestran los rasgos enfermos de una familia en decadencia que a través de guiños al espectador, lo sacan de su lugar y le cuentan con gestos, palabras y silencios, un poco de las redes que se tejen en cada familia.

En principio, la obra transcurre en un escenario cotidiano: la cocina de un hogar. No son necesarios más que una mesa, varias sillas, un matamoscas en aerosol y uno analógico (manual), ollas, un boul y otros elementos útiles, además de bolsas de compras vacías en una heladera desvencijada que funciona de puerta de entrada y salida de los actores.

De esta forma, Carolina Encina, María Prieto, Laura Romero y Leandro Stepanchuc se ponen en la piel de Lucrecia –hija medio estúpida-, Catalina –abuela cómplice-, María Rosa –madre sumisa y violenta- y Braulio –padre alcohólico y violento- y narran en pocas palabras las peripecias de una familia signada por la violencia del silencio y la sumisión por parte de las mujeres a un ente mayor –Braulio- que las domina psicológica, física y económicamente.

Con este hilo, la obra transcurrirá durante una hora, a través de un viaje de humor negro. En ese movimiento se logran ver diferentes formas de ejercer la violencia: una espiral del silencio que va colocando a cada uno de los personajes en su rol de sometimiento y que sólo en un momento se pondrá en jaque cuando Catalina, la abuela, decida comenzar un juego de intercambio de roles. Así, cada uno de los personajes será partícipe del terror que ejerce sobre el otro pero durará poco la ilusión y el desencanto, y los personajes elegirán volver a sus pieles vergonzantes.

Escenas donde Braulio le pega a su hija y se desata una danza estrambótica muy bien lograda por la niña, o bailes eróticos que narran el momento en que el padre obliga a su mujer a mantener relaciones sexuales, contrastan con las intenciones de una Lucrecia liberada y decidida a vengarse de su progenitor. Ahí es donde la obra comienza a tener otro sabor. De la amargura temática –y no de sensaciones, porque, como se dijo, en ningún momento el tópico violenta lleva al espectador a la congoja-, se pasa a momentos graciosos, bizarros, donde las tres mujeres comienzan una emboscada contra Braulio, musicalizada por la excelente composición de Carlos Tendler, que no llega a completarse pero que tiene un final feliz ya que definitivamente Braulio las deja solas. O al menos, eso es lo que parece.

El resto cabría imaginárselo. ¿Cómo estas tres mujeres partícipes de un círculo vicioso podrán manejarse solas en un contexto tan desolador como el que Moscas anuncia? Sin embargo, a ellas pareciera no importarles y el amor comienza a materializarse en sus miradas. Así, las tres, con caras de mujeres maltratadas no sólo por un marido acosador sino por las últimas consecuencias del país que las dejó medio estúpidas, desamparadas y dependientes, comienzan un nuevo camino en sus rutinarias vidas.

¿Podrán, entonces, hacerlo? La obra no da indicios de eso y, de hecho, es complicado imaginárselas despegando psíquicamente de la realidad violenta. De todos modos, ellas sonríen estúpidamente. Con esa estupidez propia del humor negro y del poder reírse de las cosas más cercanas; esas que están a la vuelta de la esquina, dentro de nuestra casa, en nuestro ombligo.

A donde van esos chicos modernos...

2010-08-03T08:09:00.000-07:00

La vigésimo primera edición del festival reunió a cuatro bandas bonaerenses y concluyó con la misma sensación que dejaron sus predecesoras: el under argentino sigue dando que hablar.
Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza de Frida Stecher

Buenos Aires, julio 27 (Agencia NAN-2010).- El under tiene un lugar específico. En el sentido más estricto de la palabra posee un área tangible y una identidad. Ese sitio físico y a la vez virtual, se llama Turdera Fest, que en su vigésimo primera edición logró posicionarse otra vez como un punto de privilegio de la música alternativa bonaerense. Más allá de eso no ancló su rastro en el viejo club Alumni, donde supo nacer, hace dos años, sino que Turdera se convirtió en algo tan grande que sus organizadores sintieron la necesidad de ampliar sus horizontes y salir a dar vueltas. La Plata, Zona Oeste, Capital Federal e incluso varias ciudades del país tuvieron la oportunidad de conocer este festival y vivir las sensaciones que brinda en carne propia.

En la noche fresca del sábado, la posibilidad fue para quienes asistieron al Centro Cultural Zaguán Al Sur de la Ciudad de Buenos Aires. Allí, cuatro bandas se reunieron para inaugurar el tercer encuentro musical del año. Javier Punga y su conjunto musical abrieron la velada con un recorrido por los temas de los discos caseros con más formato a canción, y con la nueva artillería de su disco Manzanas Deliciosas que incluye bases electrónicas y la increíble actuación de Luis, su bajista, que con sus ritmos no deja en paz a los espectadores. Así, el autor de “Multimillonario” o “Chica cheta” se subió al escenario cerca de la medianoche para comenzar un show de rock poderoso, basado en la monotonía y las fuertes entonaciones de su cantante.

Sin dejar un silencio, entre temas de New Order y Blondie, que el DJ de turno se encargó de poner para el público espectante, se hizo cargo de la escena Viva Elástico, una de las bandas del indie que más está dando que hablar por su capacidad de mezclar sonidos. Una fusión de Palo Pandolfo, con la época de Francisco Bochatón solista y hasta Las Pelotas o Interpol, los Elásticos no le tienen miedo a hacer un cover de Sergio Denis o frenar para volver a tocar un tema que empezó a destiempo. Con voz sacudidora y necesidad de libertad, su cantante va modulando emociones sin remedio de una generación de jóvenes rockeros a la que pertenece, acompañado por un buen séquito de músicos que no lo dejan solo. Con más de diez temas durante su repertorio, los Elástico dejaron bien en claro cuál es su arma secreta luego de ocho años de tocar juntos: canciones pop con existencialismo suburbano y una voz que pide a gritos un cambio.

Así, después de una entrada en calor de por más riffera, se subieron al escenario Los Reyes del Falsete para convidar al público de un poderoso trío de batería al frente y dos guitarras a falta de una. El trío de Adrogué, que viene moviéndose desde el año pasado con su disco La fiesta de la forma, irrumpió en el escenario de la calle Moreno para comenzar con un grito profundo de su cantante e incitar a la gente a la fiesta. Una fiesta sin forma ya que resulta complicado seguirle el ritmo a una banda que invita con canciones tranquilas pero que por su distorsión sacuden, o que por sus tempos podrían ser temas bailables y que por ser cortados con una batería noise, dejan al espectador atónito. Miedo, fiesta descontrolada, chicas borrachas, Yabrán y el ferrocarril Roca son los temas de los que hablan los hermanos Rex y Munchy con la clara influencia de los Flaming Lips o Sonic Youth.

Ni bien el power trío se retiró, el público parecía no querer dejar el calor que los abrigaba cerca del escenario. La manta de olores y humos contenía a la mayoría de las personas que fueron a ver a alguna de las bandas o a deleitarse con todas ellas. La gente bailaba mientras una rubia llamativa con vestido de satén- la bajista de Mujercitas Terror- se subió al escenario para colgarse el jazz bazz de colores oscuros que le pertenece. Diez minutos pasarán hasta que los primeros rasguidos de un bajo tocado con púa anuncien que el show comenzará. Doce temas en clave punk u otroyoianos, con una voz oscura y profunda de la rubia y los gritos del flaco de rulos que la acompaña, harán bailar a las más de doscientas personas que acudieron al Turdera Fest, para darle nuevamente el sí al under argentino.

Mujercitas Terror: http://www.myspace.com/mujercitasterroroficial
Viva Elástico: http://www.myspace.com/vivaelastico
Javier Punga: http://www.myspace.com/javierpunga
Los Reyes del Falsete: http://www.myspace.com/losreyesdelpacheco

Discos: “Elesplit” (Sr. Tomate, Shaman & Los Hombres En Llamas y Prietto Viaja Al Cosmos Con Mariano, 2009).-

2010-07-05T09:55:00.000-07:00

Nueve temas grabados por tres bandas y músicos invitados componen un disco marcado por la variedad de estilos, la simpleza de las canciones y la fluidez de una charla entre personas que hablan el mismo idioma.

Por Guillermina Watkins

Buenos Aires, julio 5 (Agencia NAN-2010).- Un punkie tradicional, de ciudad o de suburbio, podría afirma que sólo la cresta y las tachas estarían anunciando estéticamente lo que esas cuatro letras inglesas implican. Sin embargo, con la aparición de Elesplit, disco en conjunto de tres de las bandas que vienen sumando más seguidores en el indie, parece indicar lo contrario.

Fieles a su tradición de músicos de ciudad, encerrados en el patio de alguna casa amiga o bien en una de las tantas plazas que hay en La Plata, estos once músicos y amigos invitados decidieron componer un disco en conjunto que reflejara justamente eso: la fraternidad gestada por un grupo de personas que, durante tantos años de ensayos, recitales y bandas en común, fueron afinando una misma línea estética.

Así, haciendo honor al espíritu punk y a su costado comunitario, como alguna vez lo hiciera La Cofradía de la Flor Solar en los setenta y su espíritu que sigue latiendo en el rock local, grabaron un split: formato de disco compartido por dos o más grupos que, debido a los costos de grabación, se solía hacer para enfrentar el avance de los precios. Con la aparición del cassette, muchos grupos punks y hardcore solieron hacerlo para poder mostrar lo suyo. “Yo recuerdo haber tenido varios cassettes de bandas independientes grabadas de esa forma. 2 Minutos, Flema y Attaque lo hicieron. Son artesanales, discos especiales como el espíritu de tomar mate con unos amigos”, confirma Eduardo Morote, baterista de Sr. Tomate.

Elesplit está constituido por nueve temas --tres de cada banda-- que fueron grabados y arreglados por toda la “comunidad” de músicos que se encerraron durante dos días en Kraut, la sala de ensayo y grabaciones del músico patagónico y colaborador de varias bandas de la escena local Shaman Herrera y que frenaron sólo para dormir, para darle rienda suelta a su poder creativo, catártico.

El resultado es un disco cargado de variedad de estilos pero con el mismo camino trazado: el de la simpleza de las canciones y la fluidez de una charla entre personas que hablan el mismo idioma. Ese recorrido lo inicia Prietto Viaja Al Cosmos Con Mariano, banda porteña pero platense por adopción, con “Me vas a recordar” y la impronta de su voz llorona y sus guitarras monotónicas del clásico indie. Sin llamar mucho la atención, una voraz canción de Los Hombres En Llamas, “Vendaval”, se impone con un rock y una voz más potente en esencia que la de Prietto. El siguiente es de Sr. Tomate “Llano” donde se dibuja un tema recurrente de la banda: el desamor, el vacío, la dificultad de levantarse de la cama y el claro contraste con una música alegre.

Así será el proceso hasta el final, pero por triplicado. A Partir del cuarto tema, la cosa se pone más colectiva y se ve la intención primigenia del disco cuando los músicos comienzan a mezclarse e, incluso, a invitar amigos como en “Canción para el Afro y Shaman”, de Prietto, donde participan músicos de Sr. Tomate o “La casa está en llamas de Shaman”, en el que se suma la voz grave de Natalia Politano, “Poli” de Sr. Tomate y Lucas Borthiry de La Patrulla Espacial, para hacer dos de los temas con más fuerza lírica y musical del disco.

La cuenta continúa con “Papá”, de Sr. Tomate, “Los perros del lugar”, que le da cierre al viaje de Prietto y Mariano, “El río en el camino”, una explosión de Shaman por temor al desencanto y al escepticismo, y “Oso de invierno”, de Sr. Tomate, que es cantada a coro por los once músicos que le dieron vida a esta maquinaria de sentimientos compuestos por los clásicos acordes simples del punk.

MySpace: http://www.myspace.com/vivaelesplit

"No te pierdas de lo real" (Varsovia Varuna, La Plata, 2009).-

2010-07-05T09:53:00.000-07:00

El trabajo primigenio del cuarteto platense mantiene a lo largo de diez temas una línea rockera que se deja influir en varios momentos por el reggae, la milonga, la zamba y el vals.
Por Guillermina Watkins

La Plata, junio 21 (Agencia NAN-2010).- El cuarteto de La Plata Varsovia Varuna lejos está de sonar como Varsovia, la primera banda de los ex Joy Division y ex New Order. En vez de climas oscuros y melodías graves, los Varuna se proponen dejar en la memoria musical un disco de diez temas que le rinde homenaje a la canción tradicional y se deja influir por el reggae, la milonga, la zamba y el vals, sin perder el rumbo de una línea rockera.

De este modo, la banda comandada por la voz bien trabajada de Juano fue formando su amplio séquito de seguidores del rock universal y, así, llegó a tocar junto a Baltasar Comotto (guitarrista del Indio Solari y de Luis Alberto Spinetta); compartir escenario con el excéntrico músico uruguayo Martín Buscaglia, ser soporte de NTVG en Rauch y participar como invitada en el festival Muchogustok.

No te pierdas de lo real, el álbum primigenio de esta banda que vanagloria del rock en todas sus formas, propone un recorrido por alguno de los ejes temáticos de la vida e invita, como punto de reflexión más fuerte, a no perderse de lo real ante las adversidades, intentando llegar a la gente sin peajes.

Así, abre el repertorio de una decena de temas “Pecan”, en clave reggae, con guitarras seguras al frente como una crítica a quienes venden una realidad estanca, con culpas, sexo castigado y a quienes “pecan por no pecar”. Inmediatamente le sigue “Hawai”, pista que comienza con un ritmo similar al de una balada, una cancioncita, y termina con mensaje esperanzador para quienes se levantan con miedo.

“Quedate acá” y “Bombea”, canciones rifferas con un tinte arbolesco, son temas que tienen la misma línea: empiezan tranquilos y después se convierten en una ola de guitarras y trompetas principalmente. “Milonguita” y “Zamba” son dos temas que permiten una salida del trayecto que venían transitando los músicos para desembocar en las opresiones y represiones, y en la necesidad de sentir que “el sentido de la realidad es sentir realmente que estás acá”.

Cierran “Aglusón”, una balada rockera y desahuciada; “Fuga”, un valsecito; “Cosas”, uno de los mejores momentos el disco donde los artistas reflexionan sobre el amor, el miedo y la muerte; y “Cochecitos”, una crítica a una sociedad que sólo prefiere andar contando las victorias y que por eso se impone “borrar su memoria”.

Por eso, los lectores de Agencia NAN tienen la oportunidad de llegar a esta banda, que propone encontrar una mirada distinta de tanta realidad como punto de partida para dejarse llevar por el verdadero sentido de las cosas y sobre todo de la música.

My Space: www.myspace.com/varsoviavaruna

Maga Lee: “¡Los vinilos no deben venderse!”.-

2010-07-05T09:50:00.000-07:00

El alterego drum & bass de la hermosa Gisela Magalí Lago es una especie de princesa oscura, como las brujas sexys de las películas de Disney. Salvo que su mundo no es de fantasía: sumergida en un género rezagado aunque creciente en Argentina, que tiene además pocas exponentes, la DJ se propone ampliar horizontes y se le anima a las bandejas. También, a una charla con Agencia NAN.

Por Guillermina Watkins
Fotografía de Santiago Goicoechea

Buenos Aires, junio 17 (Agencia NAN-2010).- Es mediodía en la esquina de Suipacha y Sarmiento, y además del constante movimiento cotidiano, los bares están superpoblados porque se juega la primera fecha del Mundial de Sudáfrica. Cientos de oficinistas comen la promoción del día y miran el partido en un silencio sospechoso, mientras que por la inmensa puerta de vidrio de uno de esos cafés entra una chica tamaño small con grandes ojos verdes. Es Maga Lee, la DJ mimada del drum & bass porteño y una de las pocas mujeres de la electrónica local, junto a Mina, Carla Tintoré y Romina Cohn. A regañadientes, la intérprete“madruga” para el encuentro con Agencia NAN y allí se entera de que el torneo más grande del fútbol mundial ha empezado.

Gisela Magali Lago cuenta, entre sonidos de vuvuselas y varios “¡uh!” de la inercia futbolera, que el drum & bass, su estilo predilecto, es poco masivo en comparación con otros, pero que aún así ella prefiere seguir tocándolo. “Una vez, charlando con un amigo, me preguntó al aire qué pasaría si el drum & bass fuese masivo como el minimal y yo pensé: ‘¿Estarían todos bailando como floggers?’. La conclusión de ambos fue que era mejor que siguiéramos siendo under”, rememora entre risas agudas. Y salva: “Aunque, si lo hiciera, tendría más trabajo”.

Con el paso del tiempo, Maga Lee se fue erigiendo como una especie de princesa de la escena local, con un sonido potente y bastante oscuro pero sin dejar de ser femenina cuando se sube a los escenarios. “La gente no entiende muchas veces el estilo, pero mi función es hacerla bailar, y siempre lo logro”, acota. Y luego advierte que “bajo ningún punto de vista o crisis económica, los vinilos deben venderse. ¡Nunca!”. La chica se confiesa fanática de la música y se le nota cuando habla: soulfull, jum up, tech spte, dark step, liquid funk y demás conceptos se deslizan en cada una de sus frases.

Under o poco masivo, lo cierto es que el drum & bass generó su propio circuito con el correr de los años, a pesar de ser la “oveja negra” de la música electrónica. Como principal trinchera, todos los martes en Barhein, la ex bóveda de un banco ubicado en el Microcentro porteño se realizan los ciclos +160, organizados por el DJ residente Bad Boy Orange y que llevan 8 años de ritmos rotos y varias visitas internacionales en su grilla. Ahí, aunque no haya sido su lugar de nacimiento musical, se fue fogueando Maga Lee junto a un grupo de DJs conformado por Orange, Buey, Lauder, Felipe, GiorgioLive, Pablo Terreil y el platense Luis Zerillo, que se sumó hace poco al staff.

“Empecé en un cumpleaños de un amigo por el 2002, 2003, y pasaba sólo techno. En ese momento no sabía mezclar, pero igual me mandé varias veces. De toque, me pasé al drum & bass porque me di cuenta de que me daba otras cosas el estilo: varía todo el tiempo y me saca de mí. Yo siempre pongo el drum & bass más agresivo que encuentro”, relata la DJ. Maga, que lleva ese apellido artístico por sus rasgos achinados y que fue bautizada asì por sus amigos en alusiòn a Bruce Lee, el maestro de las artes marciales hollywoodense, decidió hace menos de dos años dedicar de lleno su vida a la música electrónica o a ese “trabajo indigno”, según el gran Pappo Napolitano. Ella sabe que los ritmos rotos de Goldie o Photek (los principales exponentes del drum & bass a nivel mundial) son un estilo difícil de promover y, sin embargo, la escena local va sumando cada vez más adeptos en público, ciclos independientes y músicos productores.

“El ciclo +160 es súper importante por el esfuerzo de Bad Boy Orange que, si bien no fue el primero en pasar drum en el país, es el único que sigue dándole rosca y que, además, armó todo un circuito de la movida. Después están las Killerdrumz y el Bass Or Die, ciclo que organizamos con DJ Neda algunos fines de semana para la gente a la que le gusta el estilo pero que no puede salir los martes”, relata Maga Lee.

Como trabajadora ferviente del drum & bass, pero sobre todo de la música electrónica en bandejas, ella sabe que para vivir de la música tiene que ampliar sus horizontes, o al menos es lo que se está planteando. “Estoy armando otras facetas musicales, pero siempre bien arriba: techno y house. No voy a cambiar de nombre, siempre voy a pasar drum & bass, pero ahora Maga va a ser DJ full time”, agrega la única mujer que se le anima a las bandejas y confiesa, casi hablando en tercera persona y a forma de remate, que prefiere ir a ver una banda en vivo que a un DJ. Mientras, abandona sus intentos de comer una porción de pizza fría en su amanecer tardío.

http://www.myspace.com/djmagalee

Discos: "Todos los ocasos" (La Patrulla Espacial, 2009.-)

2010-05-29T17:13:00.000-07:00

El cuarteto patagónico ofrece doce canciones que combinan el blues argentino y el kraut rock. Los climas envolventes, las letras cómplices y los mensajes oscuros que priman en sus presentaciones en vivo también componen la estética de su primer LP.
Por Guillermina Watkins

Buenos Aires, mayo 24 (Agencia NAN- 2010).- “Toda la noche esperaste el blues, toda la noche”, canta Tomás Vilche (o Bowie, su nombre artístico) en el quinto tema de Todos los ocasos, primer larga duración de La Patrulla Espacial. Sin embargo, a esa altura, quince minutos del blues contemporáneo más espacial suenan en la cabeza del oyente predispuesto. ¿Por qué? Porque estos músicos de las provincias de Tierra del Fuego y Chubut que se mueven en el circuito de La Plata parecieran querer acercar la tradición de los memorables primeros cuatro discos de Pappo's Blues, pero también los vestigios de una tradición que viene del kraut y del camino repetitivo y expansivo.

Así como la fuerza que despliega en vivo, los climas envolventes que el cuarteto brinda en doce temas liberan los sentidos, con letras cómplices y mensajes oscuros para despertar a los quietos e incitarlos a tomar una coupé antes de viajar por terrenos cordilleranos. Aquí, el noise de La Patrulla inicia su recorrido con “Blues de algún lugar”, tema clásico de riffs pegadizos, armónicas y wah wahs machacantes que hablan del amanecer después de la oscuridad. Luego llega “El perfume”, el hit, un rock and roll tan directo como cualquier tema de Pescado Rabioso: “¿Qué significan esos ojos hoy?”, grita Bowie en el final del estribillo y las guitarras de Lucas Borthiry van para adelante, dándole dramatismo a la canción.

A “El hogar de nuestras vidas” le sigue “Me voy de casa”, un blusecito de armónicas dylanescas, más alegrón e instrumental que el resto y que sólo dura 52 segundos. “Toda la noche” vuelve a marcar un momento de subida y “Blues para la última salida del sol” plantea la soledad de esa estrella, que pareciera morir mientras amanece. “Todos los ocasos” y “Boogie de humo” son bien rifferos, no terminan de arrancar y dejan con ganas de más.

Para esa ansiedad, “Psicodélicos sonidos boogie”, o el tema que podría ser el “Masacre en el Puticlub” de La Patrulla; “Hacé lo que quieras”, un blues bien noisero y escéptico; “El alma de las cosas muertas”, un tema oscurito y de guitarras densas y acopladoras; y finalmente “El cuervo dorado”, canción colgada, corte western, de última resaca de algún viejo blusero, de esas que se repiten en alguna computadora de barrio un domingo por la tarde.
MySpace: www.myspace.com/lapatrullaespacial

Resaltando la imperfección

2010-05-29T17:09:00.000-07:00

Ana Utrero es una artista ansiosa de fines del siglo XX. Desde Extremadura a La Habana, la diseñadora gráfica amante del cine, comenzó un viaje que la traería a tierras argentinas. Acá se quedó, y desde hace un mes organiza ciclos que están dando que hablar: Mamá Domingo propone un espacio de intervenciones artísticas con el fin de dejar afuera los prejuicios y darle rienda suelta a la imaginación.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza de Mamá Domingo

Buenos Aires, mayo 20 (Agencia NAN-2010).- Los afiches de Mamá Domingo llaman la atención por su característica estética punk y under. Sin embargo, al fijar la mirada en esas publicidades, muy lejos están de presentar una matiné festihardcore. Contrariamente al ritmo de los bombos en negra y las guitarras distorsionadas, el festival que organiza la artista Ana Utrero propone tranquilidad, relajación, extrañamiento y dinamismo.

La propuesta es innovadora por donde se la mire. Consta de la intervención de artistas sobre la proyección de una película entre los márgenes del libre albedrío, gran protagonista de cada encuentro. A saber, desde la experimentación personal, cada domingo el evento se materializa: diseñadores, actores, músicos, artistas plásticos y fotógrafos hacen lo suyo sobre una filmación rigurosamente seleccionada por Utrero, a partir de la espontanea creación y resignificación de las imágenes que se hayan despertado en ellos.

Desde luego que el rodaje deja de ser el mismo porque pasa a ser manipulado por el espectador. El concepto esbozado por Utrero es la psicomagia. Es decir, cada una de esas mediaciones, son actos de psicomagia, término esbozado por el director de cine chileno Alejandro Jodorowsky, que alguna vez planteó, como punto primordial de su manifiesto, que “todo lo que arrastramos tiene que retorcerse hasta sublimarse. Todo lo que hemos recibido es un tesoro, no es necesario eliminar una parte. Hay que fecundar lo que nos viene dado”.

Entonces, es desde esa concepción del arte que tiene como finalidad “curar porque sino cura no es verdadero” que Mamá Domingo pretende convocar a los artistas, pero también a otros públicos, para sublimar “las penas, las historias, aquellos problemas que se arrastran desde siempre a través de una acción concreta, algo que es materializado, realizado y que no queda sólo en palabras”, según cuenta Utrero en diálogo con Agencia NAN.

Así, a partir de ubicarse en escena y romper con los prejuicios y lo que sólo dicen las palabras, los hechos salen a la luz y después de eso, ya no hay vuelta atrás. Actores que arrojan verduras u objetos sobre la filmación, al igual que proyecciones de otras imágenes sobre la misma película, teatro de sombras detrás de una cortina, actuaciones o reinterpretaciones de la filmación; todo puede pasar cuando Mamá Domingo empieza.

De todas maneras, ese espacio se convierte en “anónimo”. Por lo tanto, se lleva a una pérdida de identidad que es lo que más preocupa a los artistas a la hora de despojarse del miedo, en una cultura donde “el yo deja de tener tantas reservas y deja de sacrificarse por ser perfecto. Acá podés ser imperfecto, porque se trata de eso, de jugar. La finalidad del ciclo es que todo sea un juego”, concluye Utrero.

La próxima cita será el domingo. Entonces, se proyectará la primera película de Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, y tocará la banda Peter Pank & Los Chicos Perdidos, además del Dj Lima. Será en El Emergente Club Bar, Gallo 333, Ciudad de Buenos Aires, a partir de las 20.

"En los jardines" (Negativo, 2010).-

2010-05-05T20:15:00.000-07:00

Un disco breve, oscuro y ambiguo, pero a su vez rockero y climático. El primer opus del cuarteto salda una deuda pendiente con el brit pop en la La Plata.

Por Guillermina Watkins

La Plata, abril 26 (Agencia NAN-2010).- Guitarrero y melancólico, de calles que podrían ser inglesas en pleno otoño oscuro, En los jardines, ópera prima de Negativo, se lanza a los oídos melómanos como una buena dosis de britpop, género relegado hace años en la ciudad de las diagonales. Así, “La máquina del power pop” --según la etiquetan en la escena rockera local-- llega a las bateas indie con un disco de aproximadamente 30 minutos que entrega diez temas en español e inglés.

Con más de tres años de presentaciones en La Plata y en la provincia de Buenos Aires, la banda integrada por Juano (batería), Juanpa (bajo), Faber (guitarra) y Marian (voces y teclados) deslumbra con un LP de rock sombrío con sonido impecable. Editado y masterizado por sus integrantes, En los jardines presenta una oscuridad ambigua: los riffs poderosos no permiten bajar un segundo la adrenalina, pero a su vez, la voz y los cortes aclimatan al oído hacia una atmósfera más del clásico post-punk. “Quisimos representar momentos reales y no. Oscuridad, ambigüedad, metáforas que rocen la poesía, pero más simples”, comenta Juanpa a Agencia NAN.

Se conocieron entre la noche platense y la Universidad Nacional de La Plata. Y al calor de Placebo, Sonic Youth y The Strokes decidieron armar su propia formación: Negativo, que como su nombre lo advierte siempre está por “revelarse”. Y vaya revelación lograron: cuando tocan despliegan una verdadera máquina de guitarras machacantes y una batería que es un relojito.
Así, “Limo”, una canción de fuertes altibajos melódicos y dramatismo lírico, lanza al oyente a un viaje que conduce hacia las entrañas de la máquina del power pop. Le sigue “Mochilas”, un tema que se codea con las típicas baladas pop de los '90. Mientras “She said” es un corte bien bauhausero.

Luego, “The ask”, “Sueños mojados” e “Ismos” --en inglés, español e inglés respectivamente-- llegan con baterías rápidas y guitarras que connotan estados de ánimos up and down, como las composiciones de la banda liderada por Brian Molko. Las últimas: “Minolta”, “Tzunami”, “500.000” --que cuenta con la participación de Susan, trompetista de las Dirty Diamonds-- y “Meaningless”, cancioncita que cierra el disco de manera tranquila, abatida y apagada.